În ce forme de artă s-a manifestat sentimentalismul? Manifestarea ideilor de sentimentalism în arhitectura culturii iluminismului. Era cunoașterii și artei, publicarea unui număr mare de cărți de lucrări științifice, dicționare

Conceptul de sentimentalism este folosit în literatură, psihologie, chiar arhitectură și design. Cuvântul sentiment a fost împrumutat în rusă. Chiar și înțelegând-o sau având o idee îndepărtată, nu mulți pot explica ce este sentimentalismul. Această direcție a fost populară multă vreme, deoarece a afectat principalele sentimente și emoții ale oamenilor. Ce este și ce caracteristici distinctive are? Să încercăm să înțelegem mai în detaliu.

Precondiții pentru apariția sentimentalismului

Condițiile preliminare pentru apariția direcției este o tendință filozofică numită senzaționalism. Reprezentanții săi au spus că întreaga lume din jur reflectă sentimentele unei persoane. Numai folosind emoțiile poți înțelege și realiza viața, simți-o.

Sentimentaliștii au luat ca bază sentimentele unei persoane, l-au pus pe primul loc. Ei cred că din momentul nașterii, virtutea și un set de emoții sunt inerente fiecăruia, ceea ce îi permite să simtă lumea. Afectând instinctele de bază, direcția a câștigat popularitate și de-a lungul timpului a înlocuit clasicismul, care a pus mintea pe primul loc, și a considerat emoțiile ca fiind secundare. Versurile subtile reflectau toată natura iluzorie a existenței pământești.

Sentimentalismul a intrat în Rusia mult mai târziu, când lucrările lui Rousseau au fost traduse în rusă. Lucrarea „Săraca Lisa” de Radishchev a întors literalmente atitudinea publicului față de proza „sensibilă” și a marcat începutul unei schimbări în conștiința publică.

Sentimentalismul în literatură

Însăși înțelegerea sentimentalismului înseamnă literalmente sensibil, emoționant, tandru. Este derivat dintr-un adjectiv care este folosit pentru a indica simpatia în limba engleza. În literatură, a început să fie folosit pe la sfârșitul secolului al XVIII-lea (dacă vorbim despre Rusia, iar pentru Anglia au fost primii ani ai aceluiași secol). Aceasta dintre direcțiile importante a început să câștige popularitate atunci când oamenii din clasele sărace au început să-și exalte rolul politic și social. Stratificarea puternică a societății a dus la faptul că clasa de mijloc a dispărut și s-a format ostilitate reciprocă între stratul superior (aristocrație, cler) și sărac.

Întrucât nu se aflau la același nivel, astfel, păturile inferioare ale societății și-au exprimat poziția față de schimbările din societate. În sentimentalism, totul este răsturnat și gândirea, logica și bunul simț sunt înlocuite cu milă, bunăvoință, sentimente, exaltarea fundamentelor democrației și egalității. Obligațiile sociale sunt plasate sub instinctele personale.

În literatură, sentimentalismul are o semnificație ușor ideologică, se caracterizează prin sinceritate și simpatie față de oamenii cu statut mai scăzut: săracii, săracii, oamenii de rând. În operele scriitorilor sentimentali, se remarcă critica ascuțită a nedreptății sociale și a cruzimii față de clasa de jos. Trăsăturile distinctive ale sentimentalismului din alte domenii sunt:

Genul este complet subordonat emoțiilor (spre deosebire de clasicism, în care puterea este dată minții).
Libertatea de a alege sentimentele și de a-ți exprima ideile.
Dominația gândirii democratice.
Ideea egalității tuturor popoarelor.
Arată tandrețe și empatie.

Creațiile scriitorilor - sentimentaliști se disting prin faptul că personajele principale în aproape toate cazurile aparțin clasei de jos și sunt plebei. Întreaga intriga este plină de sentimentele, experiențele, senzațiile lor. Sentimentalismul a arătat importanța democrației, a egalității tuturor claselor, ceea ce era important pentru Rusia la acea vreme.

Sentimentalismul este ușor de distins de restul printr-o serie de caracteristici care îi sunt unice.

De exemplu, în orice lucrare din această direcție, puteți observa următoarele:

Există un cult al emoțiilor și sentimentelor.
O persoană simplă fără bogăție și regalie este exaltată.
Viața personală are prioritate față de viața socială.
Emoțiile și experiențele sunt descrise colorat.
A fost exprimat un protest împotriva supremației și aristocrației.
O atitudine negativă ascuțită față de clasele superioare.

Cel mai adesea, lucrările au fost scrise în genul unei povești, un jurnal personal, o scrisoare sau un roman. Visarea, sentimentele de entuziasm, lacrimile sunt exprimate clar. Reprezentanți strălucitori ai acestei tendințe sunt: Richardson S, care a scris „Clarissa” și „Pamella”, Stern L. „The Life and Opinions of Tristramy Shandy”, Goethe I.V. „Suferința tânărului Werther”, în Rusia a fost Radishchev A. „Călătorie de la Sankt Petersburg la Moscova”, Karamzin M „Săraca Lisa”.

Conceptul de sentimentalism este folosit și în psihologie. Cu ajutorul acestuia, specialiștii caracterizează starea psihicului atunci când o persoană este excesiv de susceptibilă la sentimente. Nu definindu-l ca o patologie sau abatere, ci doar ca o caracteristică a atitudinii față de anumite evenimente. Se observă adesea că lacrimile pot apărea din orice motiv. Caracteristicile unei persoane sentimentale sunt următoarele:

Vise cu ochii deschiși puternic și lacrimi.
Lumea iluzorie a sentimentelor prevalează asupra bunului simț.
Emoționalitate crescută, senzualitate.
Orientare către sentimente emoționante, entuziaste.
Alegerea epitetelor lirice în raport cu evenimentele cotidiene.

Dacă sentimentalismul este o calitate pozitivă sau una negativă, nimeni nu poate spune cu exactitate.

Direcția sentimentalismului nu a trecut fără urmă în arhitectură, reflectată în clădirile din parc. A apărut în Marea Britanie în secolul al XVIII-lea. Accentul principal este pe interesele oamenilor de rând, ale oamenilor din clasa de jos. Această tendință a fost progresivă pentru timpul său și a reflectat procese economice și sociale.

Sătui de zgomotul și praful marilor orașe, oamenii vor să trăiască mai aproape de natură, să creeze compoziții misterioase de foișoare cu plante sălbatice. Sentimentalismul cere o revenire la starea naturală, să se ascundă în „grotele singurătății”.

Moșia rusă de la sfârșitul secolului al XVIII-lea este considerată o simbioză clasică a clasicismului și sentimentalismului. Casa cu o necesitate zona parcului sau o grădină, ca o oportunitate pentru o existență confortabilă.

Sentimentalismul este un concept larg, așa că este folosit în diferite domenii ale vieții. Este dificil să-i oferi o descriere completă, ca orice direcție, este multifațetă. Mulți poeți au încercat să o descrie în lucrările lor, artiștii au încercat să o reflecte în picturile lor, arhitecții în clădirile lor.

Sentimentalism (din fr. sentiment- sentiment) a apărut în timpul iluminismului în Anglia la mijlocul secolului al XVIII-lea. în perioada dezintegrarii absolutismului feudal, a relațiilor moșie-slugi, a creșterii relațiilor burgheze și, prin urmare, a începutului eliberării individului din cătușele statului feudal-servitor.

Reprezentanți ai sentimentalismului

Anglia. L. Stern (romanul „O călătorie sentimentală prin Franța și Italia”), O. Goldsmith (romanul „Preotul Weckfield”), S. Richardson (romanul „Pamela”, sau Virtutea răsplătită”, romanul „Clarissa Harlow ”, „Povestea lui Sir Charles Grandison”).

Franţa. J.-J. Rousseau (roman cu litere „Julia, sau Noua Eloise”, „Mărturisire”), P. O. Beaumarchais (comedii „Bărbierul din Sevilla”, „Căsătoria lui Figaro”).

Germania. I. V. Goethe (roman sentimental „Suferința tânărului Werther”), A. La Fontaine (romane de familie).

Sentimentalismul exprima viziunea asupra lumii, psihologia, gusturile nobilimii conservatoare și ale burgheziei (așa-numita stare a treia), însetată de libertate, manifestare firească a sentimentelor care cereau socoteala cu demnitatea umană.

Trăsături ale sentimentalismului

Cultul sentimentului, simțire naturală, nestricat de civilizație (Rousseau afirma superioritatea decisivă a vieții simple, firești, „naturale” asupra civilizației); negarea abstractismului, abstractismului, convenționalității, uscăciunea clasicismului. În comparație cu clasicismul, sentimentalismul a fost o tendință mai progresivă, deoarece conținea elemente de realism asociate cu reprezentarea emoțiilor umane, experiențele și expansiunea lumii interioare a unei persoane. Baza filozofică a sentimentalismului este senzaționalismul (din lat. sensus- sentiment, senzație), unul dintre fondatorii căruia a fost filozoful englez J. Locke, care recunoaște senzația, percepția senzorială ca singura sursă de cunoaștere.

Dacă clasicismul a afirmat ideea unui stat ideal, condus de un monarh iluminat, și a cerut ca interesele individului să fie subordonate statului, atunci sentimentalismul a propus nu o persoană în general, ci o persoană concretă, privată în toate. originalitatea personalității sale individuale. În același timp, valoarea unei persoane era determinată nu de originea sa înaltă, nu de statutul său de proprietate, nu de apartenența la clasă, ci de meritele personale. Sentimentalismul a pus mai întâi problema drepturilor individului.

Eroii erau oameni obișnuiți - nobili, artizani, țărani, care trăiau în principal prin sentimente, pasiuni, inimi. Sentimentalismul i-a deschis pe cei bogați lumea spirituală plebea. În unele lucrări de sentimentalism a sunat protest împotriva nedreptății sociale, împotriva umilinței „omului mic”.

Sentimentalismul a dat literaturii un caracter democratic în multe privințe.

Din moment ce sentimentalismul a proclamat dreptul scriitorului de a-și exprima individualitatea autorului său în artă, în sentimentalism au apărut genuri care au contribuit la exprimarea „Eului” al autorului, ceea ce înseamnă că s-a folosit forma narațiunii la persoana întâi: jurnal, confesiune, memorii autobiografice. , călătorie (note de călătorie, note, impresii). În sentimentalism, poezia și dramaturgia sunt înlocuite cu proza, care avea o mai mare oportunitate de transmitere. lume complexă experiențe emoționale ale unei persoane, în legătură cu care au apărut noi genuri: roman familial, cotidian și psihologic sub formă de corespondență, „dramă mic-burgheză”, poveste „sensibilă”, „tragedie burgheză”, „comedie în lacrimi”; au înflorit genurile de versuri intime, camerale (idilă, elegie, romantism, madrigal, cântec, mesaj), precum și fabula.

Era permis să se amestece înalt și jos, tragic și comic, amestecând genuri; legea „trei unități” a fost subminată (de exemplu, gama de fenomene ale realității a fost extinsă semnificativ).

Înfățișat obișnuit, zilnic viață de familie; tema principală a fost dragostea; parcela a fost construită pe baza situațiilor din viața de zi cu zi a persoanelor private; compunerea operelor de sentimentalism era arbitrară.

A fost proclamat cultul naturii. Peisajul a acționat ca fundal favorit pentru evenimente; viața pașnică, idilică a unei persoane a fost arătată în sânul naturii rurale, în timp ce natura a fost înfățișată în strânsă legătură cu experiențele eroului sau ale autorului însuși, a fost în ton cu experiența personală. Satul, ca centru al vieții naturale și al purității morale, a fost puternic opus orașului ca simbol al răului, al vieții artificiale și al deșertăciunii.

Limbajul operelor de sentimentalism era simplu, liric, uneori sensibil elevat, emphatic emotionant; s-au folosit astfel de mijloace poetice precum exclamații, apeluri, sufixe petting-diminutive, comparații, epitete, interjecții; a fost folosit versul alb. În operele de sentimentalism, există o nouă convergență a limbajului literar cu vorbirea vioaie, colocvială.

Caracteristicile sentimentalismului rusesc

Sentimentalismul a luat loc în Rusia în ultimul deceniu al secolului al XVIII-lea. și dispare după 1812, în timpul dezvoltării mișcării revoluționare a viitorilor decembriști.

Sentimentalismul rus a idealizat modul de viață patriarhal, viața unui sat iobag și a criticat obiceiurile burgheze.

O trăsătură a sentimentalismului rus este o orientare didactică, educațională, spre creșterea unui cetățean demn. Sentimentalismul în Rusia este reprezentat de două curente:

1. Sentimental-romantic - Η. M. Karamzin („Scrisori de la un călător rus”, povestea „Săraca Liza”), M. N. Muravyov (poezii sentimentale), I. I. Dmitriev (fabule, cântece lirice, povești poetice „Soție la modă”, „Capricios”), F A. Emin (romanul „Scrisorile lui Ernest și Doravra”), VI Lukin (comedia „Mot, corectată de dragoste”).
2. Sentimental-realist - A. II. Radishchev („Călătorie de la Sankt Petersburg la Moscova”).

În a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, portretul a atins apogeul. În acest moment, cei mai mari pictori F. S. Rokotov, D. G. Levitsky și V. L. Borovikovsky au creat o strălucită galerie de portrete ale contemporanilor, lucrări care glorifica frumusețea și noblețea aspirațiilor umane. Portretul rusesc al acelei vremuri combină fericit o mare profunzime și semnificație în reprezentarea persoanei umane. Artiștii au recreat imaginea unei persoane folosind diverse mijloace picturale: nuanțe de culoare rafinate, culori și reflexii complementare, cel mai bogat sistem de suprapunere multistratificată a vopselelor, glazuri transparente, utilizarea subtilă și virtuoasă a texturii unei suprafețe colorate. Toate acestea au determinat locul semnificativ al portretului intern în pictura europeană contemporană.

F. S. Rokotov(1735 sau 1736-1808). Printre cei mai mari portretiști a fost Fedor Stepanovici Rokotov. Pe când era încă tânăr, a devenit cunoscut pe scară largă ca un pictor priceput și original. Moștenirea sa creativă este semnificativă, dar în secolul al XIX-lea artistul a fost aproape uitat și abia la începutul secolului următor a început colecția minuțioasă a faptelor biografiei și lucrării sale. Multe evenimente din viața lui Rokotov rămân misterioase.

Deja în 1760, Rokotov era profesor la Academia de Arte. După 5 ani, i s-a acordat titlul de academician. După o carieră lansată atât de strălucit, a părăsit Academia de Arte și s-a mutat la Moscova. A început o nouă perioadă din viața lui, foarte fructuoasă din punct de vedere creativ.

Rokotov a pictat în principal portrete de cameră. Lucrările sale reflectau dorința celei mai bune părți luminate a nobilimii ruse, caracteristică acelui timp, de a urma standarde morale înalte. Artistului îi plăcea să înfățișeze o persoană fără un mediu de paradă, fără să pozeze.

Chiar și în primele lucrări ale lui Rokotov - portretele Marelui Duce Paul, fetele E. Yusupova iar altele sunt afectate de capacitatea nu numai de a transmite corect asemănarea, ci și de a dota imaginea cu o mare spiritualitate.

Opera lui Rokotov a înflorit în anii următori, când artistul a îmbogățit și a complicat și mai mult colorarea, realizând în portrete transferul unei imagini semnificative în interior, ridicate. În portretele ulterioare, Rokotov subliniază intelectualitatea și spiritualitatea modelelor sale.

ÎN portretul lui V. I. Maikov(sfârşitul 1760-1778) Rokotov apare în toată strălucirea şi originalitatea talentului său: pictura artistului devine aici deosebit de temperamentală, pensula este liberă, culoarea, construită pe opoziţia roşu-verdei, capătă sonoritate. În imaginea poetului, renumit pentru poemul comic „The Ombre Player”, iluzia vieții vie este creată nu printr-un transfer meschin al aspectului, ci prin strălucirea și puterea dezvăluirii trăsăturilor caracteristice.

ÎN portretul lui V. E. Novosiltseva(1780) Rokotov găsește aceeași măsură a idealității ca și în imaginea lui Maikov. În imaginea acestei tinere, ideea artistului despre frumusețe a fost personificată. Nu mai puțin caracteristici, Rokotov, sunt portrete ale lui „Necunoscut în roz”(1770), N. E. Struisky (1772), E. N. Orlova(1779) și E. V. Santi(1785, il. 67). Arta și forța atractivă a spiritualității captivează portretul lui V. N. Surovtseva(a doua jumătate a anilor 1780, ill. 66), una dintre cele mai expresive pânze ale artistei, o imagine fermecătoare a feminității.

Rokotov își concentrează de obicei toată atenția pe fețe. Oamenii din portretele sale aproape întotdeauna zâmbesc puțin, adesea cu atenție, uneori în mod misterios, uitându-se la privitor. Ei sunt uniți de ceva în comun, un fel de umanitate profundă și căldură spirituală. Este ca și cum oamenii portretizați ascund ceva, ascund ceva. Ei par a fi cufundați în mediul pitoresc misterios al fundalului.

Lucrările din ultimii ani ai vieții lui Rokotov ne sunt aproape necunoscute, precum și soarta artistului la bătrânețe.

Sentimentalismul în pictura lui V. L. Borovikovsky.

V. L. Borovikovsky(1757-1825). Al treilea maestru remarcabil al genului portretului la sfârșitul secolului al XVIII-lea a fost Vladimir Lukici Borovikovsky. S-a născut la Mirgorod în Ucraina și și-a primit abilitățile profesionale inițiale de la tatăl său, un artist. În icoanele pictate de Borovikovsky în tinerețe se simte marele său talent. La Sankt Petersburg, Borovikovsky a comunicat cu reprezentanți ai intelectualității ruse cu gândire progresivă a cercului lui G. R. Derzhavin, a devenit aproape de Levitsky și, eventual, a studiat cu el. Portretul lui E. N. Arsenyeva, creat în 1796 (ill. 70), este o lucrare de înaltă pricepere. În plus, conturează o nouă viziune asupra omului. Artista a înfățișat femeia înfățișată în mijlocul naturii, într-un colț confortabil al grădinii, pe fundalul de verdeață, cu un măr în mână. Dacă Arsenyeva este înfățișată zâmbind provocator, fermecător în tinerețea ei fericită, atunci M. I. Lopukhina (1797) este plin de ușoară tristețe și reverie poetică. Ea captivează cu melancolie blândă, moliciune uimitoare și armonie interioară. În portrete, Borovikovsky a cântat capacitatea de a avea sentimente înalte, sentimente sincere și, în acest sens, este aproape de reprezentanții mișcării literare ruse. sentimentalism, de exemplu, N. M. Karamzin. Acest lucru se manifestă și în imaginea Ecaterinei a II-a, reprezentat pe fundalul naturii pașnice a Parcului Tsarskoye Selo (1794), și în portretul unei țărănci Torzhkov Christinya(c. 1795), o imagine ideală, frumoasă prin „simplitatea”, în portretul de grup al surorilor Gagarin(1802). În aceasta din urmă, artistul a inclus mediul cotidian, a conectat figurile cu acțiunea, dezvoltând un tip de imagine pereche, anticipând căutarea artiștilor ruși din prima jumătate a secolului al XIX-lea. În portretele feminine, artista s-a străduit pentru o poetizare deosebită a modelului, pentru o imagine deosebit de relaxată și în același timp elegantă, ușor idealizată a ei.

Portretele masculine ale lui Borovikovsky sunt mai diverse și mai obiective în ceea ce privește caracteristicile. Imaginile sunt mai reținute în exprimarea sentimentelor. Acest portretele lui G. R. Derzhavin(c. 1795), D. P. Troșcinski(1799), F. A. Borovsky (1799, ill. 71).

Un grup special este format din portrete ceremoniale ale artistului, care se remarcă prin monumentalitate și solemnitate. Printre acestea, cel mai indicativ pentru maestru însuși și direcția generală a artei ruse la începutul secolului al XIX-lea portretul lui A. B. Kurakin(c. 1801). Figura în lungime completă a unui nobil nobil și arogant iese în evidență pe fundalul unei coloane și al unei perdele grele agățate.

În opera sa, Borovikovsky a afirmat același ideal umanist înalt care este inerent artei ruse de-a lungul secolului al XVIII-lea. Portretele realizate de artist în perioada de apropiere de sentimentalism și ulterior reflectă trăsăturile caracteristice stilului clasicism.

La fel ca majoritatea pictorilor ruși ai secolului al XVIII-lea, Borovikovsky este zgârcit și reținut în a-și exprima atitudinea personală față de model în portretul ceremonial.

Arta lui Borovikovsky nu se limitează la portretele comandate ale nobilimii. Artistul a surprins imaginile oamenilor din oameni. Pe lângă portretul amintit mai sus al lui Christinha, el a pictat o imagine alegorică a iernii sub forma unui bătrân țăran care își încălzește mâinile lângă foc.

În ultimii ani ai vieții sale, Borovikovsky a făcut multă pictură religioasă.

Alături de lucrările lui Rokotov și Levitsky, moștenirea lui Borovikovsky completează o pagină bogată și semnificativă din istoria genului portretului rusesc, care a obținut un succes semnificativ până la sfârșitul secolului al XVIII-lea.

Istoria culturii ruse. Secolul al XIX-lea Yakovkina Natalya Ivanovna

§ 3. SENTIMENTALISMUL ÎN PICTURA RUSĂ

Creativitate A. G. Venetsianov

La începutul secolului al XIX-lea în rusă Arte Frumoase la fel ca în literatură, se dezvoltă sentimentalismul. Cu toate acestea, în pictură și sculptură, acest proces a găsit o reflectare oarecum diferită. În artele vizuale din această perioadă, este dificil să evidențiem vreun maestru a cărui operă ar întruchipa pe deplin principiile sentimentalismului. Elementele de sentimentalism sunt mai frecvente în combinație cu elemente de clasicism, romantism. Prin urmare, se poate vorbi doar despre influența mai mare sau mai mică a acestui stil asupra operei unui artist sau al unui artist.

În prima jumătate a secolului al XIX-lea, maestrul care reflecta cel mai pe deplin trăsăturile sentimentalismului a fost A. G. Venetsianov.

Venetsianov a ajuns la artă ca o persoană matură deja consacrată, care cunoștea viața rusă mai profund și mai cuprinzător decât studenții Academiei de Arte. Este posibil ca dobândirea de cunoștințe profesionale de către un tânăr din afara Academiei, absența unui sistem academic în educația sa, să fi determinat ulterior independența și inovația muncii sale.

Născut în 1780 într-o familie de negustori din Moscova, viitorul artist a ajuns la Sankt Petersburg în 1802, unde a intrat în slujbă și, în același timp, a pictat cu încăpățânare, copiend picturi ale unor maeștri celebri în Ermitaj. După toate probabilitățile, acolo l-a întâlnit pe faimosul pictor al secolului al XVIII-lea V. L. Borovikovsky, a devenit studentul său și chiar a trăit cu el de ceva timp. Trebuie să ne gândim că această perioadă a avut un impact semnificativ asupra formării lui Venetsianov ca artist și persoană. Mulți reprezentanți ai iluminismului rus de la sfârșitul secolului al XVIII-lea au vizitat casa lui Borovikovsky: arhitectul N. Lvov, poeții V. Kapnist, G. Derzhavin. Așa că tânărul artist s-a trezit într-un mediu creativ plin de idei educaționale avansate.

Amploarea intereselor, dorința de comunicare intelectuală l-au distins apoi pe Venetsianov de-a lungul vieții. Mai târziu, devenind deja un maestru recunoscut, el continuă să se rotească în cercul contemporanilor de seamă. Potrivit fiicei sale, „cea mai educată societate de artiști și scriitori s-a adunat la el, toată lumea a găsit plăcere să petreacă serile cu el. Gogol, Grebenko, Voeikov, Kraevsky și alții l-au vizitat adesea. Nu este nimic de spus despre artiști. Bryullov l-a vizitat adesea ... ".

Desigur, o astfel de comunicare și relații de prietenie cu mulți oameni remarcabili ai timpului lor au avut un impact semnificativ asupra formării concepțiilor sociale și artistice ale lui Venetsianov. Formarea artistului a fost lentă. Timp de mulți ani a combinat serviciul în diverse instituții departamentale cu pictura. Treptat, opera sa a atras atenția publicului și a Academiei de Arte, care l-au invitat să predea la clasă. Dar numai după căsătoria sa din 1815 și dobândirea unei mici proprietăți în provincia Tver, Venetsianov s-a dedicat complet creativității.

Viața pe moșie, care i-a permis artistului să cunoască mai bine opera și viața țăranilor ruși, să le aprecieze foarte mult calitățile umane, a contribuit la atragerea acestuia la subiect nou- o imagine a țărănimii și o imagine care contravine canoanelor academismului. Începutul acestei noi căi creative a fost pastelul „Peeling the Beets”. Artistul face din eroii picturii sale oameni care nu au mai apărut niciodată în pictura rusă: femeile țărănești sunt înfățișate la serviciu, fețele lor sunt urâte, mâinile și picioarele sunt acoperite de noroi, hainele lor sunt mizerabile și necurate. Această veridicitate în reprezentarea țăranilor și a muncii lor va deveni constantă în lucrările lui Venetsianov și va fi remarcată mai târziu de contemporanii săi. Studentul artistului Mokritsky a scris: „... nimeni nu i-a înfățișat mai bine pe țăranii din sat în toată simplitatea lor patriarhală. Le-a transmis tipic, fără a exagera sau a idealiza, pentru că a simțit și a înțeles pe deplin bogăția naturii rusești. Există ceva deosebit de plăcut și fidel naturii în descrierea lui despre țărani. Având un ochi extrem de ascuțit și văzător, a putut să transmită în ei acea praf și lipsă de strălucire care îl anunță pe țăran de prezența lui constantă fie pe câmp, fie pe drum, fie în coliba de pui; încât, ca să spunem mai figurat, putem spune: țăranii lui miroase a colibă. Privește picturile lui și vei fi de acord cu mine. Această caracteristică a fost rezultatul încrederii perfecte în natură...”. Această „încredere în natură”, „înțelegerea bogăției” acesteia și, trebuie adăugat, respectul pentru oamenii muncitori, au conferit o frumusețe aparte subiectelor obișnuite ale picturilor venețiene.

După ce a pornit pe calea aleasă, artistul continuă să o urmeze fără încetare. Prima jumătate a anilor 1820 a fost perioada celei mai intense și fructuoase lucrări a lui Venetsianov. În acești ani, își creează cele mai bune lucrări, marcate de trăsături clare ale sentimentalismului cu simpatia inerentă pentru oamenii obișnuiți, relații morale pure, natură.

Așa caracterizează această perioadă cercetătorul sovietic al artistului G. K. Leontiev: „În Safonkovo, a câștigat o mare libertate și independență a gândurilor și acțiunilor. Se simțea în unitate și armonie cu natura, cu azi și cu sine însuși. Acest acord cu lumea și cu sine însuși era foarte caracteristic lui Venetsianov. De aici simțul uimitor al naturii, reverența pentru copac, floare, lumina soarelui, pământ. De aici și admirația contemplativă, de aici și crearea de imagini armonice.

Următoarea lucrare majoră a artistului „Hambar” este un alt pas și mai încrezător pe o nouă cale. Tabloul, ca „Purificarea sfeclei”, este o recreare poetică a complotului obișnuit al suferinței țăranului - treieratul cerealelor. Într-o iera uriașă, pătrunsă de râuri de soare care se revarsă de la ușile deschise și o deschidere a peretelui, se desfășoară munca obișnuită țărănească - bărbații încep cai înhămați, un grup de femei oprit în prim-plan, un țăran s-a așezat, măturând cereale. . Se observă că munca este obișnuită, mișcările oamenilor sunt dibace, fără grabă, figurile țăranilor sunt pline de calm, putere, demnitate interioară.

Artistul a contracarat cu îndrăzneală canoanele clasicismului cu noi metode de scriere. Spre deosebire de tradițiile academice, intriga imaginii a fost luată nu numai din viața modernă (și nu din istoria sau mitologia antică), ci din viața „josului”, muncitoresc, țăran. Nu isprăvile eroilor țărani au fost cântate de artist, ci munca grea a plugarului rus.

În plus, în scena descrisă pe pânză, în esență, nu există principală actor, care, conform regulilor școlii academice, trebuia să fie plasată în centrul imaginii. În centrul „Casei Trei” nu este nimeni deloc, iar țăranii așezați de-a lungul marginilor imaginii sunt echivalente în ceea ce privește gradul de participare la ceea ce se întâmplă.

Și în sfârșit, o interpretare complet nouă a perspectivei. În lucrările artiștilor academicieni, se obișnuia să se plaseze scena înfățișată în prim-plan, fundalul jucând rolul unui fundal decorativ în raport cu evenimentul în curs de desfășurare. În „Threehouse”, acțiunea merge într-un spațiu fără precedent. Mai mult, Venetsianov acționează aici ca un inovator îndrăzneț în rezolvarea problemei perspectivei, folosind-o ca unul dintre mijloacele unei transmiteri mai veridice a realității.

La expoziția din 1824, artistul, împreună cu „Hambarul”, a mai expus câteva lucrări despre tema taraneasca: „Femeie țăranică”, „Țărani”, „Femeie țărănică cu ciuperci în pădure”, „Femeie țărancă care pieptănează lână într-o colibă”, „Copii țărani la câmp”, „Dimineața moșierului”, „Iată Cina tatălui pt. Tu!". Mai târziu, legate tematic de această serie au fost scrise: „Păstorul adormit”, „La recoltă”, „Vara”, „Pe câmpul arat. Primăvara”, precum și „Fata cu sfeclă roșie”, „Fata țărănică cu secera în secară”, „Secerătoare”, etc.

Aprofundând în „tema țărănească”, artistul începe să simtă tot mai clar implicarea oamenilor înfățișați de el în natura înconjurătoare. Oamenii care lucrează la pământ sunt percepuți de el în unitate inseparabilă cu acest pământ, care nu numai că le dă pâine, dar îi înzestra cu sentimente curate și bune. Aceasta este baza morală a „consimțământului cu lumea”, care a fost atât de aproape de Venetsianov însuși și a determinat starea de spirit interioară a picturilor sale din această perioadă.

Treptat, pe pânze încep să apară motive de peisaj. Tabloul „Păstorul adormit” a fost primul care înfățișează un peisaj domestic creat în afara atelierului, direct „în natură”. În locul peisajelor fantastice, aranjate artificial, ale pânzelor academice sau tablourilor cu natură italiană luxoasă, dar străină, apar pentru prima dată în pictura rusă imagini ale distanței nemărginite rusești, un râu acoperit de arin, un cer întunecat cu nori. Natura nativă, combinată armonios cu imaginile oamenilor, le oferă poezie. Deci, în tabloul „Pe pământ arabil. Primăvara ”o tânără țărancă drăguță conduce doi cai înhămați la o grapă peste câmp. Bucurie trezirea primăverii respiră din pământul umed, verdeață delicată, figura unei fete. Hainele de sărbătoare, nemuncă ale unei țărănci, cerul senin și înalt, călcarea moale a fetei și a cailor care o urmăresc - toate acestea creează impresia de armonie între om și natură.

Picturile create de artist în anii 20 ai secolului al XIX-lea au deschis o nouă pagină în istoria artei plastice rusești. Țăranii nu apar doar pe pânzele lui, ei intră în pictura rusă ca o lume întreagă, intră liniștiți, cu demnitate. Sunt oameni de muncă, artistul îi înfățișează în mod constant la lucru - la treierat, teren arabil, la seceriș. Munca lor este grea, dar muncesc cu pricepere, cu pricepere, iar acest lucru impune respect. Chipurile amabile și plăcute, ochii vioi mărturisesc mintea lor, meritele lor morale. În acest sens, Venetsianov este cu siguranță apropiat de Karamzin, care a arătat prin exemplul „sărmanei Liza” că „țăranii pot simți”. Influența ideilor de sentimentalism și a personalității fondatorului sentimentalismului literar rus asupra operei lui Venetsianov este clar vizibilă. Artistul îl cunoștea pe Karamzin și și-a pictat portretul. În același timp, Venetsianov nu numai că, desigur, și-a citit poveștile, care au fost citite de societatea iluminată din acea vreme, dar a făcut cunoștință și cu alte opere de ficțiune sentimentală. Deci, în corespondența artistului există informații despre citirea operelor lui Christian Gellert (scriitor sentimental din secolul al XVIII-lea) și așa-numitul „Călător”. O scrisoare către un prieten conține următoarea poșdală de Venetsianov: „Îl trimit pe Călător și vă mulțumesc. Acest autor amabil nu scrie, ci vorbește. Imprumuti mult daca citesti iti face placere sa-l asculti in alte volume.

După cum știți, Karamzin a fost cel care a luptat pentru simplificarea și modernizarea stilului literar, care a scris „cum vorbea el”. Pe această bază, cercetătorul lucrării lui Venetsianov G. K. Leontieva consideră că aici vorbim despre „Scrisorile unui călător rus” de Karamzin.

Începutul „karamzinist”, sentimental, se resimte și în percepția entuziastă a artistului natură nativă, îmbinând o persoană cu ea. Idilicul „Păstor adormit” Venetsianov în acest sens, desigur, este înrudit cu „țăranul” Karamzin, care este atins de vederea unei păsări cântătoare.

Asemenea lui Karamzin, artistul a acordat o mare importanță învățământului public, în care a văzut un mijloc care ar putea atenua extremele iobăgie și a îmbunătăți situația oamenilor. Aceste convingeri îl conduc pe Venetsianov în 1818 la organizația legală decembristă „Societatea pentru înființarea școlilor pe sistemul de educație reciprocă”, și contribuie la apropierea sa de decembristul M. F. Orlov. Venetsianov încearcă să-și pună în practică părerile asupra proprietății sale. Fiica sa și-a amintit ulterior că „în urmă cu aproximativ patruzeci de ani, deoarece nu exista niciun zvon despre școlile țărănești, iar în micuța noastră Safonkovo a fost înființată o școală de 10 băieți țărani”. Odată cu școala de pe moșie, țăranii li s-au învățat diverse meserii - fierărie, tâmplărie, cizmărie, pictură etc., iar femeile - aci și țesut. În general, practica economică a lui Venetsianov se baza pe convingerea obligațiilor morale și materiale ale proprietarului în raport cu iobagii săi. El formulează această idee într-una din scrisorile sale: „Datoriile noastre (adică proprietarii de pământ) sunt foarte grele dacă sunt îndeplinite după legile civile și bisericești, și chiar după legile de îmbunătățire materială a statului. Indiferent cum l-ai arunca, totul se va dovedi că nu este un țăran în stat iobag, ci un proprietar de pământ care își înțelege pe deplin atitudinea față de țăran, și nu unul care se îneacă în noroiul feudalismului. Așadar, după cum vedem, artistul îi condamnă aspru pe proprietari, care nu înțeleg „relația lor” cu iobagii, nu le pasă de bunăstarea lor materială și morală. Dar de aici rezultă că respectarea corectă și cinstită de către proprietarul pământului a îndatoririlor sale față de țăranii săi este capabilă să asigure deplina bunăstare a acestora din urmă. Descrierea idilică a ordinului instituit de Venetsianov în moșia sa, pe care o găsim în memoriile fiicei sale, vorbește în favoarea unei astfel de înțelegeri de către artist a relației dintre proprietari de pământ și iobagi. Nu este întâmplător, cred că această descriere este precedată de sintagma că are grijă de țărani „ca un tată”.

Condamnarea cruzimilor iobăgiei și credința că un proprietar uman va deveni tată pentru iobagii săi - cât de toate acestea sunt în spiritul lui Karamzin și al școlii sale!

Și însăși imaginea țăranilor de pe pânzele lui Venetsianov convinge că artistul a fost străin să înțeleagă toate viciile iobăgiei. Oameni arătoși, calmi, plini de demnitate interioară - nu sunt în niciun caz victimele nefericite ale arbitrarului iobagului. Chiar și în tabloul „Dimineața moșierului”, unde tema relației dintre stăpâni și slujitori ar putea fi dezvăluită mai clar, nu există niciun antagonism între ei, scena reprezentată este plină de eficiența calmă a grijilor cotidiene pe care iobagii le împărtășesc. proprietarul lor.

Totuși, împărtășind părerile lui Karamzin despre iobăgie, Venetsianov merge mai departe decât el în înțelegerea activității de muncă a țăranilor, în veridicitatea portretizării lor. Țăranii săi nu sunt „țăranii” idealizați ai lui Karamzin, ci oameni vii, doar înfățișarea lor este, parcă, iluminată de artist, poartă amprenta aceleiași percepții iubitor-sentimentale care distinge schițele sale de peisaj.

Vorbind despre activitățile lui Venetsianov în această perioadă, nu se poate să nu menționăm școala sa, deoarece nu a fost doar un pictor remarcabil, ci și un profesor. Respectul pentru oameni, credința în forța lor i-au alimentat munca pedagogică. A căutat constant talent printre cei săraci, printre cei care erau tranzacționați cu cățeluși de ogar, vânduți ca imobile. Studentul său, artistul A. N. Mokritsky, și-a amintit mai târziu: „Venetsianov îi plăcea să-și împărtășească cunoștințele și proprietățile cu alții; Acesta a fost cea mai amabila persoana; toți studenții săraci se îndreptau către el: deseori el însuși îi căuta”, le dădea Venetsianov bani pentru vopsele, îi sfătuia, îi hrănea și îi îmbrăca. I-a ajutat pe alții să scape de robia iobagilor, așteptând ore întregi ca aceasta să fie primită de un nobil nobil sau de un „binefăcător” bogat. În povestea autobiografică „Artistul” T, G. Shevchenko a vorbit în detaliu despre rolul lui Venetsianov în eliberarea sa. Om de o modestie uimitoare, el însuși nu a acordat nicio importanță acestui lucru, crezând sincer că joacă rolul unui simplu broker în aceste fapte bune.

Mentorul și-a învățat elevii nu numai abilități profesionale: „Ne-a crescut”, a scris Mokritsky, „și a predat bunătatea și i-a forțat pe alții să învețe să citească și să scrie. Familia lui era familia noastră, acolo eram ca proprii copii lui…”.

Astfel, a fost creată treptat „Școala Venetsianov”. În 1838, artistul l-a informat pe președintele Academiei de Arte A. N. Olenin că în atelierul său învață treisprezece elevi. Și în 1830, cinci lucrări ale artistului însuși și treizeci și două de lucrări ale studenților săi au fost expuse la o expoziție la Academia de Arte. În acest moment, metoda pedagogică a lui Venetsianov dobândise forma unui sistem coerent. S-a bazat pe desen din natură, și nu pe copiere, așa cum era obiceiul la Academie. Pe reproducerea celor mai simple obiecte (o cană, un pahar cu apă, cutii etc.), artistul „a pus un ochi” pe elev. După aceea, au trecut la gips pentru a dezvolta „fidelitatea și netezimea liniilor”. Și apoi - înapoi la natură. Elevii au pictat interioare, portrete unul altuia, naturi moarte. Desigur, profesorii academicieni au reacţionat la sistem nou precaut, dacă nu ostil. Opoziţia autorităţilor academice, dificultăţile materiale constante cu care se confruntă artistul, l-au obligat să părăsească definitiv Şcoala. Mai târziu avea să scrie cu amărăciune în nota sa autobiografică: „Venetsianov și-a pierdut puterea și și-a pierdut mijloacele de a susține școala, adică de a avea elevi pe statul de plată”.

Cu toate acestea, încetarea școlii nu a însemnat moartea sistemului Venetsianov. Metodologia principiilor modului realist de reprezentare picturală va intra treptat în viață ca bază a educației artistice. La început, cei mai capabili și cercetători artiști vor ajunge să-l simtă, apoi (mult mai târziu) va fi recunoscut de Academie și va intra în practica ei.

Sistemul, precum și opera lui Venetsianov, subminând canoanele academismului, vor aduce o contribuție semnificativă la dezvoltarea și îmbunătățirea metodei realiste în arta plastică rusă și se vor pregăti pentru succesele sale ulterioare în anii 40-50.

autorul Woerman Karl

1. Particularitățile picturii centrale italiene De când florentinul Leonardo da Vinci a trezit forțele adormite ale picturii, aceasta s-a îndreptat conștient în toată Italia spre scopul de a face pictura să trăiască o viață reală mai plină și, în același timp, să fie mai perfectă.