Σύντομη βιογραφία του Ρέμπραντ και του έργου του. Τα πιο διάσημα έργα του Ρέμπραντ. Ρέμπραντ - πίνακες ζωγραφικής. Πίνακες του Ρέμπραντ με τίτλους. Ο καλλιτέχνης Ρέμπραντ Ρέμπραντ σε τι στυλ ζωγράφιζε

Και το έργο του, που παρουσιάζεται στο άρθρο, θα σας συστήσει έναν από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες όλων των εποχών. Rembrandt Harmensz van Rijn (χρόνια ζωής - 1606-1669) - διάσημος Ολλανδός ζωγράφος, χαράκτης και σχεδιαστής. Το έργο του είναι διαποτισμένο από την επιθυμία να κατανοήσει την ουσία της ζωής, καθώς και τον εσωτερικό κόσμο του ανθρώπου. Ο Ρέμπραντ ενδιαφέρθηκε για τον πλούτο των πνευματικών εμπειριών που είναι εγγενείς στους ανθρώπους. Το έργο αυτού του καλλιτέχνη είναι η κορυφή της ολλανδικής τέχνης του 17ου αιώνα. Θεωρείται επίσης μια από τις σημαντικότερες σελίδες της καλλιτεχνικής κουλτούρας όλου του κόσμου. Ακόμα και άνθρωποι που απέχουν πολύ από τη ζωγραφική γνωρίζουν τα έργα του. Ο Ρέμπραντ είναι ένας καταπληκτικός καλλιτέχνης του οποίου η ζωή και το έργο σίγουρα θα σας ενδιαφέρουν.

Καλλιτεχνική κληρονομιά του Ρέμπραντ

Η καλλιτεχνική κληρονομιά που μας άφησε είναι εξαιρετικά πολυσχιδής. Ο Ρέμπραντ ζωγράφισε πορτρέτα, τοπία, νεκρές φύσεις, σκηνές του είδους. Δημιούργησε πίνακες με μυθολογικά, βιβλικά, ιστορικά θέματα, καθώς και άλλα έργα. Ο Ρέμπραντ είναι ένας αξεπέραστος δεξιοτέχνης της χαρακτικής και του σχεδίου.

Η ζωή στο Λέιντεν

Η ζωή του Ρέμπραντ το 1620 σημαδεύτηκε από μια σύντομη περίοδο σπουδών, τότε αποφάσισε να αφιερώσει τη ζωή του εξ ολοκλήρου στην τέχνη. Για το σκοπό αυτό, σπούδασε αρχικά στο Leiden με τον J. van Swanenbürch (περίπου 1620-23), και στη συνέχεια στο Άμστερνταμ με τον P. Lastman (το 1623). Την περίοδο από το 1625 έως το 1631 ο καλλιτέχνης εργάστηκε στο Λέιντεν. Ο Ρέμπραντ δημιούργησε τα πρώτα του έργα εδώ.

Σημειωτέον ότι τα έργα του που χρονολογούνται στην περίοδο του Leiden χαρακτηρίζονται από την αναζήτηση της δημιουργικής ανεξαρτησίας του συγγραφέα, παρά το γεγονός ότι δείχνουν την επιρροή του Lastman, καθώς και εκπροσώπων του ολλανδικού καραβαγισμού. Ένα παράδειγμα είναι το έργο «Φέρνοντας στο Ναό», που δημιουργήθηκε γύρω στα 1628-29. Στον «Απόστολο Παύλο» (περίπου 1629-30), καθώς και στο «Σιμεών στο Ναό» (1631), ο καλλιτέχνης κατέφυγε για πρώτη φορά στο chiaroscuro ως μέσο που σχεδιάστηκε για να ενισχύσει τη συναισθηματική εκφραστικότητα και την πνευματικότητα των εικόνων. Ταυτόχρονα, ο Ρέμπραντ δούλεψε σκληρά για το πορτρέτο. Μελέτησε τις εκφράσεις του προσώπου.

1630 χρόνια στη ζωή του Ρέμπραντ

Ένα σημαντικό γεγονός στη ζωή του πλοιάρχου συνέβη το 1632. Η μετακόμιση στο Άμστερνταμ σημάδεψε τη βιογραφία του καλλιτέχνη Ρέμπραντ. Το βιογραφικό του, που αφορά αυτή την εποχή, έχει ως εξής.

Στο Άμστερνταμ, ο καλλιτέχνης που μας ενδιαφέρει σύντομα παντρεύτηκε. Η εκλεκτή του ήταν η Saskia van Uylenburgh, μια πλούσια πατρίκιος (το πορτρέτο της παρουσιάζεται παραπάνω). Αυτή η γυναίκα ήταν ορφανή. Ο πατέρας της ήταν μέλος του συμβουλίου της Φρίσλαντ, δούλος από το Leewerden. Τα δύο αδέρφια της Saskia ήταν δικηγόροι. Μεταξύ των συγγενών αυτής της γυναίκας είναι πολλοί κυβερνητικοί αξιωματούχοι και επιστήμονες. Έφερε μια αχτίδα ευτυχίας στη μοναχική κατοικία του καλλιτέχνη. Ο Ρέμπραντ έπλωσε το σπίτι του με πολλά σπάνια πράγματα, με αποτέλεσμα να γίνει πραγματικό μουσείο. Ο πλοίαρχος ξόδεψε πολύ χρόνο σε παλιοπωλεία, πωλήσεις και δημοπρασίες. Αγόρασε στάμπες και πίνακες, ινδικά και κινέζικα σκαλιστά νίκες, παλιά όπλα, αγάλματα, πολύτιμα κρύσταλλα και πορσελάνη. Όλα αυτά λειτούργησαν ως φόντο για τους πίνακες που δημιούργησε. Ενέπνευσαν τον καλλιτέχνη. Στον Ρέμπραντ άρεσε να ντύνει τη γυναίκα του με βελούδο, μπροκάρ και μετάξι. Της έριξε μαργαριτάρια και διαμάντια. Η ζωή του ήταν εύκολη και χαρούμενη, γεμάτη δημιουργικότητα, δουλειά και αγάπη. Γενικά, η δεκαετία του 1630 είναι μια εποχή οικογενειακής ευτυχίας και μεγάλης καλλιτεχνικής επιτυχίας.

Πορτρέτα από τη δεκαετία του 1630

Όλα τα πορτρέτα που χρονολογούνται από τη δεκαετία του 1630 καταδεικνύουν τη λεπτότητα και τη δύναμη της παρατήρησης του Ρέμπραντ. Αυτό τον φέρνει πιο κοντά στους Keyser, van der Helst, Rubens και Van Dyck. Αυτοί οι πίνακες συνήθως γίνονται σε ανοιχτό γκρι ομοιόμορφο φόντο. Συχνά οβάλ μορφή είναι τα έργα του. Ο Ρέμπραντ δημιούργησε πορτρέτα που εκπλήσσουν με την τεράστια πλαστική δύναμη. Επιτυγχάνεται με την απλοποίηση της αρμονίας του chiaroscuro και του ασπρόμαυρου, καθώς και το άμεσο βλέμμα του μοντέλου. Όλα τα έργα είναι γεμάτα αξιοπρέπεια, τραβούν την προσοχή με τη σύνθεση και τη δυναμική ευκολία. Στους πίνακες της περιόδου του Άμστερνταμ, σε σύγκριση με το Leiden, μια πιο λεία υφή. Ο ρυθμός των χεριών έχει συμβολική σημασία (ο καλλιτέχνης σκόπιμα δεν δείχνει το ένα χέρι). Αυτό, όπως και η στροφή του κεφαλιού της φιγούρας, θυμίζει τη μεταβλητότητα και την παροδικότητα του μπαρόκ.

Χαρακτηριστικά ορισμένων πορτρέτων της δεκαετίας του 1630

Περιγράφοντας τη ζωή και το έργο του Ρέμπραντ αυτής της περιόδου, δεν μπορεί να μην αναφερθεί στα πορτρέτα που δημιούργησε. Είναι αρκετά πολυάριθμοι. Το μάθημα της ανατομίας του Δρ. Τουλπ του Ρέμπραντ (φωτογραφία παραπάνω) δημιουργήθηκε το 1632. Σε αυτό, ο συγγραφέας προσέγγισε καινοτόμα την επίλυση του προβλήματος ενός ομαδικού πορτρέτου, με αποτέλεσμα η σύνθεση να αποδειχθεί χαλαρή. Ο Ρέμπραντ ένωσε όλους τους ανθρώπους που αντιπροσωπεύονται στην εικόνα με μια μόνο δράση. Αυτή η δουλειά του έφερε μεγάλη φήμη.

Σε άλλα πορτρέτα, που δημιουργήθηκαν με πολλές παραγγελίες, ο καλλιτέχνης μετέφερε προσεκτικά ρούχα, χαρακτηριστικά προσώπου και κοσμήματα. Ένα παράδειγμα είναι το έργο "Portrait of a Burgrave", το οποίο ζωγραφίστηκε το 1636 από τον Rembrandt Harmensz van Rijn. Η ζωή και το έργο κάθε καλλιτέχνη είναι στενά συνδεδεμένα. Για παράδειγμα, τα πορτρέτα ανθρώπων κοντά στον Ρέμπραντ, καθώς και οι αυτοπροσωπογραφίες του (ένα από αυτά, που δημιουργήθηκε το 1634, παρουσιάζεται παραπάνω), είναι πιο ποικίλα και ελεύθερα στη σύνθεση. Σε αυτά, ο καλλιτέχνης δεν φοβόταν να πειραματιστεί, προσπαθώντας για ψυχολογική εκφραστικότητα. Εδώ θα πρέπει να αναφερθεί επίσης μια αυτοπροσωπογραφία, που δημιουργήθηκε το 1634, και η «Χαμογελαστή Σάσκια», ζωγραφισμένη το 1633.

Ο διάσημος πίνακας «Εύθυμη κοινωνία», ή «Αυτοπροσωπογραφία με τη Σάσκια» (μια φωτογραφία αυτού του έργου παρουσιάζεται παραπάνω), ολοκλήρωσε την αναζήτηση για αυτήν την περίοδο. Ζωγραφίστηκε γύρω στο 1635. Η ζωή και το έργο του καλλιτέχνη αποκαλύπτονται με έναν ιδιαίτερο τρόπο σε αυτό το έργο. Σε αυτό σπάει με τόλμη τους κανόνες που υπήρχαν εκείνη την εποχή. Η εικόνα ξεχωρίζει για τον ελεύθερο τρόπο ζωγραφικής της, τη ζωηρή αμεσότητα της σύνθεσης, καθώς και τη φωτεινή, μείζονα, πολύχρωμη κλίμακα.

Βιβλικές συνθέσεις και μυθολογικές σκηνές 1630

Το 1630, ο καλλιτέχνης δημιούργησε επίσης βιβλικές συνθέσεις. Ένα από τα πιο γνωστά είναι η «Θυσία του Αβραάμ». Ανήκει στο 1635. Οι βιβλικές συνθέσεις αυτής της εποχής χαρακτηρίζονται από την επιρροή της ιταλικής ζωγραφικής του μπαρόκ. Η επίδρασή του εκδηλώνεται στη δυναμική της σύνθεσης (κάπως αναγκαστική), στις αντιθέσεις φωτός και σκιάς, στην ευκρίνεια των γωνιών.

Στα έργα του Ρέμπραντ αυτής της εποχής, ιδιαίτερη θέση έχουν οι μυθολογικές σκηνές. Σε αυτά, ο καλλιτέχνης δεν ακολούθησε τις κλασικές παραδόσεις και τους κανόνες, ρίχνοντάς τους μια τολμηρή πρόκληση. Ένα από τα έργα που μπορεί να σημειωθεί εδώ είναι ο βιασμός του Γανυμήδη (1635).

"Δανάη"

Η μνημειακή σύνθεση που ονομάζεται «Δανάη» ενσάρκωσε πλήρως τις αισθητικές απόψεις του Ρέμπραντ. Στο έργο αυτό φαίνεται να μπαίνει σε διαμάχη με τους μεγάλους καλλιτέχνες της Αναγέννησης. Η γυμνή φιγούρα της Δανάης που απεικονίζει ο Ρέμπραντ δεν ανταποκρίνεται στα κλασικά ιδανικά. Ο καλλιτέχνης ολοκλήρωσε αυτό το έργο με μια ρεαλιστική αμεσότητα, πολύ τολμηρή για εκείνη την εποχή. Αντιπαραβάλλει την ιδανική, αισθησιακή-σωματική ομορφιά των εικόνων που δημιουργούν οι Ιταλοί δασκάλοι με την πνευματική ομορφιά, καθώς και τη ζεστασιά του ανθρώπινου συναισθήματος.

Άλλες δουλειές

Επίσης το 1630, ο Ρέμπραντ αφιέρωσε πολύ χρόνο στην τεχνική της χαρακτικής και της χαρακτικής. Μπορεί κανείς να σημειώσει έργα του όπως το "The Traveling Couple" και "The Seller of Rat Poison". Ο καλλιτέχνης δημιούργησε επίσης σχέδια με μολύβι, γενικευμένα με τρόπο και πολύ τολμηρά.

Έργο του Ρέμπραντ του 1640

Αυτά τα χρόνια σημαδεύτηκαν από μια σύγκρουση μεταξύ των καινοτόμων έργων του Ρέμπραντ και των πολύ περιορισμένων απαιτήσεων των συγχρόνων του. Αυτή η σύγκρουση εκδηλώθηκε ξεκάθαρα το 1642. Στη συνέχεια, το έργο του «Night Watch» του Ρέμπραντ προκάλεσε βίαιες διαμαρτυρίες από τους πελάτες. Δεν αποδέχθηκαν την κύρια ιδέα του καλλιτέχνη. Ο Ρέμπραντ, αντί για το συνηθισμένο ομαδικό πορτρέτο, απεικόνισε μια ηρωικά ανυψωμένη σύνθεση στην οποία, σε σήμα κινδύνου, η συντεχνία των σκοπευτών προχωρά μπροστά. Δηλαδή, θα μπορούσε να πει κανείς, ξύπνησε τις μνήμες των συγχρόνων της για τον απελευθερωτικό πόλεμο που διεξήγαγε ο ολλανδικός λαός.

Μετά από αυτό το έργο, η εισροή παραγγελιών από τον Ρέμπραντ μειώθηκε. Η ζωή του επισκιάστηκε επίσης από τον θάνατο της Saskia. Το 1640, το έργο του καλλιτέχνη έχασε την εξωτερική του εμφάνιση. Οι μείζονες νότες που ήταν χαρακτηριστικές του νωρίτερα εξαφανίστηκαν επίσης. Ο Ρέμπραντ αρχίζει να γράφει ήρεμο είδος και βιβλικές σκηνές, γεμάτες οικειότητα και ζεστασιά. Σε αυτά, αποκαλύπτει τις πιο λεπτές αποχρώσεις εμπειριών, συναισθήματα συγγένειας, πνευματική οικειότητα. Μεταξύ αυτών των έργων πρέπει να σημειωθεί «Η Αγία Οικογένεια» το 1645, καθώς και ο πίνακας «Δαυίδ και Ιωνάθαν» (1642).

Τόσο στα γραφικά όσο και στη ζωγραφική του Ρέμπραντ, ένα πολύ λεπτό παιχνίδι chiaroscuro γίνεται όλο και πιο σημαντικό. Δημιουργεί μια ιδιαίτερη ατμόσφαιρα - συναισθηματικά τεταμένη, δραματική. Αξιοσημείωτο είναι το μνημειώδες φύλλο γραφικών του Ρέμπραντ «Χριστός που θεραπεύει τους αρρώστους», καθώς και το «Φύλλο των εκατό φιορίνι», που δημιουργήθηκε γύρω στο 1642-46. Είναι επίσης απαραίτητο να ονομαστεί το τοπίο του 1643 «Τρία Δέντρα», γεμάτο φως και δυναμική αέρα.

Δεκαετία 1650 στο έργο του Ρέμπραντ

Αυτή η φορά σημαδεύτηκε από σοβαρές δοκιμασίες ζωής που έπληξαν τον καλλιτέχνη. Ήταν το 1650 που ξεκίνησε η περίοδος της δημιουργικής του ωριμότητας. Ο Ρέμπραντ στρέφεται όλο και περισσότερο στο πορτρέτο. Απεικονίζει τους πιο κοντινούς του ανθρώπους. Μεταξύ αυτών των έργων, αξίζει να σημειωθούν τα πολυάριθμα πορτρέτα της Hendrickje Stoffels, της δεύτερης συζύγου του καλλιτέχνη. Επίσης αρκετά αξιοσημείωτο ήταν το «Πορτρέτο μιας ηλικιωμένης γυναίκας» που δημιουργήθηκε το 1654. Το 1657, ο καλλιτέχνης ζωγράφισε ένα άλλο από τα διάσημα έργα του - "Son Titus Reading".

Εικόνες απλών ανθρώπων και ηλικιωμένων

Οι εικόνες των απλών ανθρώπων, ιδιαίτερα των ηλικιωμένων, προσελκύουν όλο και περισσότερο τον καλλιτέχνη. Αποτελούν την ενσάρκωση του πνευματικού πλούτου και της ζωτικής σοφίας στα έργα του. Το 1654, ο Ρέμπραντ δημιούργησε το "Πορτρέτο της συζύγου του αδερφού του καλλιτέχνη" και το 1652-1654 - "Πορτρέτο ενός γέρου με κόκκινο" (εικόνα παραπάνω). Ο ζωγράφος αρχίζει να ενδιαφέρεται για τα χέρια και το πρόσωπο, τα οποία φωτίζονται από απαλό φως. Μοιάζουν να έχουν ανασυρθεί από το σκοτάδι. Τα πρόσωπα των μορφών χαρακτηρίζονται από ελάχιστα αισθητές εκφράσεις του προσώπου. Αυτό δείχνει την πολύπλοκη κίνηση των συναισθημάτων και των σκέψεών τους. Ο Ρέμπραντ εναλλάσσεται ανάμεσα σε ελαφριές και παστώδεις πινελιές, γεγονός που κάνει την επιφάνεια του πίνακα να ιριδίζει με chiaroscuro και πολύχρωμες αποχρώσεις.

Δύσκολη οικονομική κατάσταση

Το 1656, ο καλλιτέχνης κηρύχθηκε αφερέγγυος οφειλέτης, με αποτέλεσμα όλη η περιουσία του να βγει στο σφυρί. Ο Ρέμπραντ αναγκάστηκε να μετακομίσει στην εβραϊκή συνοικία της πόλης του Άμστερνταμ. Εδώ πέρασε το υπόλοιπο της ζωής του σε εξαιρετικά στενές συνθήκες.

Το έργο του Rembrandt Harmensz van Rijn 1660

Οι βιβλικές συνθέσεις που δημιουργήθηκαν στη δεκαετία του 1660 συνοψίζουν τους προβληματισμούς του Ρέμπραντ για το νόημα της ζωής. Στο έργο του αυτή την εποχή υπάρχουν πίνακες αφιερωμένοι στη σύγκρουση των αρχών του φωτός και του σκότους στην ανθρώπινη ψυχή. Ορισμένα έργα σχετικά με αυτό το θέμα δημιουργήθηκαν από τον Rembrandt Harmensz van Rijn, του οποίου η βιογραφία και ο κατάλογος των έργων ζωγραφικής μας ενδιαφέρουν. Μεταξύ τέτοιων έργων είναι απαραίτητο να σημειωθεί το έργο "Assur, Haman and Esther", που δημιουργήθηκε το 1660. και επίσης ο David and Uriah, ή The Fall of Haman (1665). Χαρακτηρίζονται από ευέλικτο στυλ γραφής, ζεστό κορεσμένο εύρος, περίπλοκη υφή επιφάνειας, έντονο παιχνίδι φωτός και σκιάς. Όλα αυτά είναι απαραίτητα για να αποκαλύψει ο καλλιτέχνης περίπλοκες συναισθηματικές εμπειρίες και συγκρούσεις, να επιβεβαιώσει τη νίκη του καλού έναντι του κακού.

Ένας ιστορικός πίνακας του Ρέμπραντ με τίτλο «The Conspiracy of Julius Civilis», γνωστός και ως «The Conspiracy of the Batavians», δημιουργήθηκε το 1661. Είναι εμποτισμένο με ηρωισμό και έντονο δράμα.

"Επιστροφή του Άσωτου Υιού"

Τον τελευταίο χρόνο της ζωής του, ο καλλιτέχνης δημιούργησε το έργο "Η Επιστροφή του Άσωτου Υιού". Χρονολογείται από το 1668-69. Αυτός ο μνημειώδης πίνακας είναι το κύριο αριστούργημα του Ρέμπραντ. Ενσωματώνει όλα τα ηθικά, αισθητικά και καλλιτεχνικά προβλήματα που χαρακτηρίζουν τη μεταγενέστερη περίοδο του έργου του. Ο καλλιτέχνης με την υψηλότερη ικανότητα αναδημιουργεί σε αυτή την εικόνα μια ολόκληρη σειρά από βαθιά και πολύπλοκα ανθρώπινα συναισθήματα. Υποτάσσει τα καλλιτεχνικά μέσα στην αποκάλυψη της ομορφιάς της συγχώρεσης, της συμπόνιας, της κατανόησης. Σε φειδωλές χειρονομίες και εκφραστικές στάσεις, ενσαρκώνεται η κορύφωση της μετάβασης από την ένταση των συναισθημάτων στην επιτυχή επίλυση των παθών. Στην παραπάνω φωτογραφία, μπορείτε να δείτε αυτό το τελευταίο έργο του Ρέμπραντ.

Ο θάνατος του Ρέμπραντ, το νόημα του έργου του

Ο διάσημος Ολλανδός ζωγράφος, χαράκτης και σχεδιαστής πέθανε στο Άμστερνταμ στις 4 Οκτωβρίου 1669. Ο Harmensz van Rijn Rembrandt, τα έργα του οποίου είναι γνωστά και αγαπημένα σε πολλούς, είχε τεράστιο αντίκτυπο στην περαιτέρω ανάπτυξη της ζωγραφικής. Αυτό γίνεται αντιληπτό όχι μόνο στο έργο των μαθητών του, από τους οποίους ο Karel Fabricius έφτασε πιο κοντά στην κατανόηση του Rembrandt, αλλά και στα έργα κάθε Ολλανδού καλλιτέχνη, περισσότερο ή λιγότερο σημαντικού. Οι πίνακες πολλών δασκάλων αντικατοπτρίζουν την επιρροή ενός καλλιτέχνη όπως ο Rembrandt van Rijn. Το έργο «Βάλτος», συγγραφέας του οποίου είναι ο Jacob van Ruysdael, είναι μάλλον ένα από αυτά τα έργα. Δείχνει το έρημο τμήμα της δασικής περιοχής πλημμυρισμένο από νερό. Αυτή η εικόνα έχει συμβολικό νόημα.

Στο μέλλον, ο μεγάλος Ρέμπραντ είχε ισχυρή επιρροή στην ανάπτυξη της ρεαλιστικής τέχνης στο σύνολό της. Οι πίνακες και η βιογραφία του ενδιαφέρουν πολλούς ανθρώπους μέχρι σήμερα. Αυτό υποδηλώνει ότι το έργο του είναι πράγματι πολύ πολύτιμο. Τα αριστουργήματα του Ρέμπραντ, πολλά από τα οποία έχουν περιγραφεί σε αυτό το άρθρο, εξακολουθούν να εμπνέουν τους καλλιτέχνες.

Το «Τοπίο με πέτρινο γεφύρι» είναι μια εικόνα που περιέχει όλα τα χαρακτηριστικά του στυλ του συγγραφέα. Η αντίθεση των χρωμάτων, ο συνδυασμός φωτός και σκοταδιού με τέτοιο τρόπο που το φως φαίνεται ακόμα πιο φυσικό και το σκοτάδι πιο βαθύ […]

Στο έργο του, ο Ρέμπραντ απεικόνισε επανειλημμένα μύλους, βλέποντας τη δική τους γοητεία και ομορφιά σε αυτούς. Αυτή η εικόνα είναι ένα από τα σπουδαιότερα έργα του συγγραφέα. Η βαριά ατμόσφαιρα του καμβά συνδυάζεται με την εικόνα της όμορφης, […]

Η ιστορία του Σαμψών και της Δελιλά περιγράφεται στην Παλαιά Διαθήκη. Σύμφωνα με το μύθο, ο Σαμψών επιλέχθηκε από τον Θεό για να προστατεύσει τον εβραϊκό λαό από τους χειρότερους εχθρούς του. Για να το κάνει αυτό, έδωσε στο μωρό μεγάλη δύναμη, […]

Η εικόνα αποτυπώνει την ιστορία όταν ο Ιησούς Χριστός εμφανίζεται στη Μαρία τη Μαγδαληνή. Μετά τον τραγικό θάνατο, κανείς δεν περίμενε να δει ξανά τον Υιό του Κυρίου, έτσι η εμφάνισή του ξάφνιασε το κορίτσι. Σύμφωνα με το ύφος του συγγραφέα, το φόντο του πίνακα […]

Σύμφωνα με το μύθο, ο Γέροντας Συμεών μπορούσε να δεχτεί την αιώνια ανάπαυση μόνο αφού είδε τον Χριστό με τα μάτια του. Στον καμβά απεικονίζεται ο ίδιος ο Γέροντας, η Παναγία και ο μικρός Ιησούς Χριστός στην αγκαλιά του Ιωσήφ. Οι Άγιοι έφτασαν […]

Η εικόνα είναι μια εικόνα μιας από τις παραβολές που περιγράφονται στο Ευαγγέλιο του Λουκά. Πρόκειται για έναν πλούσιο άνδρα που αποφασίζει να χρησιμοποιήσει όλη του την περιουσία για προσωπική άνεση και ευτυχία, αντί να […]

Αυτός ο πίνακας είναι ένα από τα τελευταία αριστουργήματα που φιλοτέχνησε ο Ρέμπραντ. Στον καμβά μπορεί κανείς να δει μια οικογένεια γεμάτη ευτυχία και αρμονία. Στην πραγματικότητα, αυτός ο καμβάς σχεδιάζεται και όχι ως μέρος ενός οικογενειακού χρονικού, αλλά ως […]

Ο μεγάλος Ολλανδός καλλιτέχνης Rembrandt Harmenszoon van Rijn ήταν μεγάλος δεξιοτέχνης στην απεικόνιση ανθρώπινων συναισθημάτων και εμπειριών. Τα είδη των έργων του πλοιάρχου είναι πολύ διαφορετικά, αλλά ανεξάρτητα από το θέμα για το οποίο γράφει, τα βάθη των ανθρώπινων παθών […]

Ο Rembrandt Harmenszoon van Rijn είναι ο μεγαλύτερος Ολλανδός ζωγράφος και γραφίστας. Είναι εκπρόσωπος των «μεγάλων Ολλανδών»: Ολλανδοί καλλιτέχνες που ζωγράφιζαν τους πίνακές τους σε καμβάδες μεγάλων διαστάσεων.

Ο Rembrandt Harmenszoon van Rijn γεννήθηκε στις 15 Ιουλίου 1606 στην Ολλανδία, στην πόλη Leiden. Ο πατέρας του, Harmen van Rijn, ήταν ένας πλούσιος μυλωνάς και η μητέρα του, Neltje Willems van Zeitburg, ήταν κόρη ενός αρτοποιού. Ο Ρέμπραντ ήταν το έκτο παιδί μιας μεγάλης οικογένειας.

Στο Λάιντεν, ο Ρέμπραντ σπούδασε σε ένα λατινικό σχολείο και σε ηλικία 13 ετών μπήκε στο Πανεπιστήμιο του Λέιντεν, αλλά δεν έμεινε εκεί. Το αγόρι ενδιαφερόταν περισσότερο για τη ζωγραφική και ο πατέρας του Ρέμπραντ, βλέποντας το ταλέντο του γιου του, τον βοήθησε. Σε ηλικία 16 ετών, ο Ρέμπραντ άρχισε να μελετά οπτικό γραμματισμό με τον πρώτο του δάσκαλο. Jacob van Swanenburg -Ιστορικός ζωγράφος του Leiden, γιος του Isaac Claes Swanenburg - του πιο εξέχοντος καλλιτέχνη της πόλης στα τέλη του 16ου αιώνα. Επίσης, Ρέμπραντήταν μακρινός συγγενής Jacob van Swanenburg.

Το 1623, ο Ρέμπραντ μετακόμισε στο Άμστερνταμ, όπου για έξι μήνες σπούδασε με τον Πίτερ Λάστμαν, ο οποίος έγινε διάσημος για ιστορικά, μυθολογικά και βιβλικά θέματα. Ο Ρέμπραντ μπήκε στο εργαστήριό του ως έφηβος, οπότε έμαθε πολλά από αυτόν, τότε έναν πολύ διάσημο καλλιτέχνη. Στο εργαστήριό του ο Ρέμπραντ έμαθε την τέχνη της χαρακτικής. Η προτίμηση του Lastman για την ποικιλομορφία και την υπερβολική λεπτομέρεια είχε τεράστιο αντίκτυπο στον νεαρό Ρέμπραντ στην αρχή. Πρώιμοι καμβάδες του Ρέμπραντ: «The Stoning of the Holy Apostle Stephen» (1625. Lyon. Museum of Fine Arts), «Palamedea front of Agamemnon» (1626), «The Baptism of a Eunuch» (1626. Utrecht. State Museum. Katareynekonvent), "Concert" (Μουσικό μάθημα στην ηδονική αγάπη) (1626. Κρατικό Μουσείο του Άμστερνταμ. Rijksmuseum), "David with the Head of Goliath" (1627. Basel. Open Art Collection), "Praying Tobit" (Ο Tobit κατηγορεί την Άννα of stealing a kid) (1626. Κρατικό Μουσείο Άμστερνταμ, Rijksmuseum), Balaam and the Donkey (1627). Αυτοί οι πίνακες είναι πολύ πολύχρωμοι, οι λεπτομερείς λεπτομέρειες είναι προσεκτικά γραμμένες, το ίδιο το σκηνικό του βιβλικού θρύλου μεταφέρεται αυθεντικά. Αλλά ήδη σε αυτούς τους πρώιμους καμβάδες, εμφανίζονται εφέ φωτός-σκιάς, που έκαναν τον συγγραφέα τόσο διάσημο.

Το 1627 ο Ρέμπραντ επέστρεψε στο Λέιντεν. Σε ηλικία είκοσι ετών εργάζεται ανεξάρτητα με πίνακες ζωγραφικής, ενώ ασχολείται και με τη χαρακτική. Ο Ρέμπραντ, περπατώντας στους δρόμους, απαθανάτισε τις εικόνες που του άρεσαν με μια σμίλη σε μια λακαρισμένη σανίδα. Δημιουργεί επίσης μια σειρά από χαρακτικά που απεικονίζουν τους συγγενείς του και αυτοπροσωπογραφίες. Στο Λέιντεν, ο Ρέμπραντ εργάζεται μαζί με τον φίλο του Γιαν Λίβενς, ισάξιο σε ταλέντο με αυτόν. Οι καλλιτέχνες έχουν αμοιβαία επιρροή ο ένας στη δουλειά του άλλου και μερικές φορές εργάζονται στην ίδια πλοκή σε ένα είδος συν-συγγραφικής. Για το λόγο αυτό, είναι αρκετά δύσκολο για τους κριτικούς τέχνης να χαράξουν μια διαχωριστική γραμμή ανάμεσα στους πίνακες του Rembrandt και του Lievens του 1628-1632. Μερικά από τα αριστουργήματα του Levins έχουν αποδοθεί στον Rembrandt, ενώ οι λιγότερο πολύτιμοι καμβάδες του τελευταίου έχουν θεωρηθεί του Levins.

Ήδη στα χρόνια του Λάιντεν, η πρωτοτυπία του Ρέμπραντ άρχισε να εμφανίζεται στον τρόπο του να αναπτύσσει πλοκές. Όπως και άλλοι δεξιοτέχνες του μπαρόκ, ο Ρέμπραντ διερευνά τη σημασία του chiaroscuro στη μετάδοση συναισθημάτων. Το έργο του Ρέμπραντ επηρεάστηκε από καλλιτέχνες όπως ο Joris van Schooten, ο δημιουργός μιας ολόκληρης σειράς ομαδικών έργων ζωγραφικής, ο Luka Leydensky, το πινέλο του ανήκει στον πίνακα "The Last Judgment", Peter Paul Rubens, ο οποίος τότε θεωρούνταν ο καλύτερος καλλιτέχνης στην Ευρώπη. , ο Γερμανός καλλιτέχνης Adam Elsheimer, καθώς και οι πίνακες των καραβαγιστριών έγιναν δάσκαλοί του σε σχέση με την εργασία με το φως και τη σκιά. Οι καμβάδες του Ρέμπραντ που πλησιάζουν περισσότερο σε στυλ στους καραβατζήδες είναι το The Money Changer (Η παραβολή του ανόητου πλούσιου) (1627 Βερολίνο), Entry into the Temple (1628), Christ at Emmaus (1629). Το πορτρέτο στο οποίο ο καλλιτέχνης απαθανάτισε τον εαυτό του στο στούντιο τη στιγμή που εργαζόταν στην εικόνα είναι το πρώτο εικαστικό αυτοπροσωπογραφία του Ρέμπραντ (1628) που μας έχει φτάσει.

Το 1629, ο καλλιτέχνης έγινε αντιληπτός από τον γραμματέα του stadtholder Konstantin Heygens, ποιητή και προστάτη των τεχνών. Σε μια από τις επιστολές του, ο Haygens περιγράφει τους Lievens και Rembrandt ως πολλά υποσχόμενους νέους καλλιτέχνες. Συγκρίνει το «Ο Ιούδας επιστρέφει τα τριάντα ασήμι» του Ρέμπραντ (1629, ιδιωτική συλλογή) με τα καλύτερα έργα της Ιταλίας, αν και καταδικάζει την παραμέληση του ζωγράφου από τον καλλιτέχνη. Πιθανώς με τη μεσολάβηση του Χάιγκενς, ο Ρέμπραντ επικοινώνησε με πλούσιους πελάτες και ο κάτοχος του στελέχους άρχισε να αποκτά πίνακες των Ρέμπραντ και Λίβενς. Ο Ρέμπραντ ζωγράφισε αρκετούς θρησκευτικούς πίνακες για τον Πρίγκιπα του Πορτοκαλιού. Ωστόσο, τα Πάθη του Χριστού δεν είχαν μεγάλη επιτυχία.

Το 1631, ο Ρέμπραντ μετακόμισε ξανά στο Άμστερνταμ, που εκείνη την εποχή θεωρούνταν η δεύτερη Βενετία. Ο Ρέμπραντ συναντά πολλούς ανθρώπους διαφορετικών τάξεων. Πολλά πορτρέτα δείχνουν ότι ο καλλιτέχνης ήταν μέλος των υψηλότερων στρωμάτων της κοινωνίας του Άμστερνταμ. Οι απλοί άνθρωποι του πόζαραν για βιβλικές σκηνές. Τα πρώτα δέκα χρόνια μετά τη μετακόμιση του Ρέμπραντ στο Άμστερνταμ σημαδεύτηκαν από τη δημιουργία πολλών έργων εντυπωσιακού μεγέθους και θεματολογίας. Σε σκίτσα ανδρικών και γυναικείων κεφαλιών, εξερευνά τις εκφράσεις του προσώπου και την πρωτοτυπία κάθε μοντέλου. Ο καλλιτέχνης συχνά ζωγραφίζει αυτοπροσωπογραφίες, απεικονίζοντας τον εαυτό του με φανταστική ενδυμασία και περίπλοκες πόζες. Ο Ρέμπραντ τυπώνει μόνος του τα χαρακτικά του και κάθε εκτύπωση διαφέρει από την προηγούμενη κατά μερικές πινελιές ή γραμμές. Αυτά τα χαρακτικά εξαντλήθηκαν γρήγορα. Τα έργα του έχουν βρει πελάτες τόσο στη χώρα του όσο και στο εξωτερικό.

Ο Ρέμπραντ γίνεται δεινός συλλέκτης ακριβών και σπάνιων αντικειμένων. Γέμισε την έπαυλή του στην όχθη ενός πρόσφατα σκαμμένου καναλιού με αντικείμενα τέχνης που αγόρασε από αρχαιολόγους. Αυτοί ήταν πίνακες Ιταλών δασκάλων και γκραβούρες, πολλά έργα του Ρούμπενς, καθώς και προτομές αντίκες, όπλα, μουσικά όργανα, ινδική πανοπλία και φανταχτερά καθημερινά σκεύη. Ο καλλιτέχνης μελέτησε στενά τα έργα μεγάλων προκατόχων και συγχρόνων του, όπως ο Τιτσιάν και το «Αριοστό», ένα πορτρέτο του Μπαλταζάρ Καστιλιόνε από τον Ραφαήλ, πορτρέτα του βαν Ντικ.

Το ομαδικό πορτρέτο «The Anatomy Lesson of Dr. Tulp» (1632. Η Χάγη, Mauritshuis) δόξασε τον Ρέμπραντ και θεωρείται το πρώτο σπουδαίο έργο του καλλιτέχνη. Το 1555, ψηφίστηκε νόμος στην Ολλανδία που επέτρεπε στους γιατρούς να εξετάζουν το ανθρώπινο σώμα και πολλοί γιατροί έκαναν διαλέξεις για την ανθρώπινη ανατομία σε ειδικά ανατομικά θέατρα. Στον πίνακα «The Anatomy Lesson of Dr. Tulp», ο Dr. Nicholas Tulp (πραγματικό όνομα Klas Pieterszon), ένας εξαιρετικός χειρουργός και επιστήμονας του Άμστερνταμ που ήταν επικεφαλής του τμήματος ανατομίας, δείχνει στους γιατρούς τη δομή των μυών του αριστερού αντιβραχίου. Η εικόνα είναι εντυπωσιακή στον ρεαλισμό και τον νατουραλισμό της. Η σύνθεση είναι αρκετά πρωτότυπη, δεν αντιστοιχεί στο συνηθισμένο σχήμα, όταν οι φιγούρες τοποθετούνταν γύρω από το τραπέζι ή παρατάσσονταν σε παράλληλες σειρές έτσι ώστε τα κεφάλια των απεικονιζόμενων να είναι εξίσου ορατά στον θεατή. Σε αντίθεση με αυτήν την επικρατούσα επίσημη παράδοση, οι χειρουργοί απεικονίζονται σε φυσικές πόζες και τους ενώνει μια πυραμιδοειδής σύνθεση ανθρώπων που παρασύρονται από τη διαδικασία. Ο Ρέμπραντ ήταν σε θέση να μεταφέρει μέσω εκφράσεων του προσώπου και χειρονομιών τις σκέψεις και τα συναισθήματα του καθηγητή και των μαθητών του. Ο Ρέμπραντ δίνει μεγάλη προσοχή στον φωτισμό που γεμίζει την εικόνα, δημιουργώντας μια ιδιαίτερη ένταση στον καμβά. Ο πίνακας «The Anatomy Lesson of Dr. Tulp» τράβηξε την προσοχή πολλών κατοίκων του Άμστερνταμ που ήταν πρόθυμοι να διεισδύσουν στο αμφιθέατρο ενός ιατρικού ιδρύματος μόνο και μόνο για να τον κοιτάξουν.

Το 1634, ο Ρέμπραντ παντρεύτηκε τη Saskia van Uylenburgh, μια πλούσια κοπέλα από μια πολύ ευγενή οικογένεια. Αυτό το γεγονός αύξησε την περιουσία τους, ανοίγοντας τις πόρτες των αρχοντικών των burghers στον καλλιτέχνη. Με ειδική παραγγελία, ο Ρέμπραντ εκτέλεσε ομαδικά πορτρέτα. Οι πελάτες προτιμούσαν να τραβηχτούν με τον σύζυγό τους. Ο Ρέμπραντ ζωγράφισε δεκάδες από αυτά τα πορτρέτα, που συνήθως απεικονίζουν το ζευγάρι σε δύο διαφορετικούς καμβάδες. Μόνο δύο φορές ο ζωγράφος ζωγραφίζει ένα διπλό πορτρέτο, γιατί δεν είναι εύκολο να τοποθετήσει κανείς πειστικά δύο ανθρώπους σε έναν καμβά.

«Ναυπηγός και η γυναίκα του» (πορτρέτο του Γιαν Ράικσεν και της συζύγου του Γκριτ Τζανς) (1633. Λονδίνο. Βασιλική συλλογή).
Ο καλλιτέχνης τοποθετεί το ζευγάρι σε ένα ιδιωτικό περιβάλλον. Το επεισόδιο με τη σύζυγο να δίνει ένα γράμμα στον άντρα της, ο οποίος εργάζεται στο γραφείο του, μετατρέπει την εικόνα σε σκηνή είδους. Ο χρωματικός συνδυασμός της εικόνας είναι συγκρατημένος, κυριαρχεί το ασπρόμαυρο. Οι κύριες πινελιές τοποθετούνται από τον καλλιτέχνη στα πρόσωπα και σε ορισμένα εσωτερικά αντικείμενα. Αυτό είναι το καλύτερο ολλανδικό ομαδικό πορτρέτο της εποχής. Οκτώ χρόνια αργότερα, ο Ρέμπραντ ζωγραφίζει ένα άλλο διπλό πορτρέτο: τον Cornelis Claes Anslo, τον ιεροκήρυκα των σεκτυνονιτών, και τη σύζυγό του Altje Gerrit Schouten (1641, Βερολίνο, Κρατικά Μουσεία, Πινακοθήκη Τέχνης). Η σύνθεση είναι αρκετά απροσδόκητη, οι φιγούρες μετατοπίζονται προς τα δεξιά και καταλαμβάνουν μόνο το μισό του καμβά. Η σύνθεση ισορροπεί από τη χειρονομία του Anslo και τα βιβλία που βρίσκονται στο τραπέζι.

Σε γυναικεία και ανδρικά πορτρέτα, ο Ρέμπραντ ζωγραφίζει προσεκτικά το κεφάλι γυρισμένο ολόκληρο ή τα τρία τέταρτα· απεικονίζει εκφραστικά τα χέρια. Λιγότερο επιτυχημένα είναι τα ολόσωμα πορτρέτα του. Τον 17ο αιώνα, η ομοιότητα ήταν πιο σημαντική, ενώ τα πορτρέτα του Ρέμπραντ είναι βαθιά ψυχολογικά. Το φόντο αλλάζει σταδιακά από σκούρο σε ανοιχτό, με αποτέλεσμα η φιγούρα να φαίνεται να αναδύεται από τη σκιά. Ορισμένα θέματα προτιμούν να απεικονίζονται χωρίς κοσμήματα, συχνά με ένα απλό κοστούμι, διακοσμημένο μόνο με δαντέλα στον γιακά και τις μανσέτες. Τα πορτρέτα του Ρέμπραντ διακρίνονται για την πληρότητά τους, την αίσθηση οικειότητας και οικειότητας. Πολλά είναι οβάλ. Ο Ρέμπραντ απεικόνιζε κυρίως εμπόρους με τις συζύγους τους, προτιμώντας ένα ανδρικό πορτρέτο. "Marten Looten" (1632. Los Angeles. District Museum of Art), "Man Repairing a Pen" (1632. Kassel. Art Gallery), "Woman with a Book of Psalms" (1632. Nivaa. Συλλογή ζωγραφικής της πόλης), " A Man with a Pointed Beard» (1632. Νέα Υόρκη. Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης), «Albert Kuyper» (1632. Παρίσι. Λούβρο), «Jacob de Gein the Third» (1632. Λονδίνο. Dulwich Gallery) και δεκάδες άλλα. πορτρέτα δημιουργήθηκαν σε σύντομο χρονικό διάστημα. Ίσως οι μαθητές βοήθησαν τον καλλιτέχνη να ζωγραφίσει τα φόντα και τα ρούχα των μοντέλων. Υπήρχαν πολλές παραγγελίες και ο Ρέμπραντ δεν είχε την πολυτέλεια να πετύχει αυτή τη διαπεραστική ψυχολογική ιδιότητα που υπάρχει στα πρώτα του πορτρέτα.

«Πορτρέτο ενός επιστήμονα» (1631. Αγία Πετρούπολη. Ερμιτάζ). Ο πίνακας απεικονίζει έναν άνδρα με στοχαστικό βλέμμα στη διαδικασία της δουλειάς. Είναι πλέον πολύ δύσκολο να εδραιωθεί αξιόπιστα το επάγγελμα του εικονιζόμενου Ρέμπραντ. Δεν υπάρχει φορμαλισμός στο πορτρέτο. Αυτή η εικόνα καταλαμβάνει μια άξια θέση στα πορτρέτα δωματίου του καλλιτέχνη.

Τα πιο σημαντικά πορτρέτα εκείνων των χρόνων ζωγραφίστηκαν από τη σύζυγο του καλλιτέχνη, Saskia, σε διάφορα περιβάλλοντα "Saskia" (1633. Dresden. Art Gallery), "Portrait of Saskia" (Kassel Portrait) (1635. Kassel. Art Gallery). Στο πορτρέτο «Φλώρα» (1634, Αγία Πετρούπολη, Ερμιτάζ), ο καλλιτέχνης απεικονίζει τη Σάσκια με τη φορεσιά της Φλώρας, δημιουργώντας την εικόνα μιας θεάς. Ο Ρέμπραντ ζωγραφίζει προσεκτικά το πρόσωπο, λεπτομέρειες από τα ρούχα, ένα στεφάνι από λουλούδια στο κεφάλι της Σάσκια. Στην πραγματικότητα, η εικόνα είναι μια ποιμενική. Η «Αυτοπροσωπογραφία με τη Σάσκια στα γόνατα» (Άσωτος γιος σε μια ταβέρνα, Αλληγορία της αγάπης και του κρασιού) (1638, Δρέσδη, Πινακοθήκη) είναι η μόνη αυτοπροσωπογραφία του ζωγράφου στην οποία δεν είναι μόνος. Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε τον εαυτό του σε μεγάλα κέφια με τη Saskia να κάθεται στα γόνατά του και να κρατά ένα ποτήρι κρασί. Το παγώνι στο τραπέζι είναι σύμβολο πλούτου. Τα ρούχα τους είναι κομψά και εξωτικά.

Ο Ρέμπραντ δημιουργεί μια σειρά από πίνακες με μυθολογικά και ιστορικά θέματα. Ο καλλιτέχνης γέμισε αυτούς τους πίνακες με συναισθηματικό περιεχόμενο, ενώ το φιλοσοφικό νόημα παρέμεινε στο βάθος. «Η απαγωγή της Ευρώπης» (1632, Λος Άντζελες, Μουσείο Paul Getty) είναι μια παραδοσιακή πλοκή για την ιταλική ζωγραφική. «Η απαγωγή του Γανυμήδη» (1635. Δρέσδη. Πινακοθήκη) στο μύθο, ο αετός απήγαγε τον νεαρό Γανυμήδη για να γίνει ο μπάτλερ του Δία. Και εδώ ο Ρέμπραντ παραμέλησε την παράδοση και αντί για έναν έφηβο απεικόνισε ένα ιδιότροπο, παχουλό παιδί τεσσάρων ετών. Ο Γανυμήδης του μοιάζει περισσότερο με Έρως Ρούμπενς. Η απαγωγή τρομάζει το παιδί και εκείνο, με πρόσωπο παραμορφωμένο από φρίκη, αφήνει να βγει ένα πίδακα.

«Δανάη» (1636. Πετρούπολη. Ερμιτάζ). Σύμφωνα με το μύθο, ο βασιλιάς του Άργους Ακρίσιος, προειδοποιημένος από χρησμό ότι θα πέθαινε στα χέρια του μελλοντικού εγγονού του, φυλάκισε την κόρη του Δανάη σε ένα δωμάτιο. Ο Δίας επισκέφτηκε το κορίτσι με τη μορφή χρυσού ντου, συλλαμβάνοντας τον Περσέα. Ο Ρέμπραντ δεν απεικονίζει τη χρυσή βροχή. Δεν είναι τυχαίο ότι πάνω από το κρεβάτι της Δανάης απεικονίζεται ένας έρως. Εκλεπτυσμένη, αισθησιακή και θηλυκή, η Δανάη αναφέρεται συχνά ως η «Αφροδίτη του Βορρά». Ολόκληρη η εικόνα είναι διαποτισμένη από φως. Ο πίνακας δωρήθηκε από τον καλλιτέχνη στον Huygens.

Ο Ρέμπραντ ζωγραφίζει επίσης εικόνες με βιβλικά θέματα, ενώ επιλέγει θέματα που δεν ήταν δημοφιλή μεταξύ άλλων καλλιτεχνών. «Praying Tobit» (Ο Tobit κατηγορεί την Άννα για κλοπή τράγου) (1626. Amsterdam. Rijksmuseum), «David with the head of Goliath» (1627. Basel. Open art collection), «Lament of Jeremiah» (1630. State Museum of Άμστερνταμ. Rijksmuseum) ζωγραφίστηκαν από τον καλλιτέχνη την περίοδο του Λέιντεν. Το «The Feast of Belshazzar» (Mene, Tekel, Fares) (1635. London. National Gallery) προκαλεί περίεργη εντύπωση στον θεατή λόγω του ότι η εικόνα ήταν άνισα κομμένη και στις δύο πλευρές. Ο Βαλτάσαρ κυριαρχεί στην ομάδα, ο γνήσιος τρόμος είναι γραμμένος στα πρόσωπα των χαρακτήρων, επειδή η επιγραφή προβλέπει μια ήττα στη μάχη με τον Πέρση βασιλιά Δαρείο. Η εντύπωση του άγχους ενισχύεται από τον δραματικό φωτισμό της σκηνής.

Η Θυσία του Αβραάμ (1635, Αγία Πετρούπολη, Ερμιτάζ) είναι δραματική στην πλοκή της. Ο άγγελος την τελευταία στιγμή πιάνει τον Αβραάμ από το χέρι, αποτρέποντας έτσι την τραγωδία. Το μαχαίρι παγωμένο στον αέρα προσθέτει επιπλέον ένταση στη σκηνή. "Samson's Wedding" (Ο Σαμψών ζητά από τους καλεσμένους έναν γρίφο) (1638. Δρέσδη. Πινακοθήκη Τέχνης). Σε αυτόν τον πίνακα, ο Ρέμπραντ λύνει ένα δύσκολο πρόβλημα σύνθεσης: τοποθετώντας ένα μεγάλο αριθμό ανθρώπων γύρω από το τραπέζι. Ίσως ο καλλιτέχνης να βοηθήθηκε από ένα σκίτσο που έγινε από τον πίνακα του Λεονάρντο ντα Βίντσι "Ο Μυστικός Δείπνος". «Αποχαιρετισμός του Δαβίδ στον Ιωνάθαν» (1642, Αγία Πετρούπολη, Ερμιτάζ). Η Βίβλος λέει πώς ο Δαβίδ και ο Ιωνάθαν αγκαλιάστηκαν και έκλαψαν μαζί. Ο Ρέμπραντ μπόρεσε να μεταφέρει το εσωτερικό δράμα του Τζόναθαν απεικονίζοντάς τον από πίσω. Το Chiaroscuro σε αυτούς τους πίνακες αγγίζει έναν πρωτοφανή πλούτο αποχρώσεων. Στα ζεστά χρώματα κυριαρχούν τα λαμπερά κόκκινα και τα χρυσοκάστανα.

Ο πίνακας «Night Watch» (1642. Amsterdam. State Museum of Amsterdam. Rijksmuseum) είναι πλέον το εθνικό σύμβολο της Ολλανδίας. Το 1642, ο Ρέμπραντ έλαβε διαταγή να απεικονίσει ένα από τα έξι πολυάριθμα αποσπάσματα των σωματοφυλάκων του Άμστερνταμ του Λοχαγού Φρανς Μπάνινγκ Κοκ για το νέο κτίριο της Σκοπευτικής Εταιρείας. Άλλες δύο παραγγελίες για τη δημιουργία ενός πορτρέτου πήγαν στους μαθητές του. Το Night Watch είναι ένα μοναδικό ομαδικό πορτρέτο που απεικονίζει το γεγονός και όχι μόνο που ποζάρουν σωματοφύλακες. Επιπλέον, το μέγεθος του καμβά είναι εντυπωσιακό στην κλίμακα του. Ο Ρέμπραντ έφυγε από τους κανόνες της ολλανδικής προσωπογραφίας, προλαβαίνοντας έτσι τα καλλιτεχνικά ευρήματα της ρεαλιστικής ζωγραφικής του 19ου αιώνα.
Ο πίνακας απεικονίζει μια παρέα να βαδίζει σε μια εκστρατεία και αρκετούς άγνωστους περαστικούς, στην πύλη. Η απόσπαση απεικονίστηκε σε κίνηση και η σκηνή αποδείχθηκε πολύ ρεαλιστική. Σε απόσταση δημιουργείται η ψευδαίσθηση ότι οι φιγούρες κινούνται προς τον θεατή. Είναι δύσκολο να μιλήσουμε για τη σύνθεση του πίνακα λόγω του γεγονότος ότι ήταν αποκομμένος από τις τρεις πλευρές, οπότε φαίνεται ότι οι φιγούρες είναι στριμωγμένες μέσα στον καμβά. Η εικόνα βασίζεται στο παιχνίδι φωτισμένων και σκιασμένων περιοχών. Ο Ρέμπραντ αναδεικνύει δύο φιγούρες σε πρώτο πλάνο με φως. Η φιγούρα στα μαύρα - ο καπετάν Κοκ απλώνει το χέρι του. Ο σύντροφός του είναι εντυπωσιακά φωτισμένος, κάθε λεπτομέρεια των ρούχων του είναι προσεκτικά γραμμένη. Την προσοχή του θεατή προσελκύει η φωτισμένη φιγούρα ενός κοριτσιού στο φόντο της εικόνας. Ο πίνακας απεικονίζει περισσότερες από είκοσι φιγούρες. Στους πελάτες δεν άρεσε το γεγονός ότι κάποιοι σωματοφύλακες βρίσκονταν στο βάθος ή σχεδόν εντελώς επικαλύπτονταν από τις φιγούρες που στέκονταν μπροστά. Επιπλέον, η εικόνα θύμιζε την πρόσφατη απελευθερωτική επανάσταση στην Ολλανδία. Οι πελάτες αρνήθηκαν να δεχτούν αυτήν την εικόνα. Το Night Watch ήταν ένα σημείο καμπής στην καριέρα του Rembrandt. Πολλοί μαθητές τον εγκαταλείπουν και γίνονται περιζήτητοι καλλιτέχνες. Ο Σάσκια πεθαίνει το 1642, ένα χρόνο μετά τη γέννηση του γιου του Τίτου. Οι χαρούμενοι, πολύχρωμοι πίνακες ζωγραφικής με μια πληθώρα λεπτομερειών και μοτίβων που εκτελούνται με κόπο γίνονται μόδα. Ο ίδιος ο Ρέμπραντ έλαβε μια νέα δημόσια τάξη μόλις 14 χρόνια αργότερα.

Πληροφορίες ντοκιμαντέρ για την ιδιωτική ζωή του Ρέμπραντ τη δεκαετία του 1640. ελάχιστα έχουν διατηρηθεί. Η νταντά του γιου του, Gertje Dirks, τον μήνυσε επειδή αθέτησε την υπόσχεσή του να παντρευτεί, προκειμένου να διευθετήσει τη σύγκρουση που έπρεπε να πληρώσει ο καλλιτέχνης. Στα τέλη της δεκαετίας του 1640, ο Ρέμπραντ έμπλεξε με μια άλλη από τις υπηρέτριές του, τον Hendrikje Stoffels. Το ενοριακό συμβούλιο καταδίκασε τον Hendrickje για «αμαρτωλή συμβίωση» μετά τη γέννηση της κόρης τους Cornelia το 1654. Οι υπηρέτριες πόζαραν για τον Ρέμπραντ για πίνακες: «Γυναίκα στο κρεβάτι» (Gertier Dirks?) (1647 Εδιμβούργο. Εθνική Πινακοθήκη της Σκωτίας), «Hendrikje Stoffels» (1650 Παρίσι. Λούβρο) «Γυναίκα που λούζει στο ποτάμι» (Hendrikje Stoffels bathing in ποταμός) (1654. Λονδίνο. Εθνική Πινακοθήκη), «Hendrick Stoffels at the Open Door» (περίοδος 1650-1660 χρόνια. Βερολίνο. Κρατικά Μουσεία. Πινακοθήκη Τέχνης).

Ο Ρέμπραντ ζωγραφίζει επίσης πορτρέτα του γιου του: «Titus at the Desk» (1655. Rotterdam. Boijmans-van Beuningen Museum), «Titus» (1657. London. Wallace Collection), «Titus in the wear of a monk (Titus in the μορφή του Αγίου Φραγκίσκου) "(1660. Κρατικό Μουσείο του Άμστερνταμ. Rijksmuseum). Το 1653, ο καλλιτέχνης μεταβίβασε σχεδόν όλη την περιουσία του στον γιο του Τίτο και το 1656 ανακοίνωσε τη χρεοκοπία του. Μετά την πώληση το 1657-58. σπίτι και περιουσία, ο καλλιτέχνης μετακόμισε στα περίχωρα του Άμστερνταμ, στην εβραϊκή συνοικία. Ο θάνατος του Τίτου το 1668 ήταν ένα από τα τελευταία εγκεφαλικά επεισόδια της μοίρας για τον καλλιτέχνη. Ο Ρέμπραντ πεθαίνει ένα χρόνο αργότερα.

Το «Syndics of the cloth shop» (1661, Άμστερνταμ, Rijksmuseum) είναι ένα αυστηρό και συγκρατημένο ομαδικό πορτρέτο. Οι άντρες που κάθονται στο τραπέζι είναι γεμάτοι σημασία. Το κόκκινο χαλί ξεχωρίζει έντονα απέναντι στους μαυροφορεμένους εμπόρους.

Οι δύο τελευταίες δεκαετίες της ζωής του Ρέμπραντ ήταν το αποκορύφωμα της ικανότητάς του ως προσωπογράφος. Του ποζάρουν και φίλοι και άγνωστοι στρατιώτες, γέροι και γριές. Τα πρόσωπά τους φωτίζονται με εσωτερικό φως. Το "Jan Six" (1654, Άμστερνταμ. Six Foundation), τραβώντας ένα γάντι, διακρίνεται από την αρμονία του χρώματος, το εύρος των πινελιών σε πάστα. Ο Ρέμπραντ δημιουργεί δραματικούς και έντονους πίνακες: «Artaxerxes, Haman and Esther» (1660, Moscow. Pushkin Museum of Fine Arts) και «The Denial of the Apostle Peter» (1660, State Museum of Amsterdam, Rijksmuseum). «The Return of the Prodigal Son» (1666, Αγία Πετρούπολη, Ερμιτάζ)
«Ο Χάμαν μαθαίνει τη μοίρα του» (Δαυίδ και Ουρία) (1666. Αγία Πετρούπολη. Ερμιτάζ). Η εικόνα έχει προσπαθήσει πολλές φορές να ερμηνευτεί, αλλά δεν υπάρχει ούτε μία πειστική εκδοχή. Είναι μάλλον μια φαντασίωση του Ρέμπραντ με θέμα τη βιβλική ιστορία. Η εικόνα είναι πολύ συγκινητική λόγω της χειρονομίας και της έκφρασης του προσώπου του κύριου χαρακτήρα.

Συνολικά, κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Ρέμπραντ δημιούργησε περίπου 500 πίνακες (από τους οποίους σώθηκαν περίπου 300), 600 χαρακτικά και χαρακτικά, 1400 σχέδια.
Μεταξύ όλων των ζωγράφων του δυτικού κόσμου, ο Ρέμπραντ αναγνωρίζεται ως ο πιο διεισδυτικός ψυχολογικά προσωπογράφος. Ο Rembrandt Harmenszoon van Rijn είναι ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος της ολλανδικής τέχνης.

Είναι πάντα δύσκολο να μιλάς για αυτό που αγαπάς πραγματικά. Διαλέγετε προσεκτικά τις σωστές λέξεις, στροφές του λόγου, δεν ξέρετε από πού να ξεκινήσετε ... Ως εκ τούτου, θα ξεκινήσω με μια μικρή αποκάλυψη: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- ο αγαπημένος μου καλλιτέχνης και τον γνώρισα για πολύ καιρό.

Ως παιδί - στο Ερμιτάζ, με τις ιστορίες του καθηγητή-πατέρα. Στα νιάτα του - στα μαθήματα του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας στο ινστιτούτο, με παλιές διαφάνειες σε ένα σκοτεινό κοινό τα μεγάλα βράδια του Δεκεμβρίου. Στα νιάτα του - στο καταπληκτικό Άμστερνταμ, γελώντας χαρούμενα στις ακτίνες του ήλιου του Αυγούστου που δύει. Έχω ήδη διαβάσει εκατοντάδες διαλέξεις για τον Ρέμπραντ, έχω πραγματοποιήσει περισσότερες από δώδεκα εκδρομές, αλλά εξακολουθεί να υπάρχει η αίσθηση ότι τώρα πρέπει να βυθιστείτε σε κάτι άγνωστο, τεράστιο, ακατανόητο.

Είναι σαν να πηδάς από μια προβλήτα στα νερά της θάλασσας, όπου ήσουν για πρώτη φορά. Δεν ξέρεις αν το νερό είναι κρύο εκεί, πόσες πέτρες είναι στον πάτο. Η προσμονή και η αμφιβολία είναι που κάνουν τα χέρια σου να τρέμουν νευρικά. Υπάρχει μόνο ένας τρόπος για να το νικήσετε - πηδήξτε από ένα τρέξιμο, νιώθοντας την καρδιά σας να χτυπάει δυνατά και πώς σε μια στιγμή όλος ο κόσμος γύρω σας παρασύρεται κάπου στην απόσταση, και τώρα είστε μόνοι με κάτι εντελώς νέο ... Λοιπόν , Καλά! Ας πηδήξουμε, ανοίξουμε τα μάτια μας και βλέπουμε!

Στα 27 του είχε όλα όσα μπορούσε να ονειρευτεί ένας καλλιτέχνης. Δόξα, φήμη, χρήματα, αγαπημένη γυναίκα, εκατοντάδες παραγγελίες. Θεωρήθηκε ο καλύτερος προσωπογράφος σε μια από τις πλουσιότερες πόλεις της εποχής του, στο μαργαριτάρι της βόρειας Ευρώπης - το Άμστερνταμ.

Ναι, δεν υπήρξε ποτέ καλλιτέχνης στον κόσμο ικανό να το δημιουργήσει αυτό! Το πορτρέτο έπρεπε να είναι τέλειο, έπρεπε να φωτίζει όλες τις αδυναμίες ενός ατόμου, αλλά ο Ρέμπραντ νόμιζε διαφορετικά. Τα πορτρέτα του ήταν ζωντανά. Μετέδιδαν χαρακτήρα, υπήρχε σύγκρουση μέσα τους. Μπροστά σας είναι ένα κομμάτι από ένα πορτρέτο του αρχιφορέα της επαρχίας της Ολλανδίας, Jan Wtenbogart.

Σχεδόν ολόκληρο το κράτος της δημοκρατίας πέρασε από τα χέρια αυτού του ανθρώπου. Και τα ρούχα του -ένας αέρινος δαντελένιος γιακάς, ένα μακρύ γούνινο παλτό από ρωσική γούνα σαμπρέ- μαρτυρούν ξεκάθαρα την κατάστασή του. Τώρα απλά κοιτάξτε αυτά τα μάτια. Βλέπεις μέσα τους θλίψη... Και ο καμβάς του μεγάλου προκατόχου του Ρέμπραντ θυμάται αμέσως -. Ο απόστολος δεν κοιτάζει τον Χριστό με την ίδια έκφραση όταν τον καλεί κοντά του; Αυτό το πορτρέτο είναι η ιστορία ενός πολύ πλούσιου αλλά πολύ δυστυχισμένου ανθρώπου και ο Ολλανδός ζωγράφος μπόρεσε να το δείξει σε μια παγωμένη στιγμή.

Ο Rembrandt Harmenszoon van Rijn περνούσε όλο τον ελεύθερο χρόνο του μελετώντας τις εκφράσεις του προσώπου. Στεκόταν για ώρες στον καθρέφτη και έκανε γκριμάτσες, τις οποίες στη συνέχεια μετέφερε με κάρβουνο σε χαρτί. Ήταν σημαντικό για εκείνον να πιάσει τις παραμικρές αποχρώσεις συναισθημάτων.

Το πρόσωπο ενός ατόμου, σύμφωνα με τον καλλιτέχνη, ήταν ένας καθρέφτης της ψυχής, το συνειδητοποίησε πολύ πριν από τον Όσκαρ Ουάιλντ με το "Πορτρέτο του Ντόριαν Γκρέι". Όμως τα πορτρέτα δεν είναι το μόνο πράγμα στο οποίο διέπρεψε ο Ρέμπραντ. Οι μεγάλοι καμβάδες του μας εντυπωσιάζουν όχι λιγότερο. Το παιχνίδι του chiaroscuro, που τόσο ανέπτυξε ο Caravaggio στη ζωγραφική του, αποκτά μια πραγματικά γιγάντια εμβέλεια από τον δάσκαλό μας.

Ήταν μόλις 28 ετών όταν δημιούργησε το πρώτο του απόλυτο αριστούργημα. Αυτός ο πίνακας είναι «Κάθοδος από τον Σταυρό». Δεν μπορείτε να περάσετε από αυτόν τον πίνακα στο Ερμιτάζ. Σε μια στιγμή, ο καλλιτέχνης κατάφερε να απεικονίσει ολόκληρη την ουσία του Χριστιανισμού, να αφηγηθεί μια από τις μεγαλύτερες ανθρώπινες ιστορίες όσο πιο ειλικρινά και συγκινητικά γινόταν, με τρόπο που κανείς δεν έκανε πριν ή μετά από αυτόν.

Η Ιερουσαλήμ στο βάθος βυθίζεται στο σκοτάδι. Ο Σωτήρας είναι νεκρός. Βλέπουμε το άψυχο σώμα του στο κέντρο της εικόνας. Αυτή είναι η στιγμή της ύψιστης απόγνωσης, κανείς δεν πιστεύει ακόμη στην ανάσταση. Οι άνθρωποι βλέπουν μόνο το πτώμα ενός ανθρώπου που αγαπούσαν και λάτρευαν ως θεό, και η Παναγία λιποθυμά, το δέρμα της είναι θανάσιμα χλωμό - μόλις έχασε τον μονάκριβο γιο της.

Υπάρχει μια λεπτομέρεια σε αυτόν τον καμβά που δεν είναι αμέσως εμφανής. Αυτό είναι φωτισμός. Η πηγή του φωτός είναι ένα φανάρι στα χέρια του αγοριού, αλλά το σώμα του Χριστού και τα ρούχα του αποστόλου που το κρατάει στην αγκαλιά του αντανακλούν το φως σαν καθρέφτης. Και μέσα από το φως λέγεται εδώ η αληθινή ιστορία, αποκαλύπτεται το φιλοσοφικό νόημα της εικόνας.

Το φως ενός φαναριού είναι το φως της πίστης και αυτό που βλέπουμε στην εικόνα είναι μια μύηση στο μυστήριό του. Έχει κανείς την αίσθηση ότι το ίδιο το σώμα του Σωτήρα γίνεται η πηγή φωτός εδώ. Το πρόσωπο της Θεοτόκου και το σάβανο, που φωτίζονται από το αμυδρό φως ενός κεριού, ξεχωρίζουν από το σκοτάδι, μέσα στο οποίο θα έπρεπε να είναι τυλιγμένο το σώμα του Χριστού. Σε αυτόν τον καμβά ο Ρέμπραντ εφάρμοσε για πρώτη φορά την τεχνική που τα τελευταία χρόνια της ζωής του έγινε η κύρια στο έργο του.

Και τώρα βλέπουμε πώς ένα άτομο που κατέκτησε τέλεια την τεχνική της γραφής έγραψε όλες τις κεντρικές φιγούρες στον καμβά με την παραμικρή λεπτομέρεια, αλλά καθώς απομακρύνονταν από το φως, τα πρόσωπα των ανθρώπων γίνονταν όλο και πιο θολά, σχεδόν αδιάκριτα. Όλα είναι πολύ απλά - το μυστήριο του τι συμβαίνει τους πέρασε.

Ωστόσο, σε αυτόν τον καμβά υπάρχει ένας άλλος χαρακτήρας που δεν γίνεται αντιληπτός με την πρώτη ματιά. Παρά το γεγονός ότι βρίσκεται στη σκιά, ο Ρέμπραντ τον απεικονίζει πολύ καθαρά. Στην κάτω δεξιά γωνία του καμβά, από το πιο σκοτεινό μέρος, κρυμμένος πίσω από τα κοτσάνια του γαϊδουράγκαθου, ο Διάβολος με τη μορφή ενός σκύλου σε κοιτάζει και σαν να σου κάνει μια ερώτηση:

«Έχετε μπλέξει με αυτό που συμβαίνει;

Ναι, ο Ολλανδός δάσκαλος δεν ήταν πάντα ικανοποιημένος με το πλαίσιο της εικόνας, ονειρευόταν ότι οι καμβάδες του θα γινόταν μέρος αυτού του κόσμου και ο θεατής θα γινόταν άμεσος συμμετέχων σε αυτό που συνέβαινε. Αλλά αυτή ακριβώς η επιθυμία ήταν που τον ανέτρεψε από τα ύψη της δόξας στην άβυσσο αιώνων λήθης.

Η ατυχία και η λήθη έρχονται τόσο γρήγορα όσο η τύχη και η δόξα. Ο Rembrandt Harmenszoon van Rijn το βίωσε από πρώτο χέρι το 1642. Φυσικά, πριν από αυτό υπήρχαν παράπονα: τα παιδιά του πέθαναν σε βρεφική ηλικία. Μόνο ένας γιος επέζησε, ο Τίτος, που γεννήθηκε το 1641. Όμως, ένα χρόνο αργότερα, η αγαπημένη του σύζυγος Saskia, με την οποία έζησε πολλά χρόνια, έφυγε από αυτόν τον κόσμο. Και μαζί με αυτή την απώλεια, η τύχη απομακρύνθηκε και από τον καλλιτέχνη, απομακρύνθηκε τη στιγμή που δημιούργησε έναν από τους μεγαλύτερους πίνακές του.

Μπορεί κανείς να μιλήσει ατελείωτα για τη Νυχτερινή Φρουρά του Ρέμπραντ. Αυτός ο καμβάς είναι τόσο μεγάλης κλίμακας στο περιεχόμενό του, τόσο μοναδικός στη σύνθεση του, που η ιστορία της δημιουργίας του αξίζει αρκετά ένα ξεχωριστό βιβλίο, όχι ένα άρθρο. Αλλά, όπως συμβαίνει συχνά στη ζωή, ήταν αυτή η δημιουργία, η οποία στη συνέχεια άλλαξε ριζικά ολόκληρη την ανάπτυξη της παγκόσμιας ζωγραφικής, απορρίφθηκε από τους σύγχρονους.

Οι πελάτες δεν άρεσε ο τρόπος που απεικονίζονταν και πολλοί από αυτούς αρνήθηκαν να πληρώσουν για το έργο του καλλιτέχνη. Ο πιο διάσημος ζωγράφος της Ολλανδίας δεν έχει βιώσει ποτέ τέτοια ταπείνωση. Σε ένα χρόνο, ο Ρέμπραντ έχασε την αγαπημένη του σύζυγο και απέτυχε με την καλύτερη δουλειά του. Φαίνεται ότι αυτό είναι αρκετό, αλλά όχι, ήταν μόνο η αρχή της τραγωδίας. Οι παραγγελίες έγιναν όλο και λιγότερες (ο κλασικισμός και το στυλ των τελετουργικών πορτρέτων μπήκαν στη μόδα) και σύντομα η περιουσία του καλλιτέχνη πουλήθηκε για χρέη. Από μια τεράστια έπαυλη στο κέντρο του Άμστερνταμ, αναγκάστηκε να μετακομίσει στα περίχωρα της πόλης, στην Εβραϊκή Συνοικία, όπου νοίκιασε πολλά δωμάτια με τον αγαπημένο του γιο Τίτο.

Το πιο ενδιαφέρον είναι ότι ο Ρέμπραντ θα μπορούσε εύκολα να προσαρμοστεί στις τελευταίες τάσεις της μόδας στην τέχνη και να λάβει και πάλι πολλά χρήματα για τους καμβάδες του. Αλλά ο ζωγράφος ήταν πεπεισμένος ότι έπρεπε να δημιουργήσει ένα εντελώς νέο στυλ. Στα πορτρέτα του τώρα δεν ήταν πλούσιοι άνθρωποι, αλλά οι πιο απλοί πολίτες της πόλης του Άμστερνταμ. Τέτοιο, για παράδειγμα, είναι το «Πορτρέτο ενός Παλαιού Εβραίου».

Ο Ρέμπραντ δεν ενδιαφερόταν για τη λεπτομερή απεικόνιση όλων των ειδών ένδυσης, προσπάθησε για περισσότερη αφαίρεση, προσπάθησε να δείξει τα συναισθήματα των χαρακτήρων του με απόλυτη ακρίβεια. Για την επιμονή του δέχτηκε μόνο βάσανα και χαστούκια. Αυτό συνέβη με τον πίνακα του «Η συνωμοσία του Julius Civilis».

Αντί για μια κλασική, πομπώδη, εξωστρεφή εικόνα πατριωτισμού, ο παλιός κύριος την παρουσίασε στο κοινό.

Μπροστά μας είναι μια εικόνα ενός βαρβαρικού γλεντιού, αγενής, αντιαισθητική. Αυτός ο καμβάς ήταν σχεδόν 300 χρόνια μπροστά από την εποχή του, προσδοκώντας την εξπρεσιονιστική ζωγραφική. Δεν προκαλεί έκπληξη το γεγονός ότι το αριστούργημα του πλοιάρχου απορρίφθηκε και το όνομά του καλύφθηκε με ανεξίτηλη ντροπή. Αλλά ακριβώς αυτά τα τελευταία οκτώ χρόνια της ζωής του, που πέρασε σε απόλυτη, αδιαπέραστη φτώχεια, είναι μια από τις πιο γόνιμες περιόδους στο έργο του Ρέμπραντ.

Νομίζω ότι θα γράψω για τους πίνακες εκείνης της περιόδου, συμπεριλαμβανομένης της Επιστροφής του Ασώτου, σε ξεχωριστό άρθρο. Τώρα θέλω να μιλήσω για κάτι άλλο. Πάντα έμεινα έκπληκτος πώς ο Ρέμπραντ μπορούσε να δουλέψει και να αναπτύξει το ταλέντο του όταν τα χτυπήματα της μοίρας έπεφταν πάνω του από παντού. Δεν μπορούσε να συνεχιστεί έτσι για πολύ καιρό και ο καλλιτέχνης το προέβλεψε.

Το τελευταίο χτύπημα εφαρμόζεται πάντα στο πιο επώδυνο σημείο. Ήταν ο μόνος γιος του Τίτου - ενός πολύ άρρωστου αγοριού, παρόμοιου με τη νεκρή μητέρα του. Ήταν εκείνος που ο Ρέμπραντ απεικόνιζε τότε πιο συχνά: τόσο με τη μορφή αγγέλου στον πίνακα «Ματθαίος και ο άγγελος», όσο και να διαβάζει, και με διάφορα κοστούμια. Ίσως ο ζωγράφος νόμιζε ότι με τη βοήθεια του ταλέντου του θα κατάφερνε κάπως να καθυστερήσει το αναπόφευκτο... Απέτυχε...

Κατά τη γνώμη μου, το «Portrait of Titus in a monastical cassock» είναι ένας από τους πιο ψυχαγωγικούς πίνακες του Ρέμπραντ. Όλη η αγάπη του πατέρα της, όλο το ταλέντο του ζωγράφου, εκδηλώθηκε μέσα της. Σε όλες αυτές τις τραχιές πινελιές, σε αυτό το σκοτάδι που προχωρά στον νεαρό άνδρα από τα αριστερά, στα φυτά που ήδη περιβάλλουν το σώμα του, ένα πράγμα ξεχωρίζει - το χλωμό πρόσωπο του γιου του καλλιτέχνη με χαμηλωμένα μάτια γεμάτα ταπεινότητα.

Ο Τίτος πέθανε το 1668, ο Ρέμπραντ του επέζησε μόνο ένα χρόνο.

Πέθανε στα περίχωρα του Άμστερνταμ, εντελώς μόνος, έχοντας κερδίσει τα πάντα σε αυτή τη ζωή και είχε χάσει τα πάντα. Ξέχασαν τους καμβάδες του για πολύ καιρό... Αλλά έχουν περάσει 150 χρόνια και άλλοι καλλιτέχνες έχουν ήδη ακούσει τι προσπαθούσε να πει ο δάσκαλος στους συγχρόνους του, επιλέγοντας το δικό του μοναδικό μονοπάτι αντί για φήμη και χρήματα.

Ο Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) ήταν Ολλανδός καλλιτέχνης, σχεδιαστής και χαράκτης, μεγάλος δεξιοτέχνης του chiaroscuro, ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος της χρυσής εποχής της ολλανδικής ζωγραφικής. Κατάφερε να ενσαρκώσει στα έργα του όλο το φάσμα των ανθρώπινων εμπειριών με τέτοιο συναισθηματικό πλούτο, που η ωραία τέχνη δεν γνώριζε πριν από αυτόν. Τα έργα του Ρέμπραντ, εξαιρετικά ποικιλόμορφα στο είδος, ανοίγουν στον θεατή τον διαχρονικό πνευματικό κόσμο των ανθρώπινων εμπειριών και συναισθημάτων.

Ο Rembrandt Harmenszoon ("γιος του Harmen") van Rijn γεννήθηκε στις 15 Ιουλίου 1606 (σύμφωνα με ορισμένες πηγές, το 1607) σε μια μεγάλη οικογένεια ενός πλούσιου ιδιοκτήτη μύλου Harmen Gerritszoon van Rijn στο Leiden. Η οικογένεια της μητέρας, ακόμη και μετά την Ολλανδική Επανάσταση, παρέμεινε πιστή στην καθολική πίστη.

Στο Λέιντεν, ο Ρέμπραντ παρακολούθησε τη σχολή Λατινικών στο πανεπιστήμιο, αλλά έδειξε το μεγαλύτερο ενδιαφέρον για τη ζωγραφική. Σε ηλικία 13 ετών, στάλθηκε να σπουδάσει καλές τέχνες με τον ιστορικό ζωγράφο του Leiden, Jacob van Swanenbürch, καθολικό από πίστη. Οι ερευνητές δεν μπόρεσαν να βρουν τα έργα του Ρέμπραντ που σχετίζονται με αυτήν την περίοδο, επομένως το ζήτημα της επιρροής του Swanenbürch στη διαμόρφωση του δημιουργικού τρόπου του Rembrandt παραμένει ανοιχτό: πολύ λίγα είναι γνωστά σήμερα για αυτόν τον καλλιτέχνη του Leiden.

Το 1623, ο Ρέμπραντ σπούδασε στο Άμστερνταμ με τον Pieter Lastman, ο οποίος είχε εκπαιδευτεί στην Ιταλία και ειδικεύτηκε σε ιστορικά, μυθολογικά και βιβλικά θέματα. Επιστρέφοντας στο Leiden το 1627, ο Rembrandt, μαζί με τον φίλο του Jan Lievens, άνοιξε το δικό του εργαστήριο και άρχισε να στρατολογεί μαθητές. Μέσα σε λίγα χρόνια κέρδισε μεγάλη δημοτικότητα.

Το πάθος του Lastman για την ποικιλομορφία και τη λεπτομέρεια στην εκτέλεση είχε τεράστιο αντίκτυπο στον νεαρό καλλιτέχνη. Εμφανίζεται ξεκάθαρα στα πρώτα σωζόμενα έργα του - «The Stoning of St. Stephen» (1629), «A Scene from Ancient History» (1626) και «The Baptism of a Eunuch» (1626). Σε σύγκριση με τα ώριμα έργα του, είναι ασυνήθιστα πολύχρωμα, ο καλλιτέχνης προσπαθεί να γράψει προσεκτικά κάθε λεπτομέρεια του υλικού κόσμου, όσο το δυνατόν ακριβέστερα για να μεταφέρει το εξωτικό σκηνικό της βιβλικής ιστορίας. Σχεδόν όλοι οι χαρακτήρες εμφανίζονται ενώπιον του θεατή ντυμένοι με παράξενα ανατολίτικα ρούχα, λάμποντας με κοσμήματα, κάτι που δημιουργεί μια ατμόσφαιρα πλειοψηφίας, μεγαλοπρέπειας, πανηγυρισμού (“Allegory of Music”, 1626, “David before Saul”, 1627).

Τα τελευταία έργα της περιόδου - "Tobit and Anna", "Balaam and the Donkey" - αντικατοπτρίζουν όχι μόνο την πλούσια φαντασία του καλλιτέχνη, αλλά και την επιθυμία του να μεταφέρει όσο το δυνατόν πιο εκφραστικά τις δραματικές εμπειρίες των ηρώων του. Όπως και άλλοι δεξιοτέχνες του μπαρόκ, αρχίζει να κατανοεί την έννοια του αιχμηρά γλυπτό chiaroscuro στη μετάδοση συναισθημάτων. Οι δάσκαλοί του σε σχέση με την εργασία με το φως ήταν οι καραβαγιστές της Ουτρέχτης, αλλά ακόμη περισσότερο καθοδηγήθηκε από τα έργα του Adam Elsheimer, ενός Γερμανού που εργαζόταν στην Ιταλία. Οι πιο καραβαγκιστικοί πίνακες του Ρέμπραντ είναι «Η παραβολή του ανόητου πλουσίου» (1627), «Ο Συμεών και η Άννα στο ναό» (1628), «Ο Χριστός στον Εμμαούς» (1629).

Δίπλα σε αυτή την ομάδα βρίσκεται ο πίνακας The Artist in His Studio (1628· ίσως πρόκειται για αυτοπροσωπογραφία), στον οποίο ο καλλιτέχνης απαθανάτισε τον εαυτό του στο στούντιο τη στιγμή που στοχαζόταν τη δική του δημιουργία. Ο καμβάς που δουλεύεται φέρεται στο προσκήνιο της εικόνας. σε σύγκριση με αυτόν, ο ίδιος ο συγγραφέας φαίνεται νάνος.

Ένα από τα άλυτα ζητήματα της δημιουργικής βιογραφίας του Ρέμπραντ είναι η καλλιτεχνική του επικάλυψη με τον Lievens. Δουλεύοντας δίπλα-δίπλα, ασχολήθηκαν με το ίδιο θέμα περισσότερες από μία φορές, όπως ο Σαμψών και η Δελιλά (1628/1629) ή η Ανάσταση του Λαζάρου (1631). Εν μέρει, και οι δύο έλκονταν από τον Ρούμπενς, ο οποίος τότε ήταν γνωστός ως ο καλύτερος καλλιτέχνης σε όλη την Ευρώπη, άλλοτε ο Ρέμπραντ δανειζόταν τα καλλιτεχνικά ευρήματα του Λίβενς, άλλοτε ήταν ακριβώς το αντίθετο. Για το λόγο αυτό, η διάκριση μεταξύ των έργων του Rembrandt και του Lievens του 1628-1632 παρουσιάζει ορισμένες δυσκολίες για τους ιστορικούς τέχνης. Ανάμεσα στα άλλα διάσημα έργα του είναι το «Ο γάιδαρος του Βαλαάμ» (1626).

Αυτό είναι μέρος ενός άρθρου της Wikipedia που χρησιμοποιείται με την άδεια CC-BY-SA. Το πλήρες κείμενο του άρθρου εδώ →