arta teatrala ruseasca. Teatrul rus Teatrul rus (teatrul rus) a parcurs o altă cale de formare și dezvoltare decât teatrul european, oriental. Istoria teatrului. Prezentare despre istoria teatrului

INTRODUCERE Istoria teatrului rusesc este împărțită în mai multe etape principale. Etapa inițială, jucăușă, apare în societate de clanși se încheie până în secolul al XVII-lea, când începe o nouă etapă mai matură în dezvoltarea teatrului, culminând cu înființarea unui teatru profesional de stat permanent în 1756. Termenii „teatru” și „dramă” au intrat în dicționarul rus abia în secolul al XVIII-lea. La sfârșitul secolului al XVII-lea, termenul „comedie” a fost folosit și de-a lungul secolului - „distracție” (Poteshny Chulan, Camera Amusing). În rândul maselor, termenul „teatru” a fost precedat de termenul „rușine”, termenul „dramă” - „joc”, „joc”. În Evul Mediu rus, definițiile sinonime cu ele erau comune - jocuri cu bufoni „demonice” sau „satanice”. Tot felul de minuni aduse de străini în secolul al XVI-lea erau numite și distracție. secolele XVII, și artificii. Activitățile militare ale tânărului țar Petru I au fost numite și distracție. În acest sens, atât nunta, cât și murmurul erau numite „joc” sau „joc”. „Joc” are o semnificație complet diferită în raport cu instrumentele muzicale: cântat la tamburine, sniffles etc. Termenii „joc” și „joc” aplicați dramei orale s-au păstrat printre oameni până în secolele XIX-XX.

Teatrul rusesc a apărut în antichitate. Originile sale se întorc la arta populară - ritualuri, sărbători asociate cu munca. Cu timpul, ritualurile și-au pierdut sensul magic și s-au transformat în jocuri de performanță. În ele s-au născut elemente de teatru - acțiune dramatică, murmur, dialog. Ulterior, cele mai simple jocuri s-au transformat în drame populare; au fost create în procesul de creativitate colectivă și stocate în memoria oamenilor, trecând din generație în generație.

Jocul taurului. Un tip îmbrăcat în taur ține în mâini, sub o pătură, o oală mare de lut cu coarne de taur adevărate atașate. Interesul jocului este de a da cap la fete Ca de obicei, fetele încep să țipe și să țipe, după care taurul este ucis: unul dintre băieți lovește oala cu un buștean, oala se sparge, taurul cade și este purtat. departe. Joc Konyashki - Jucătorii sunt împărțiți în două „trupe”. Fiecare „armata” este împărțită în „cai” și „cai”. Călăreții sunt de obicei fete. Sarcina jucătorilor este să dezechilibreze cealaltă pereche. Câștigă cel care stă în picioare cel mai mult. Creștinii, după ce au văzut destule astfel de jocuri din spatele tufișurilor, apoi au venit cu povești înfricoșătoare despre „vrăjitoarele săritoare” care urmăresc oamenii până la moarte.

Jocurile aveau initial un dans rotund, caracter coral. În jocurile de dans rotund, creativitatea corală și dramatică au fost îmbinate organic. Cântecele și dialogurile incluse abundent în jocuri au ajutat la caracterizarea imaginilor jocurilor. Comemorarile în masă aveau, de asemenea, un caracter jucăuș, erau programate să coincidă cu primăvara și erau numite „Rusalia”. . Centrul sărbătorii era ritualul înmormântării sau rămas bun de la sirenă. Participanții săi au ales cel mai mult fata frumoasa, decorat cu numeroase coroane și „ghirlande” de verdeață. Apoi cortegiul a trecut prin sat, iar după-amiaza târziu participanții au scos „sirena” din sat, cel mai adesea pe malul râului. În timp ce interpretau cântece speciale, coroanele și ghirlandele erau scoase de pe sirenă și aruncate în apă sau în foc (dacă nu era râu în apropiere). După ce ceremonia s-a încheiat, toată lumea s-a împrăștiat, iar fosta sirenă a încercat să-l prindă și să-l prindă pe unul dintre cei care o însoțeau. Dacă prindea pe cineva, era considerat un semn rău, prevestind o boală viitoare sau moarte.

Sărbătoarea Rusaliei începe cu cinstirea strămoșilor, care sunt invitați să rămână în casă, împrăștiind crengi proaspete de mesteacăn în colțurile casei. Aceasta este, de asemenea, o zi de amintire și comunicare cu apă, pajiște și pădure navyas - spirite sirene de un fel. Potrivit legendelor, cei care mor prematur fără a deveni adult sau care trec în mod voluntar devin sirene și sirene. Femeile îndeplinesc ritualuri secrete, lăsând treburile casnice în seama bărbaților, uneori pentru întreaga săptămână. Iar cei care au copii le lasă pe câmp sau pe crengile de lângă izvoare hainele vechi, prosoapele și lenjeria copiilor lor. Este necesar să liniștiți spiritele sirenelor, astfel încât să nu deranjeze copiii și alte rude și recolta. . Potrivit legendei, în timpul Săptămânii Sirenelor, sirenele puteau fi văzute în apropierea râurilor, în câmpurile înflorite, în plantații și, bineînțeles, la răscruce de drumuri și în cimitire. Se spunea că în timpul dansurilor, sirenele îndeplinesc un ritual asociat cu protecția culturilor. De asemenea, i-ar putea pedepsi pe cei care au încercat să lucreze de sărbătoare: călcă în picioare spicele încolțite, trimit o recoltă necorespunzătoare, furtuni, furtuni sau secetă. O întâlnire cu o sirenă promitea bogății nespuse sau s-a transformat în nenorocire. Fetele, precum și copiii, ar trebui să se ferească de sirene. Se credea că sirenele pot lua un copil în dansul lor rotund, gâdila sau dansează până la moarte. Prin urmare, în timpul Săptămânii Sirenelor, copiilor și fetelor le era strict interzis să intre pe câmp sau pe pajiște. Dacă copiii au murit sau au murit în timpul Săptămânii Sirenelor, ei spuneau că au fost primiți de sirene. Pentru a te proteja de vraja de dragoste a unei sirene, trebuia să porți cu tine plante cu miros ascuțit: pelin, hrean și usturoi.

Rusia Kievană Au fost cunoscute trei tipuri de teatre: de curte, biserică și populară. În 957, Marea Ducesă Olga a făcut cunoștință cu teatrul din Constantinopol. Frescele Catedralei Sf. Sofia din Kiev din ultima treime a secolului al XI-lea înfățișează spectacole la hipodrom. În 1068, bufonii au fost menționați pentru prima dată în cronici.

Bufoneria Cel mai vechi „teatru” erau jocurile actorilor populari - bufoni. Bufoneria este un fenomen complex. Bufonii erau considerați un fel de vrăjitori, dar acest lucru este eronat, deoarece bufonii, participând la ritualuri, nu numai că nu le-au sporit caracterul religios-magic, ci, dimpotrivă, au introdus conținut lumesc, secular. A te face prost, adică a cânta, dansa, face glume, joci scenete, instrumente muzicaleși oricine ar putea acționa, adică să înfățișeze un fel de persoană sau creatură. Dar numai cei a căror artă s-a remarcat prin arta sa au devenit și au fost numiți un bufon priceput.

bufon - „muzician, piper, sniffler, fluier, cimpoi, guslar; cine face comerț cu asta, și dansuri, cântece, glume, trucuri; om amuzant, lomaka, gayer, bufon; sperietoare; comedian, actor etc.”

Bufonii au apărut nu mai târziu de mijlocul secolului al XI-lea, putem judeca acest lucru din frescele Catedralei Sf. Sofia din Kiev, 1037. Măștile de piele ale bufonilor din secolele XII-XIV sunt cunoscute din descoperirile arheologice de la Novgorod și Vladimir. În secolul al XVIII-lea, bufonii au început să dispară treptat sub presiunea țarului și a bisericii, lăsând unele tradiții ale artei lor ca moștenire gherețelor și districtelor. Bufoni au evoluat pe străzi și piețe, comunicând constant cu publicul, implicându-i în spectacolul lor.

„Baba Yaga merge cu Crocodilul să lupte cu un porc cu un pistil și au o sticlă de vin sub un tufiș.” Bufonii erau purtători de forme sintetice de artă populară care combina cântatul, cântatul la instrumente muzicale, dansul, distracția cu ursul. , spectacole de păpuși, spectacole în măști, trucuri. Bufonii participau cu regularitate la festivaluri populare, jocuri, festivități și diverse ceremonii: nunți, botezuri de maternitate, înmormântări etc. d.

ÎN secolele XVI-XVII bufonii au început să se unească în „bande”. Biserica și statul i-au acuzat de tâlhărie: „bufonii, „politesc în bande de mulți până la 60, până la 70 și până la 100 de oameni”, în satele țăranilor „mănâncă și bea mult și jefuiesc burțile”. din cuști și zdrobește oamenii de-a lungul drumurilor.” În acel moment, în poezia orală a poporului rus nu există nicio imagine a unui tâlhar de bufon care jefuiește oamenii de rând. În lucrarea lui Adam Olearius, secretar al ambasadei Holstein, care a vizitat de trei ori Moscova în anii 30 ai secolului al XVII-lea, găsim dovezi ale unui val de percheziții generale în casele moscoviților în scopul identificării „vase de vitriol demonice. ” - instrumentele muzicale ale bufonilor - și distrugerea lor.

În casele lor, mai ales în timpul sărbătorilor lor, rușii iubesc muzica. Dar de când au început să abuzeze de ea, cântând tot felul de cântece rușinoase pe muzică în cârciumi, cârciumi și peste tot pe străzi, actualul patriarh în urmă cu doi ani a interzis mai întâi cu strictețe existența unor astfel de muzicieni de crâșmă și a instrumentelor lor, care se găseau pe străzile, a ordonat să fie imediat zdrobite și distruse, apoi a interzis în general rușilor tot felul de muzică instrumentală, ordonând să fie luate instrumente muzicale din casele de pretutindeni, care au fost scoase. . . pe cinci căruțe peste râul Moscova și a ars acolo. - Descriere detaliată călătoria ambasadei Holstein în Moscovia. . . - M., 1870 - p. 344.

În 1648 și 1657, arhiepiscopul Nikon a obținut decrete regale cu privire la interzicerea completă a bufoneriei, care vorbea despre bătaia bufonilor și ascultătorii lor cu batog și distrugerea echipamentului bufonilor. După aceasta, bufonii „profesioniști” au dispărut, transformându-se în timp în păpuși, păpuși, animatori de târguri și spectacol-oferte.

BALAGAN este o clădire temporară din lemn pentru spectacole de teatru și circ, care s-a răspândit la târguri și festivaluri populare. Adesea și o clădire temporară de lumină pentru comerț la târguri, pentru a găzdui muncitorii ora de vara. În sens figurat - acțiuni, fenomene asemănătoare cu o performanță farsă (bufon, nepoliticos).

Pătrunjelul este porecla unei păpuși de farsă, a unui bufon rus, a unui glumeț, a unui isteț într-un caftan roșu și a unei șepci roșii. Pătrunjelul este cunoscut încă din secolul al XVII-lea. Păpușii ruși foloseau marionete (teatru de păpuși cu coarde) și pătrunjel (păpuși cu mănuși). Până în secolul al XIX-lea s-a acordat preferință lui Petrushka, iar până la sfârșitul secolului - păpușilor, deoarece producătorii de pătrunjel s-au unit cu râșnițele de organe. Paravanul de pătrunjel era format din trei rame, prinse cu capse și acoperite cu chintz. A fost așezat direct pe pământ și a ascuns păpușarul. Orga cu butoi a adunat spectatorii, iar în spatele ecranului actorul a început să comunice cu publicul printr-un fluier. Mai târziu, în hohote și repriză, a fugit singur, în șapcă roșie și cu nasul lung. Slefuitorul de orgă a devenit uneori partenerul lui Petrushka: din cauza scârțâitului, vorbirea nu era întotdeauna inteligibilă, iar el a repetat frazele lui Petrushka și a condus un dialog. Comedia cu Petrushka a fost jucată la târguri și cabine. Din unele memorii și jurnale din anii 1840 rezultă că Petrușka a avut Numele complet- i-au numit Pyotr Ivanovich Uksusov sau Vanka Ratatouille. Au fost principalele comploturi: tratamentul pătrunjelului, pregătirea soldaților, scena cu mireasa, cumpărarea unui cal și testarea lui. Poveștile au fost transmise de la actor la actor, prin gură în gură. Nici un singur personaj din teatrul rus nu a avut o popularitate egală cu Petrushka.

De obicei, spectacolul începea cu următorul complot: Petrushka a decis să cumpere un cal, muzicianul îl sună pe negustorul de cai țigani. Petrushka a cercetat calul îndelung și s-a târguit îndelung cu țiganul. Atunci Petrușka s-a săturat de târguieală și, în loc de bani, l-a bătut pe țigan pe spate mult timp, după care a fugit. Petrushka a încercat să urce pe cal, dar l-a aruncat în hohote de râs ale spectatorilor. Acest lucru ar putea continua până când oamenii vor râde. În cele din urmă, calul a fugit, lăsând-o pe Petrushka moartă. Doctorul a venit și l-a întrebat pe Petrușka despre bolile sale. S-a dovedit că totul l-a rănit. A avut loc o luptă între Doctor și Petrushka, la finalul căreia Petrushka a lovit puternic inamicul în cap cu o bâtă. „Ce fel de doctor ești,” strigă Petrușka, „dacă întrebi unde te doare? De ce ai studiat? Tu însuți ar trebui să știi unde te doare!” A apărut polițistul. - „De ce l-ai ucis pe doctor? „El a răspuns: „Pentru că nu-și cunoaște bine știința.” După interogatoriu, Petrushka îl lovește pe polițist în cap cu o bâtă și îl ucide.

Un câine mârâind a venit în fugă. Petrushka a cerut ajutor publicului și muzicianului, fără succes, după care a cochetat cu câinele, promițând că-i va hrăni cu carne de pisică. Câinele l-a prins de nas și l-a târât departe, iar Petrushka a strigat: „O, capul meu mic cu șapcă și perie a dispărut!” Muzica s-a oprit, ceea ce a însemnat sfârșitul spectacolului. Dacă publicului i-a plăcut, atunci nu i-a lăsat pe actori să plece, a aplaudat, a aruncat cu bani, cerând o continuare. Apoi au jucat o mică scenă a nunții lui Petrushkin. O mireasă a fost adusă la Pătrunjel, el a examinat-o așa cum este examinat un cal. I-a plăcut mireasa, nu a vrut să aștepte nunta și a început s-o implore să „să se sacrifice”. De la scena în care mireasa „se sacrifică”, femeile au plecat și și-au luat copiii cu ele. Potrivit unor relatări, o altă scenetă în care a fost prezent un duhovnic a avut un mare succes. Nu a fost inclus în niciunul dintre textele înregistrate, cel mai probabil a fost eliminat prin cenzură.

BALAGAN Nici un târg din secolul al XVIII-lea nu era complet fără stand. Cabinele de teatru au devenit spectacolele preferate ale acelei epoci. Înăuntru era o scenă și o cortină, iar spectatorii obișnuiți erau așezați pe bănci. Mai târziu, în cabine a apărut un adevărat auditoriu cu tarabe, boxe și o groapă de orchestră. Am așteptat mereu cu nerăbdare un astfel de târg.

Nașterea Domnului este o reprezentație populară de Crăciun interpretată într-o cutie specială folosind păpuși cu tije, însoțite de cântece și dialoguri. Într-un sens larg, o piesă de naștere poate fi numită orice act de Yuletide despre masacrul copiilor sau Nașterea Domnului, realizat atât de păpuși, cât și de oameni. Piesa Nașterii Domnului trebuie să fie însoțită neapărat de cântarea diverselor cântări religioase, ceea ce o deosebește de drama populară seculară a actorilor vii, care ar putea fi prezentată și de Crăciun. Într-un sens larg, scena Nașterii Domnului face parte din complexul de colinde de Crăciun și este aproape întotdeauna asociată cu sub diferite forme colindat: mumerii care se plimbă cu o „stea” (sub formă de felinar multicolor pe stâlp) sau o iesle cu un Prunc; citirea poeziilor de Crăciun de către școlari, cântând poezii spirituale pentru a primi o recompensă etc. Piesa Nașterii Domnului și-a luat numele de la scena Nașterii Domnului - un teatru de păpuși în formă de cutie de lemn cu două etaje, a cărei arhitectură seamănă cu o scenă. pentru realizarea misterelor medievale.

Structura nașterii este foarte interesantă. Caseta, decorată pitoresc la interior, are fante speciale pentru conducerea păpușilor. Păpușile nu au voie să se deplaseze de la un etaj la altul. În nivelul superior au fost jucate scene legate de Sfânta Familie, iar cea de jos înfățișa palatul regelui Irod. În aceeași parte, în vremuri ulterioare, au fost prezentate schițe și comedii satirice. Cu toate acestea, scena Nașterii Domnului nu este doar o cutie magică, este un mic model al universului: lumea de sus (etajul superior), lumea de jos (etajul de jos) și iadul - gaura prin care cade Irod. Iarna, nașterea se ducea cu sania, se ducea din colibă ​​în colibă, iar spectacolele erau prezentate la hanuri. În jurul nașterii au fost așezate bănci, au fost aprinse lumânări și a început basmul. „Trupa” clasică a nașterii este Maica Domnului, Iosif, Îngerul, Păstorul, cei trei Regi Magi, Irod, Rahela, Ostașul, Diavolul, Moartea și Sagradul, a căror datorie era să aprindă lumânările. în Nașterea Domnului înainte de spectacol. Fiecare păpușă era atașată de un ac, pe care păpușarul îl putea apuca de jos, ca un mâner, și îl putea muta de-a lungul unor fante speciale de pe podeaua scenei.

Drama de Crăciun a fost prezentată nu numai în case laice, ci și în casele preoților. Și până la sfârșitul secolului al XVIII-lea, la Sankt Petersburg s-a format o dinastie de interpreti de naștere - familia Kolosov, care aproape un secol întreg a păstrat tradițiile spectacolelor. Perioada de glorie a scenelor de naștere a venit în secolul al XIX-lea, când au devenit populare nu numai în centrul Rusiei, ci și în Siberia. Până la sfârșitul secolului, nașterea a rătăcit prin orașe și sate, experimentând în același timp „secularizarea” și trecând dintr-o dramă de păpuși cu intriga biblică într-un spectacol popular secular. Scena Nașterii Domnului a început să fie compusă din două părți: un mister de Crăciun și o comedie muzicală veselă cu iz local. Dar până la sfârșitul secolului, scenele de farsă jucate la etajul inferior s-au dovedit a fi mai semnificative decât evenimentele de la „nivelul superior”. Creatorii de naștere au început să ducă minunata cutie la târguri, nu numai de Crăciun, ci au mers cu ea până la Maslenița. Se știe că unii artiști au mers chiar cu scene de naștere la Târgul de la Nijni Novgorod, care s-a deschis... pe 15 iulie! Revoluția din octombrie 1917 și campania antireligioasă care a urmat au decis soarta spectacolelor de Crăciun. Ele, ca și pomul tradițional de Crăciun, erau strict interzise.

Rayok este un teatru popular format dintr-o cutie mică cu două lupeînainte. În interiorul ei, imaginile sunt rearanjate sau o bandă de hârtie cu imagini de acasă ale diferitelor orașe, oameni grozavi și evenimente este rerulată de la un patinoar la altul. Rayok este un tip de performanță răspândit mai ales în Rusia în secolele XVIII-XIX. Și-a luat numele de la conținutul imaginilor pe teme biblice și evanghelice (Adam și Eva în paradis etc.). Rayoshnik-ul mută imaginile și spune cuvinte și glume pentru fiecare nou complot. Aceste imagini au fost adesea făcute în stil de tipărire popular, au avut inițial un conținut religios - de unde și numele „rayok”, apoi au început să reflecte o mare varietate de subiecte, inclusiv. politic[. Comerțul echitabil a fost practicat pe scară largă.

Aspectul raeshnikului însuși era asemănător cu aspectul bunicilor carusel, adică hainele lui au atras publicul: purta un caftan gri împodobit cu împletitură roșie sau galbenă, cu mănunchiuri de cârpe colorate pe umeri, o pălărie kolomenka, decorate de asemenea cu cârpe strălucitoare. Are pantofi de bast în picioare și o barbă de in este legată de bărbie. Strigătul raeshnikului era la fel de colorat ca și înfățișarea lui, adresat tuturor: „Veniți și mâzgăliți aici cu mine, oameni cinstiți, băieți și fete, și tinere, și negustori, și funcționari, și șobolani, și șobolani funcționari și petrecăreți leneși, vă voi arăta tot felul de poze, și domnilor și bărbați în piele de oaie, iar voi ascultați glume și diverse glume cu atenție, mâncați mere, roadeți nuci, vă uitați la poze și aveți grijă de buzunare. Te vor păcăli!" Spectacolul ceresc a inclus trei tipuri de influență asupra publicului: imagine, cuvânt, joc. De exemplu, după ce a instalat următoarea imagine, raeshnikul a explicat mai întâi „ce înseamnă asta”: „Și asta, dacă vă rog, uitați-vă și priviți, uitați-vă și uitați-vă, Grădina Lexandrovsky”. Și în timp ce cei care stăteau la ferestre se uitau la imaginea grădinii, el îi amuza pe cei din jur care nu erau ocupați să se uite la oameni, ridiculizând moda modernă: „Acolo umblă fete în haine de blană, în fuste și zdrențe, în pălării, căptușeli verzi; pișii sunt falși și capetele sunt chele"

Aceste imagini au fost adesea făcute în stil de imprimare popular. Și inițial au avut un conținut religios - de unde și numele de „paradis”. Și abia după un timp au început să afișeze o mare varietate de subiecte, inclusiv cele politice.

Cel mai probabil, paradisul a venit la Sankt Petersburg în 1820 de la Moscova, unde se ținea anual divertismentul orașului. Adevărat, noul spectacol nu a atras imediat atenția periodicelor. Abia în 1834, „Albina de Nord” a menționat pentru prima dată „paradisurile în care pentru un ban îl poți vedea pe Adam și familia lui, o inundație și îngroparea unei pisici”.

Lubo k (imagine populară, foaie populară, foaie amuzantă, carte simplă) - un tip de grafică, o imagine cu o legendă, caracterizată prin simplitatea și accesibilitatea imaginilor. Vedere originală arta populara. A fost realizat folosind tehnici de gravură în lemn, gravuri pe cupru, litografii și a fost completat cu tăierea manuală. Imprimeurile populare se caracterizează prin simplitatea tehnicii și laconismul mijloacelor grafice (tunuri aspre, culori strălucitoare). Adesea, tipărirea populară conține o narațiune detaliată cu inscripții explicative și imagini suplimentare (explicative, complementare) față de cea principală. În Rusia, în secolul al XVI-lea - începutul secolului al XVII-lea, au fost vândute tipărituri numite „Fryazhskie sheets” sau „Fryazhskie sheets” sau „Fryazhskie sheets” [În Rusia, desenele erau tipărite pe plăci special tăiate. Scândurile se numeau lubrifiant (de unde provine puntea). Desene, desene și planuri au fost scrise pe luba încă din secolul al XV-lea. În secolul al XVII-lea răspândită a primit cutii de bast care se pot vopsi. Mai târziu, imaginile de hârtie au fost numite lubok, lubok picture. La sfârșitul secolului al XVII-lea, o tipografie Fryazhsky a fost instalată în tipografia superioară (Curtea) pentru tipărirea foilor friazhiene. În 1680, maestrul Afanasy Zverev a tăiat „tot felul de tăieturi friazhiene” pe scânduri de cupru pentru țar. Foile germane amuzante au fost vândute în Vegetable Row, iar mai târziu pe Podul Spassky. La sfârșitul secolului al XIX-lea, lubokul a fost reînviat sub formă de benzi desenate

Tematic, imprimeurile populare din Sankt Petersburg și Moscova au început să difere considerabil. Cele realizate la Sankt Petersburg semănau cu tipărituri oficiale, în timp ce cele de la Moscova erau descrieri batjocoritoare și uneori nu foarte decente ale aventurilor eroilor proști (Savoska, Paramoshka, Thomas și Erem), festivalurile populare și distracțiile preferate (Ursul cu capră, Îndrăzneală). Fellows - Glorious Fighters, Bear Hunter înjunghierea, Hare hunting). Astfel de imagini distrau mai degrabă decât edificau sau învățau privitorul. Varietate de teme de tipărituri populare rusești din secolul al XVIII-lea. a continuat să crească. Lor li s-a adăugat o temă evanghelică (de exemplu, Pilda Fiului Risipitor), în timp ce autoritățile bisericești au încercat să nu lase publicarea unor astfel de foi de sub control. În 1744, Sfântul Sinod a emis o instrucțiune privind necesitatea verificării cu atenție a tuturor lubokului cu conținut religios. În același timp, la Moscova, pe care Petru a lipsit-o de titlul de capitală, a început să se răspândească lubokul antiguvernamental. Printre acestea se numără imagini cu o pisică obraznică, cu o mustață uriașă, asemănătoare ca aspect cu țarul Petru, Chukhon Baba Yaga - o aluzie la nativul din Chukhonia (Livonia sau Estonia) Catherine I. Curtea a criticat complotul lui Shemyakin. practica judiciarași birocrație). Astfel, tiparul popular satiric popular a marcat începutul caricaturii politice și satirei vizuale rusești.

TIPURI DE LUBKOV: Spiritual și religios - în stil bizantin. Imagini tip pictogramă. Vieți de sfinți, pilde, învățături morale, cântece etc. Filosofice. Legal - imagini încercări si actiuni legale. Următoarele subiecte au fost adesea întâlnite: „Curtea Shemyakin” și „Povestea lui Ersha Ershovich”. Istoric - „Povești înduioșătoare” din cronici. Imagine evenimente istorice, bătălii, orașe. Hărți topografice. Basme - basme magice, povești eroice, „Poveștile oamenilor îndrăzneți”, povești de zi cu zi. Sărbători - imagini cu sfinți. Cavalerie - imprimeuri populare cu imagini de călăreți. Joker - imprimeuri populare amuzante, satire, caricaturi, glume.

„...Tribul de șoareci a suferit multe necazuri din cauza pisicii trădătoare. Și când șoarecilor li s-a părut că pisica zăcea moartă, ei au decis să-i ofere dușmanului lor o înmormântare magnifică și o vacanță pentru ei înșiși. Șoarecii au pus pisica pe o sanie, dar i-au legat labele pentru orice eventualitate. Mulți șoareci s-au înhamat de sanie, în timp ce alții au început să împingă din toate părțile. Și șoarecii au luat pisica să o îngroape. Aici, în toiul ceremoniei solemne, pretendentul a prins viață, a rupt cu ușurință lanțurile șoarecelui și s-a năpustit asupra dușmanilor săi. Cursa de șoareci a suferit multe pierderi atunci.”

Driving a Bear and Mummers Un loc demn în arta teatrului popular este ocupat de spectacolul preferat al tuturor cu urși - „Bear Fun”. Ghizii au cutreierat drumurile Rusiei timp de multe secole și au fost oaspeți frecventi la sărbători modeste din sat și la târgurile orașului. Primii ghizi ai ursului au fost, cel mai probabil, „oameni veseli” - bufoni. Apariția unui urs a fost întotdeauna însoțită de încântare, admirație și respect. Potrivit credințelor păgâne, ursul este o rudă sau chiar strămoșul omului. Ei credeau că animalul sacru are o legătură directă cu fertilitatea, sănătatea, procrearea și bunăstarea. Arta ghidului a constat nu numai în buna dresare a animalului, ci și în capacitatea de a umple toate mișcările ursului cu conținut și un anumit sens. Cele mai amuzante momente au apărut din interpretarea neașteptată a gesturilor bearish, juxtapuneri îndrăznețe de oameni și, prin urmare, rezultatul a fost fie umorul bun, fie chiar satira rea. În „Bear Fun” un urs a jucat rolul unei persoane, iar o persoană îmbrăcată, de exemplu, a jucat rolul unei capre. Jocurile mummerilor ar trebui clasificate ca mummers - o formă specială de cultură populară. Și deși conțin dialog, sunt monolog. Și chiar dacă jocul are o intriga, nu este teatru, pentru că jocul nu implică un spectator. Nu are propriul dialog, ceea ce face textul dramatic. Jocurile mamelor sunt un joc ritual.

TEATRU BISERICĂ Biserica a luat toate măsurile pentru a-și afirma influența. Aceasta și-a găsit expresia în dezvoltarea dramei liturgice. Unele drame liturgice au venit la noi odată cu creștinismul, altele - în secolul al XV-lea, împreună cu carta solemnă recent adoptată a „marii biserici” („Procesiune pe măgar”, „Spălarea picioarelor”). În ciuda utilizării formelor teatrale și de divertisment, biserica rusă nu și-a creat propriul teatru.

„Procesiunea (mersul) pe măgar” a avut loc în Duminica Floriilor (cu o săptămână înainte de Paște). După liturghie, a început sunetul solemn al clopotului. La Moscova, un măgar sau un cal alb sub o pătură albă a fost adus la Kremlin. Totodată, în textul liturgic a fost introdusă o ceartă cu stăpânul măgarului. Clerul a ieșit în piață, mitropolitul (în secolul al XVII-lea - patriarhul) s-a așezat lateral într-o șea specială și a luat crucea în mâna dreaptă și Evanghelia în stânga. Măgarul era condus de obicei de căpăstru de țarul însuși sau de boierul său apropiat; regele era în ținută de ceremonie, purtând pălăria lui Monomakh. În timpul procesiunii s-au întins haine de-a lungul cărării Mitropoliei și s-au aruncat ramuri de salcie verzi. În anii 1620-1630, acest lucru a fost făcut de oameni speciali - „postilniki”. Și-au scos caftanele roșii și le-au așezat pe pământ la picioarele manifestanților. Numărul postilalnikilor a ajuns la cincizeci, iar până la sfârșitul secolului al XVII-lea erau deja până la o sută de oameni. Întreaga procesiune în ansamblu a devenit, de asemenea, mai magnifică și mai solemnă. Mitropolitul era urmat de domn, îmbrăcat în ţinute pline, urmat de mulţi boieri; Oamenii au ridicat partea din spate a cortegiului. Procesiunea s-a îndreptat de la Kremlin la Catedrala Sf. Vasile, unde serviciu scurt, iar apoi s-a întors la Kremlin. Ultima dată „Procesiunea pe un măgar” a avut loc în timpul domniei țarilor Petru și Ivan Alekseevici.

În a patra zi după Procesiune, joia Săptămânii Mare, s-a săvârșit „Spălarea picioarelor”. Această dramă liturgică făcea parte din slujba divină încă din secolul al X-lea, în care mitropolitul, împreună cu preoții, au recreat scena Cinei celei de Taină. Preoții, în număr de doisprezece, s-au urcat pe o platformă ridicată special construită pentru aceste ocazii în mijlocul bisericii și s-au așezat șase pe fiecare parte a platformei. Urmează o dramatizare a textului evanghelic: episcopul s-a ridicat, și-a scos veșmintele și, turnând apă într-un lighean care era purtat în fața lui, a spălat și apoi a șters picioarele preoților. Fiecare dintre preoți i-a sărutat mâna în semn de recunoștință.

Dar cea mai dramatic dezvoltată și cea mai teatrală dintre toate dramele liturgice a fost „The Cave Act”, care a fost o dramatizare a poveștii biblice a celor trei tineri: Anania, Azarin și Misail. A fost trimis pe 17 decembrie (inainte de Craciun). În Rus', „Actul peșterii” se pare că a fost realizat încă din secolul al XI-lea. Cunoaștem însă doar rangul secolului al XVI-lea, deoarece în cea mai veche listă de acțiuni găsite în țara noastră, prințul Vasily Ivanovici (1505 - 1533) există de mulți ani. . S-au păstrat două ediții diferite ale „The Cave Action” - din secolele al XVI-lea și al XVII-lea. Dacă dramele liturgice s-au limitat de obicei la punerea în scenă a textelor evanghelice și a dialogurilor conținute în ele, atunci în ediția din secolul al XVII-lea au fost introduse mai multe scene de gen dialogic interpretate nu în slavona bisericească, ci în limba rusă de zi cu zi. Influența dramei populare orale este clar vizibilă în ele. Putem presupune că aceste dialoguri au fost conduse de bufoni

Sâmbătă, vizavi de porțile regale a fost ridicată o structură înfățișând un „cuptor de foc”. O imagine a unui înger a fost atârnată de un cârlig dintr-un candelabru scos, care a fost ridicat și coborât cu ajutorul unei frânghii care venea de la altar și aruncat peste un bloc. Cuptorul era împărțit în două părți de un podea, spre care treptele duceau pe o parte. Nivelul superior includea „bebeluși”; în cel de jos, direct pe podeaua bisericii, s-a amplasat o forjă cu cărbuni încinși. Acțiunea a descris povestea mântuirii miraculoase a celor trei tineri Anania, Azaria și Misail din cuptorul de foc.

În ciuda utilizării formelor teatrale și de divertisment, biserica rusă nu și-a creat propriul teatru. Experiența dramelor liturgice a trecut, în esență, fără urmă pentru istoria teatrului și a dat unele rezultate abia din momentul în care masele au început să democratizeze drama liturgică, să sature imaginile cu carne, să le înconjoare cu viața de zi cu zi și să includă genul. scene comice – interludii – în drame. Și deși în secolul al XVII-lea Simeon de Polotsk a încercat să creeze o dramă literară artistică pe baza dramei liturgice, această încercare a rămas izolată și s-a dovedit infructuoasă. Simeon din Polotsk. O poezie figurativă în formă de inimă „Din abundența inimii gura vorbește” din ciclul „Salutări” „pentru ocazie” - în onoarea nașterii țareviciului Fyodor (1661).

Teatrul a apărut cu adevărat în secolul al XVII-lea - teatru de curte și școală. Teatrul de curte Apariția teatrului de curte a fost cauzată de interesul nobilimii de curte pentru cultura occidentală. Acest teatru a apărut la Moscova sub țarul Alexei Mihailovici. Prima reprezentație a piesei „Faptul lui Artaxerxes” (povestea Esterei biblice) a avut loc la 17 octombrie 1672. Autorul piesei a fost pastorul bisericii luterane din așezarea germană, maestrul Johann Gottfried Gregory. Piesa a fost scrisă în versuri în germană, apoi traducătorii Ambasadorului Prikaz au tradus-o în rusă, iar după aceea actorii străini, elevi ai școlii lui Grigore, au învățat rolurile în limba rusă.

Cercetătorii repertoriului teatrului de curte rusesc au remarcat diversitatea acestuia. Predominau tratamentele povestirilor biblice: „Judith” („Acțiunea lui Holofernes”) – despre eroina biblică, în mâinile căreia a murit păgânul Holofernes, conducătorul armatei care a asediat. orasul natal Judith; „Comedia plină despre Adam și Eva”, „Comedia mică despre Iosif”, „Comedia despre David și Goliat”, „Comedia despre Tobia cel Tânăr”. Alături de ei au fost istorice („Acțiunea Temir-Aksakov” - despre Tamerlan, care l-a învins pe sultanul Bayazet), hagiografice (piesa despre Yegori Viteazul) și chiar mitologice antică (piesa despre Bacchus și Venus și baletul „Orfeu” ) producţii. Acest din urmă caz ​​ar trebui discutat mai detaliat. „Orfeu” este un balet pus în scenă la teatrul de curte al țarului Alexei Mihailovici în 1673. Spectacolul a fost creat pe baza baletului german „Orfeu și Eurydice”, interpretat în 1638 la Dresda, cu cuvinte de August Büchner și muzică de Heinrich Schütz. . Probabil că în producția rusă muzica era diferită. Textul piesei rusești nu a supraviețuit. Producția este cunoscută din opera courlandezului Jacob Reitenfels, care a vizitat Moscova în 1671-1673. și care a publicat în 1680 la Padova cartea „Despre treburile moscoviților” („De rebus Moscoviticus”). În producția germană, un cor de ciobani și nimfe au cântat salutări prințului și soției sale. În baletul de la Moscova, însuși Orfeu a cântat salutul țarului înainte de a începe dansul. Reitenfels citează poezii germane care au fost traduse țarului. Punerea în scenă a spectacolului muzical a fost un eveniment deosebit de remarcabil pentru teatrul rus, deoarece țarul Alexei Mihailovici nu-i plăcea muzica seculară și la început a rezistat introducerii acesteia în spectacole. Cu toate acestea, până la urmă a trebuit să admită nevoia muzicii în teatru.

La început, teatrul de curte nu avea spații proprii, iar costumele au fost mutate din loc în loc. Primele spectacole au fost puse în scenă de pastorul Gregory de la Așezarea Germană, actorii au fost și ei străini. Mai târziu, au început să recruteze și să antreneze forțat „tineri” ruși. Au fost plătiți neregulat, dar nu s-au zgarcit cu decorațiuni și costume. Spectacolele s-au remarcat prin mare fast, uneori însoțite de cântatul la instrumente muzicale și dans. După moartea țarului Alexei Mihailovici, teatrul de curte a fost închis, iar spectacolele au reluat doar sub Petru.

Începutul teatrului școlar rusesc este asociat cu numele lui Simeon din Polotsk, creatorul a două drame școlare („Comedia Regelui Nebucadnețar” și „Comedia Pildei Fiului Risipitor”). Cel mai faimos este cel din urmă, care este o interpretare pe scenă a celebrei pilde a Evangheliei și este dedicată problemei unui tânăr (adică, noua generație) care își alege calea în viață. Acest subiect a fost extrem de popular, s-ar putea spune chiar că a dominat literatura din a doua jumătate a secolului. Conținutul dramei este destul de tradițional și este o repovestire a evenimentelor din pilda Evangheliei, completată cu detalii specifice cotidiene. Sarcina piesei - ca și sarcina colecțiilor de poezie ale lui Simeon - este de a combina instruirea cu divertismentul, care este afirmat direct de Prolog înainte de începerea acțiunii: Așa că, vă rugăm să arătați milă, înclinați-vă ochii și urechile către acțiune: Astfel , căci dulceața se va găsi, Nu numai inimile, ci și sufletele vor fi mântuite .

Teatrul școlar Pe lângă teatrul de curte, în Rusia, în secolul al XVII-lea, s-a dezvoltat și un teatru școlar la Academia slavo-greco-latină, în seminariile teologice și școlile din Lvov, Tiflis și Kiev. Piese au fost scrise de profesori, iar elevii au pus în scenă tragedii istorice, drame alegorice apropiate de miracolele europene, interludii - scene cotidiene satirice. Apariţia teatrului şcolar în Rus' este asociată cu dezvoltarea învăţământului şcolar. În Rusia, teatrul școlar a fost folosit de ortodoxie în lupta împotriva influenței romano-catolice. Un călugăr, student al Kievului, a contribuit la înființarea acesteia. Academia Mogila, om educat, politician, educator și poet Simeon din Polotsk. În 1664 a venit la Moscova și a devenit profesor al copiilor regali la curte. În colecția lucrărilor sale „Rhythmologion” au fost publicate două piese - „Comedia despre regele Novhudonosor, despre Trupul de aur și despre cei trei tineri care nu au fost arși în peșteră” și comedia „Pilda fiului risipitor”.

Teatru începutul XVIII secolul La ordinul lui Petru I, Teatrul Public a fost creat în 1702, destinat publicului de masă. O clădire a fost construită special pentru el în Piața Roșie din Moscova - „Templul Comedial”. Trupa germană a lui J. H. Kunst a susținut spectacole acolo. Repertoriul includea piese străine care nu au avut succes la public, iar teatrul a încetat să mai existe în 1706, odată cu încetarea subvențiilor de la Petru I.

„Templul comediului” este o clădire a teatrului construită la Moscova în 1702 în Piața Roșie, vizavi de Poarta Nikolsky a Kremlinului. Localul teatrului a fost construit din ordinul țarului Petru I pentru teatrul public de stat. Noul teatru era semnificativ diferit de cel care exista în timpul țarului Alexei Mihailovici. Era public, adică destinat nu curteanului, ci privitorului orașului. Petru I a acordat o mare importanță acestui teatru. Ideea lui Petru I, desigur, a întâmpinat rezistență în rândul susținătorilor vechiului stil de viață - nici nu le-a plăcut faptul că teatrul era situat chiar în centrul vechii capitale ruse. (Conform planului inițial, teatrul trebuia să fie situat în interiorul Kremlinului.) Până la sfârșitul anului 1702, Templul Comediei era gata.

Trupa Comedy Temple era formată din actori germani și era condusă de antreprenorul Kunst. Spectacolele au fost susținute în limba germană. Dar cu puțin timp înainte de deschiderea Teatrului Kunst, zece „băieți ruși” au fost trimiși să studieze. Kunst trebuia să-i învețe noțiunile de bază ale actoriei, ceea ce le-ar permite să interpreteze spectacole în limba rusă în viitor. „Templul comediei” putea găzdui până la 400 de spectatori. Spectacolele s-au dat de două ori pe săptămână: luni și joi. Prețurile biletelor au fost de 10, 6, 5 și 3 copeici. Pentru comoditatea spectatorilor și pentru a crește taxele teatrului, a fost emis un decret care scutea vizitatorii teatrului de plata taxelor care erau încasate la „porțile orașului” de la persoanele care se plimbau noaptea prin oraș. Dar, în ciuda a tot felul de evenimente, publicul nu a fost foarte dispus să meargă la teatru. Uneori nu mai mult de douăzeci și cinci de oameni erau prezenți la spectacole. Motivul pentru o popularitate atât de scăzută a noului spectacol a fost, desigur, trupa sa străină și dramaturgia străină, reprezentarea multor spectacole în limba germană. Teatrul a fost rupt de viața rusă. În 1706, teatrul din Moscova „Templul de comedie” a fost închis, actorii au fost concediați, costumele și decorurile au fost transportate în 1709 la palatul surorii lui Petru I, Natalya Alekseevna, care avea un teatru de curte. În 1707, clădirea „Templului Comediei” a început să fie demontată, iar în 1735 a fost demolată definitiv.

Este curios că locul de naștere al teatrului rusesc nu este nici Moscova, nici Sankt Petersburg. Teatrul rus a apărut nu în capitală, ci în vechiul oraș rusesc Iaroslavl. Aici, în 1750, actorul rus Fiodor Grigorievici Volkov a fondat prima trupă de teatru profesionistă din Rusia.

La Moscova, unde băiatul a fost trimis la antrenament, Volkov a devenit profund și veșnic interesat de teatru. A luat, literalmente, foc cu noul său hobby și a studiat arta și meseria de câțiva ani. Întors în 1748 la Yaroslavl, unde locuia familia, Volkov a organizat o trupă de teatru și a început să dea spectacole într-un hambar de piatră. Prima reprezentație a avut loc pe 29 iunie 1750, a fost drama „Esther”. Doi ani mai târziu, Volkov și tovarășii săi, prin decretul împărătesei Elisabeta Petrovna, au fost chemați la Sankt Petersburg. Și în 1756, a avut loc principalul eveniment din viața teatrală a Rusiei în secolul al XVIII-lea - înființarea „Teatrului rus de prezentare a tragediilor și comediilor”, primul teatru profesional de operare de stat.

Fyodor Volkov a fost numit imediat „primul actor rus”, iar Alexander Sumarokov a fost numit director al teatrului abia după moartea sa, în 1761, Volkov a devenit director al teatrului „sau”. Din acest motiv, Fiodor Grigorievici a refuzat postul de ministru al cabinetului. În total, Fyodor Volkov a scris aproximativ 15 piese de teatru, dintre care niciuna nu a supraviețuit până în prezent, a fost și autorul multor ode și cântece solemne. Astăzi, Teatrul Volkovsky este unul dintre cele mai faimoase și mai mari teatre rusești „non-capitale”.

Slide 1

Descriere slide:

Slide 2

Descriere slide:

Slide 3

Descriere slide:

Slide 4

Descriere slide:

Slide 5

Descriere slide:

Slide 6

Descriere slide:

Slide 7

Descriere slide:

Slide 8

Descriere slide:

Slide 9

Descriere slide:

Dintre bufoni, ursul era considerat susținătorul familiei, membrul deplin al acesteia. Astfel de artiști erau numiți după prenumele și patronimul: Mihailo Potapych sau Matryona Ivanovna. În spectacolele lor, ghidurile descriu de obicei viața oamenilor obișnuiți, interludii pe o mare varietate de subiecte de zi cu zi. Proprietarul a întrebat, de exemplu: „Și cum, Misha, se duc copiii mici să fure mazăre?” - sau: „Cum rătăcesc femeile încet la munca stăpânului lor?” - iar fiara a arătat totul. La finalul spectacolului, ursul a efectuat mai multe mișcări memorate, iar proprietarul le-a comentat. Dintre bufoni, ursul era considerat susținătorul familiei, membru cu drepturi depline a acesteia. Astfel de artiști erau numiți după prenumele și patronimul: Mihailo Potapych sau Matryona Ivanovna. În spectacolele lor, ghidurile descriu de obicei viața oamenilor obișnuiți, interludii pe o mare varietate de subiecte de zi cu zi. Proprietarul a întrebat, de exemplu: „Și cum, Misha, se duc copiii mici să fure mazăre?” - sau: „Cum rătăcesc femeile încet la munca stăpânului lor?” - iar fiara a arătat totul. La finalul spectacolului, ursul a efectuat mai multe mișcări memorate, iar proprietarul le-a comentat.

Slide 10

Descriere slide:

„Comedia ursului” din secolul al XIX-lea a constat din trei părți principale: în primul rând, dansul unui urs cu „capră” (capra era de obicei portretizată de un băiat care îi punea o pungă pe cap; un băț cu cap de capră). iar coarnele erau străpunse prin pungă de sus o limbă de lemn a fost atașată de cap, al cărei bătaie producea un zgomot teribil), apoi a venit interpretarea animalului la glumele ghidului și apoi lupta lui cu „; capră” sau proprietar. Primele descrieri ale unor astfel de comedii datează din secolul al XVIII-lea. Acest pescuit a existat de multă vreme, până în anii 30 ai secolului trecut. „Comedia ursului” din secolul al XIX-lea a constat din trei părți principale: în primul rând, dansul unui urs cu „capră” (capra era de obicei portretizată de un băiat care îi punea o pungă pe cap; un băț cu cap de capră). iar coarnele erau străpunse prin pungă de sus o limbă de lemn a fost atașată de cap, al cărei bătaie producea un zgomot teribil), apoi a venit interpretarea animalului la glumele ghidului și apoi lupta lui cu „; capră” sau proprietar. Primele descrieri ale unor astfel de comedii datează din secolul al XVIII-lea. Acest pescuit a existat de multă vreme, până în anii 30 ai secolului trecut.

Slide 11

Descriere slide:

Slide 12

Descriere slide:

Slide 13

Descriere slide:

Slide 14

Descriere slide:

Slide 15

Descriere slide:

Slide 16

Descriere slide:

Slide 17

Descriere slide:

Slide 18

Descriere slide:

Slide 19

Descriere slide:

Slide 20

- (greacă θέατρον - loc
pentru ochelari) – unul dintre
direcții de artă, în
care sentimente, gânduri și
emoțiile autorului sunt transmise
către privitor prin acțiuni
grupuri de actori

Teatrul antic grecesc a fost construit la poalele unui deal în aer liber.

Oaspeții de onoare s-au așezat în primul rând

Teatru medieval

În Evul Mediu, spectacole de teatru
a avut loc chiar în piață. Grup mic
actorii s-au mutat din oraș în oraș. Toate costumele și
recuzita erau puse în una sau două cărucioare.

Italia Teatrul Olimpico (1586)

Cea mai importantă etapă
în dezvoltare
teatru european
a devenit o epocă
Renaştere.
Primele apar
profesional
teatre avand
permanent
sediul și
trupa. Spectacole
sunt create pe baza
dramatic sau
altă etapă
fabrică.

Teatrul Globe din Anglia (secolul al XVI-lea)

Teatrul este realizat în întregime din lemn,
doar unele piese sunt vopsite
culori diferite marmorat sau
sub caramida.
Baldachin care acoperă scena
înfățișează sfera cerească.
Teatrul nu are acoperiș, este rotund
formă și este adesea tulbure deasupra ei
cerul londonez.

Marele William Shakespeare a scris și a jucat în piese de teatru la Globe Theatre.

William Shakespeare

Teatre de stradă în Rusia

Actorii bufoni ruși sunt cunoscuți încă din secolul al XI-lea. Printre
erau muzicieni, cântăreți, dansatori, glumeți,
antrenori de animale sălbatice, în special de urși.
Au început să construiască plămâni în piețele orașului
clădiri pentru locuința lor și primirea vizitatorilor - cabine.

În Rusia, actorii ambulanți erau numiți bufoni și distrau oamenii în piață.

Primul teatru din Rusia

Pentru prima dată în Rusia, un teatru ca clădire a apărut sub
Țarul Alexei Mihailovici (tatăl lui Petru I) și
Acest teatru se numea Camera de distracție.

Primul Palat de Iarnă al lui Petru I - Teatrul Ermitaj.

Primul Palat de Iarnă al Teatrului Ermitaj Petru I.
Sub Petru I a existat
creat mai întâi
public,
public,
stat
teatru. Dar trupele
acestea primele
teatrele constau din
în principal din
străini.

teatre de cetate

În secolul al XVIII-lea, teatrul iobagilor s-a dezvoltat și în Rusia.

Teatrul Bolșoi. Moscova.

Teatrul Dramatic Regional Kurgan

Amenajarea teatrului

De culise

Modelul scenei de teatru „Catedrala Notre Dame”

Amenajarea scenei teatrului
"Catedrală Notre Dame din Paris"

Înainte de a începe marea lucrare de decorare a scenei, artistul realizează decorurile și costumele personajelor la dimensiuni mici: le desenează, le lipește,

Înainte de a începe mult lucru la
scenografie, artistul face
peisaje, costume de eroi în mici
dimensiuni: le desenează, le lipește, le sculptează. Aşa
apare un mic teatru – un model.
Exercita:
fă o machetă a teatrului tău
construiți o scenă din carton;
decorează scena cu culise.

Slide 2

Astăzi, la Moscova există aproximativ 150 de teatre de toate tipurile și genurile - de la Teatrul clasic de operă și balet Bolșoi, până la teatre de operetă, muzică, dans, numeroase teatre de teatru, ca să nu mai vorbim de teatru de păpuși și pentru copii. De unde o asemenea diversitate?

Slide 3

În Rusia nu a existat tradiție străveche spectacole de teatru, dar dorința de pâine și de circ, după cum știți, este la fel de veche ca lumea. Spectacolele actorilor bufoni ambulanți, datând din ritualuri păgâne, sunt cunoscute încă din vremea Rusiei Kievene. Ciclul de fresce din turnul sudic al Sfintei Sofia din Kiev (1037) prezintă scene de vânătoare regală și curse de cai la hipodromul bizantin, precum și un grup de bufoni - acrobați, dansatori și muzicieni cântând la instrumente muzicale antice. De obicei bufoni, îmbrăcați în „rochie de bufon” și măști, se executa în orașe în zilele de piață sau de sărbători, în timpul festivităților publice de Maslenița sau de Paște.

Slide 4

Biserica Ortodoxă nu a aprobat astfel de spectacole de divertisment și costumate, în care actorul și-a ascuns fața sub o mască sau „deghizare”. Însăși expresia „puneți o mască” de-a lungul timpului a ajuns să însemne „prefaceți-vă, ascundeți-vă adevărata esență” și a fost folosită într-un sens negativ.

Slide 5

Slide 6

Slide 7

Primele încercări de a crea un teatru rusesc bazat pe modele vest-europene au fost făcute la curtea țarului Alexei Mihailovici din Kremlinul din Moscova. Construcția și organizarea acestui teatru a fost realizată de boierul Artamon Matveev, șeful Ambasadorului Prikaz, unul dintre primii „occidentali” la curte. Din ordinul lui, pastorul germanului

Johann Gottfried Gregory a scris o piesă despre povestea Esterei și a recrutat actori din săracii din Moscova. Prima reprezentație a avut loc pe 17 octombrie 1672 și a durat 10 ore. Regele a fost foarte mulțumit, dar după aceea, împreună cu întreaga curte, s-a dus imediat la baie pentru a spăla păcatul contemplării unui spectacol neplăcut. Acest prim experiment teatral s-a încheiat după moartea țarului, doar patru ani mai târziu.

Slide 8

Și totuși, teatrul a câștigat treptat fani printre boieri în secolul al XVII-lea și apoi printre curtenii lui Petru I. Moda întreținerii teatrelor de acasă se răspândea tot mai mult în înalta societate, iar în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea fenomenul iobagului. au apărut teatrele, care se aflau în case bogate sau moșii de țară ale nobililor nobili. La sfârşitul secolului al XVIII-lea. numai la Moscova existau aproximativ 15 teatre private, cu propriile orchestre, cântăreți, dansatori, actori și actrițe de la iobagi. Mulți au venit din acest mediu

actori ruși remarcabili, precum Mihail Șcepkin, al cărui nume este Teatrul Maly din Moscova, sau actrița contelui Sheremetyev Praskovya Kovaleva-Zhemchugova, care a devenit ulterior soția contelui Nikolai Petrovici Sheremetev.

Slide 9

Repertoriul acestor teatre cuprindea, în primul rând, piese de teatru ale autorilor europeni, în special francezi și italieni, dar în curând au apărut și lucrări ale scriitorilor ruși. Dintre italieni, merită remarcate operele compozitorilor Niccolo Piccini și Giovanni Paisiello. Foarte puține clădiri ale teatrelor iobagilor din secolul al XVIII-lea au supraviețuit: cele mai faimoase dintre ele sunt Teatrul Conților Sheremetev din moșia Ostankino din Moscova și Teatrul Gonzaga recent restaurat din Arhangelskoye, la decorarea căruia a lucrat celebrul artist italian Pietro Gonzaga. contele Yusupov.

Slide 10

Actori iobagi, educați europeni, dar în același timp, despărțiți de mediul țărănesc, talentați, dar nu liberi, au devenit adesea ostatici ai propriei soarte și a capriciului stăpânului lor, care i-a putut schimba cu „trei ogari” (Griboyedov Vai de la inteligență). Puteți citi despre sfârșitul tragic al multor tinere talente de la Herzen în The Thieving Magpie (1848) și de la Leskov în The Tupey Artist (1883).

Slide 11

Decretul împărătesei Elisabeta Petrovna din 30 august 1756 privind înființarea unui teatru rus în capitală (Teatrul Alexandrinsky) a pus bazele structurii Teatrelor Imperiale din Rusia. Sub auspiciile Teatrelor Imperiale, întreprinderile deja existente au început treptat să se unească, în special, trupa lui Volkov a devenit parte a acestora și au fost create noi teatre. Din această perioadă, rolurile feminine de pe scenă au fost încredințate actrițelor. Primele actrițe ruse au fost Marya și Olga Ananyin și Agrafena Musina-Pushkina, toate care s-au căsătorit curând cu actori din Yaroslavl.

Slide 12

În 1782-85. La Sankt Petersburg, pe locul fostului Palat de Iarnă al lui Petru I, arhitectul Giacomo Quarenghi a construit Teatrul Curții Ermitaj în stil clasic din ordinul împărătesei Ecaterina a II-a. Structura auditoriului teatrului amintește de amfiteatrele grecești cu un rând semicircular

scaune care radiază de pe scenă. Ei spun că împărăteasa a fost foarte mulțumită de această soluție arhitecturală, datorită căreia din aproape oriunde în sală a fost posibil să-i vadă liber pe toți cei prezenți și să le examineze ținutele.

Slide 14

Și acum, doamnelor și domnilor, de când timpul spectacolului nostru a fost foarte, foarte lung, să trecem la piesa lui Denis Fonvizin „Minorul”!

Slide 15

„Satirele sunt un conducător curajos”! (A.S. Pușkin)

Slide 16

Am avut ocazia să citim și să studiem această lucrare de mai multe ori. Dar totuși, să ne amintim pe scurt principalele probleme ale comediei, sau mai degrabă conflictele descrise în ea.

Slide 17

Conflict amoros

Expoziție Inception Climax Resolution

O poveste despre Sophia și solicitanții pentru mâna ei

Știri despre sosirea lui Starodum

Încercarea de a o răpi pe Sophia

Sfârșit fericit - unirea lui Milo și Sophia

Slide 18

Conflict socio-politic

O poveste despre Prostakova și familia ei

În final, viciul este pedepsit - Prostakova și moșia ei sunt puse sub tutelă

Slide 19

Astăzi, epoca s-a schimbat, modul de viață al oamenilor s-a schimbat, dar ignoranții răuvoitori Skotinins și Prostakovs încă se dezlănțuie printre noi. Milon și Pravdin au mers pe cealaltă parte a străzii. Privește în jur și vei întâlni privirea înțeleptului și dreptului Starodum. Și Sophia gânditoare se plimbă pe aleile minunatei piețe. Ai grijă, un grup de tineri se îndreaptă spre tine. Unul dintre ei este Mitrofanushka?!... Ideea principală joacă: „...Ai inimă, ai suflet și vei fi bărbat în orice moment.”

Toate acestea ar fi amuzante dacă nu ar fi atât de trist. M.Yu. Lermontov

Slide 20

În opinia noastră, cea mai „modernă” versiune a piesei lui Denis Fonvizin de până acum a fost pusă în scenă de Teatrul Nikitsky Gate din Moscova!

Slide 21

Să vă reamintim: acțiunea are loc în familia Prostakov. Puternică cu cei din jur, doamna Prostakova își protejează fiul Mitrofanushka în toate modurile posibile. Ea se asigură vigilent că copilul ei nu devine exagerat în timpul procesului de învățare. Mitrofan însuși este indiferent la studii, dar își dorește cu adevărat să se căsătorească. Mama lui iubitoare este gata să-l ajute și cu asta. Așa se mișcă copilul mic prin viață datorită capitalului parental și a ajutorului iubitei sale mame. Și în acest moment, colegii săi își sporesc cunoștințele în beneficiul Patriei. În final, fiecare erou va primi ceea ce merită. Doamna Prostakova va rămâne fără nimic, iar aspirațiile altor eroi vor fi răsplătite.

Slide 22

Versiunile anterioare ale piesei au fost suprasaturate cu moralizare. Regizorul Andrei Molotkov și-a oferit viziunea punând în scenă piesa „Nedorosl.ru” la teatrul Nikitsky Gate. Comedia muzicală s-a dovedit a fi ușoară și originală, iar intriga a fost complet în ton realități moderne. În același timp, producția a păstrat principalul conflict al piesei lui Fonvizin - confruntarea dintre ignoranță și virtutea luminată.

Slide 23

Acest lucru, însă, nu este în întregime adevărat; Începând cu designul scenei, în care fundalul înfățișează un oraș tipărit popular cu colibe șubrede și o băltoacă în centru, în care s-a urcat un porc și și-a înghițit spectatorului fundul voluminos dintr-o imagine plată și zgârie-nori din sticlă și metal se înalță deasupra acoperișurilor din lemn, expozițiile „McDonald’s” și „Cafea”.

Slide 24

Doamna Prostakova în halat și cu bigudiuri în păr, soțul ei bețiv în pantaloni scurți de familie, fratele cu fața mare Skotinin cu o aerosol și Mitrofanushka însuși în blugi cu căștile aruncate peste gât - toate acestea sunt amuzante, dar, bineînțeles , previzibil și uneori redundant, cum ar fi, de exemplu, dansul lui Mitrofanushka pe „Acid People, hei!”

Slide 29

Romantismul dezvăluit brusc al doamnei Prostakova cu profesorul Vralman pare oarecum mai neașteptat - el, desigur, este și un miracol Yudo, un prost pentru un prost și nu-și scoate plasa din cap, ci pe fundalul lui Prostakov, care chiar și iese la oaspeți în aceleași pantaloni scurți, totul va trece în continuare pentru „omul viselor” - dar acestea sunt, în general, lucrurile mărunte din viață. Cel mai interesant lucru din „Minorul” de Nikitsky este legat de personajele cu care, s-ar părea, nu poți face nimic.

Slide 38

Există multe alte producții din The Minor. Totuși, ni se pare că nu va fi suficient timp pentru a ne familiariza cu toate interpretările. Prin urmare, pe această notă minunată, încheiem introducerea noastră în istoria teatrului rus și povestea despre interpretarea modernă a piesei lui Denis Fonvizin. Vă mulțumim pentru atenție!

Italia Teatrul Olimpico (1586) Cea mai importantă etapă în dezvoltarea teatrului european a fost Renașterea. Au apărut primele teatre profesionale cu sediu permanent și o trupă. Spectacolele sunt create pe baza unor lucrări dramatice sau de altă natură. Cea mai importantă etapă în dezvoltarea teatrului european a fost Renașterea. Au apărut primele teatre profesionale cu sediu permanent și o trupă. Spectacolele sunt create pe baza unor lucrări dramatice sau de altă natură.

England Globe Theatre (secolul al XVI-lea) Teatrul este realizat în întregime din lemn, doar părțile individuale sunt pictate în culori diferite pentru a semăna cu marmură sau cărămidă. Baldachinul care acoperă scena înfățișează sfera cerească. Teatrul nu are acoperiș, El formă rotundă, iar deasupra ei sunt adesea cer înnorat din Londra.

Teatrele de stradă din Rusia Actorii bufoni ruși sunt cunoscuți încă din secolul al XI-lea. Printre aceștia s-au numărat muzicieni, cântăreți, dansatori, glumeți, dresori de animale sălbatice, în special de urși.

Primul Palat de Iarnă al lui Petru I - Schitul Primul Palat de Iarnă al lui Petru I - Teatrul Schitul. Sub Petru I, a fost creat primul teatru de stat, accesibil publicului. Dar trupele acestor prime teatre erau formate în principal din străini. Sub Petru I, a fost creat primul teatru de stat, accesibil publicului. Dar trupele acestor prime teatre erau formate în principal din străini.