Майоль Аристид Жозеф Бонавантюр (1861-1944) — французский скульптор. «У современной скульптуры два ствола, дающие соки своим более молодым ответвлениям,- Бурдель и Майоль,- абсолютно справедливо утверждала известный русский скульптор В.Мухина,- два полюса по темпераменту, пластической форме: один — пафос огня, другой — дышащее спокойствием море».

Возвышающую, реальную силу гармонии воплощает в себе одна из лучших статуй Аристида Майоля — бронзовая «Помона» , которую скульптор начал делать в 1907 году по заказу И. А. Морозова (окончил он ее в 1910 ). Полная мягкого, сдержанного движения обнаженная женщина с яблоками в руках символизирует осеннее плодородие. Она входила в группу из четырех статуй, пластически повествующих о четырех порах года. «Постоянство изменчивости» линий женского тела стало для Майоля темой множества его скульптурных вариаций.

Аристид Майоль родился 8 декабря 1861 года в небольшом, утопающем в зелени городке Баньюль-сюр-Мер, который находится неподалеку от испанской границы, у Восточных Пиренеев в провинции Руссильон. На местном каталонском наречии «майоль» означает «виноградная лоза», будущий скульптор гордился, что происходит из рода потомственных виноградарей.

Аристид Майоль был вторым из четверых детей. Он рос мечтательным, тихим и застенчивым мальчиком. В старинном фамильном доме за детьми все время приглядывала мать, строгая тетка и полуослепший к старости дед. Аристид очень любил окружающую природу. «Окрестности Баньюля,- любил повторять он,- это как картина Пуссена, только еще прекрасней. …Море, солнце, вино! Здесь невозможно создавать бесчувственное искусство».

Рисовать он начал рано, еще учась в колледже в Перпиньяне. Один из первых своих написанных маслом пейзажей, на котором были изображены берег, море, прибрежные скалы, Аристид старательно населил самыми разными персонажами.

Активно участвовал он в качестве художника и в выпуске иллюстрированной газеты. Его талант был замечен: Генеральный совет в Перпиньяне выделил Аристиду стипендию в 20 франков. Будущий скульптор старательно копировал античные гипсы, собранные в местном музее, много рисовал и наконец решился ехать в Париж. Деньгами помогла тетка, которая ежемесячно высылала ему в столицу необходимую сумму.

В это время в Париже уже не было тех дружных свободных братств художников, какими были братства барбизонцев или импрессионистов в 1870-е годы. Большинству художников приходилось пробиваться самостоятельно.

Преодолевая нищету, Аристид Майоль много работал, копировал в Лувре Рембрандта, Фрагонара, Шардена, а в 1881 году поступает в Школу изящных искусств в класс антиков профессора Жерома. Однако его рисунки не понравились мэтру, и Аристид Майоль продолжил свое образование в Школе декоративных искусств.

После окончания школы Майоль попал под сильное влияние понт-авенской группы , которую возглавлял , в то время утверждавший: «Живопись — не натура. Это поверхность, которую следует декорировать». Кроме Поля Гогена, Аристид Майоль увлекался творчеством изобретателя «синтетизма» Эмиля Бернара , который стремился, в отличие от импрессионистов, не к аналитическому, расчленяющему, а к цельному видению. В сферу интересов молодого художника вошло и творчество монументалиста Пюви де Шаванна , который стал одним из теоретиков «клуозонизма» и предпочитал четко вылепленную, немного грузную форму.

В ранних живописных работах Аристида Майоля сквозь узорчатый, подвижный рисунок пробивается реальное воплощение мечтательно-зыбких женских образов: «Женщина в волнах» (1898) , «Лазурный берег» (1898) и др.

На время Майоль оставил живопись и организовал в Баньюле экспериментальную мастерскую по производству гобеленов. Он сам делал картоны, составлял гамму цветов, подбирал и даже окрашивал нитки. Ткали гобелены местные девушки. В 1894 году на выставке «Группы двадцати» в Брюсселе Аристид Майоль показал свои первые гобелены — «Музыка» и «Очарованный сад». В этих работах, как и в ранней живописи Майоля, чувствуется влияние стиля модерн, понт-авенской школы и группы «набидов «. Стилизованное упрощение и мягкая, плавная извивающаяся линия станут со временем отличительной особенностью его творческой индивидуальности.

Именно в гобеленах Аристид Майоль начал создавать свой, неповторимый, очень естественный, без присущих модерну надломов мир, полный цветов и свежих красок. Даже одежда и прически дам напоминают в его работах все те же бутоны и соцветия. Позже Аристид Майоль попытается теоретически обосновать адекватность человека растению, воплотит свои идеи в пластике и будет добиваться органического соединения мира искусства с миром природы, архитектуры с растительностью. В 1893 году Аристид Майоль женился на одной из своих мастериц, которая стала впоследствии любимой его моделью. Он не раз изображал ее не только на своих рисунках, но и в камне, бронзе, дереве. В это же время друзья познакомили Майоля с меценатом, богатым румынским князем Эммануэлем Бибеско , который со своими не менее состоятельными родственниками заказывал Майолю ковры.

Однако наступление машинного конвейерного производства не давало возможности процветать возрожденному кустарному промыслу.

В сорок лет Аристид Майоль словно начал жизнь заново. Он увлекся скульптурой, «увлеченно вырезал из дерева женские фигурки, даже не прорабатывая их предварительно в глине. Октав Мирбо , который часто встречался с Майолем в это время, говорил, что он был беден, но горд и весел.

Возвращаясь к земле, к истокам, Майоль все зимы проводил на родине, в Баньюле, а на лето приезжал в Марли-ле-Руа возле Парижа. Он с увлечением продолжал свои начатые еще в 1890-е годы эксперименты с изготовлением статуэток, ваз из фаянса и обожженной глины, пробовал себя в мелкой пластике из дерева и бронзы. Аристид Майоль был убежден, что нужно создавать вещи, имеющие отношение к жизни, что скульптура — как гончарное дело, она тоже должна быть создана для чего-нибудь.

Постепенно он преодолел «архаическую» скованность, которая чувствовалась в его ранних терракотовых купальщицах. В лучших произведениях этого времени «Лежащей девушке» (1900) , «Леде» , «Еве» (1902) чувствуется необыкновенная интимность выражения. Его женщины, выполненные в камне и бронзе, очень естественны, непосредственны и пластичны. Не только фигуры майолевских героинь, но даже их прически можно воспринимать как некие целостные и гармоничные архитектурные сооружения. Именно точная структурная, конструктивная основа делает эти небольшие фигурки похожими на большие скульптуры, к созданию которых Аристид Майоль приступил в начале 1900-х годов. Первым до размера натуры он увеличил в 1902 году терракотовый эскиз «Средиземное море», а в 1905 году перевел его в камень. Внешне абсолютно спокойные героини Майоля поражают ясно выраженным внутренним напряжением мысли и чувства. Это можно сказать о созданной в 1902-1906 годах «Ночи» и других скульптурах. Майоль много наблюдал за каталонками, иногда мог в один сеанс вылепить голову понравившейся ему девушки. Он признавался: «Когда она проходит мимо, я чувствую ее душу. Вот это я хочу передать в моей статуе, что-то живое и вместе с тем нематериальное. Создавая фигуру девушки, я хочу передать впечатление от всех девушек. Мое чувство переходит в мои пальцы» . Необыкновенно жизненно воплотил Майоль в камне и чувство нежности, вдохновенной ласки ().

Аристид Майоль создал в это время немало интересных скульптурных портретов — величественно-суровый, чем-то похожий на образы романских святых «Портрет матери» (1898), правдивый портрет грубоватого в общении живописца Этьена Террю (1905) и выполненный с некоторым чувством трагической неотвратимости судьбы портрет старика , который после того, как пришлось позировать Майолю, сам увлекся скульптурой.

В 1903 году на выставку Салона была впервые допущена маленькая статуэтка Майоля , а в 1905 году — «Средиземное море» . В этом же году Аристиду Майолю поручают создание памятника Луи-Огюсту Бланки , который получил название «Скованная сила» (1905-1906). Моделью для этой скульптуры, в которой впервые у Майоля проявляется некоторая экспрессия, служила жена художника. Образ женщины, силящейся разорвать сковывающие ее путы, олицетворяет саму жизнь революционера, который много лет провел в заключении. Образы Майоля никак не сопоставишь с танцем Айседоры Дункан. Они иногда не просто предельно просты, но даже простоваты, но в этом и кроется тайна их необыкновенной естественности и пластичности.

Только в 1908 году Аристид Майоль смог благодаря помощи образованного немецкого коллекционера графа Гарри Кессле-ра осуществить давнюю свою мечту — посетил Грецию. Вместе с Майолем в это долгожданное путешествие отправился и его меценат писатель Гуго фон Гофмансталь. Аристид Майоль с удивлением открыл для себя, что Греция очень похожа на его родную Каталонию. Позже скульптор написал: «В Афинах я рисовал в музее статую Аполлона. В этой статуе передано с предельным совершенством тело, но она уже далека от величественности и царственности Фидия. Кончив рисунок, я обернулся и оказался перед большой статуей примитивного характера, произведением в египетском стиле, строгом и грандиозном. Одним словом, статуей бога. Я понял, насколько это искусство по своему духовному величию выше Аполлона. Это сравнение меня поразило и заставило глубоко задуматься».

Дыхание античности чувствуется во многих произведениях Аристида Майоля, но особенно в его несравненных женских торсах — «Торсе Нереиды» (1905) и «Малом торсе на дельфине» (1925) . Лишенные рук, ног, головы, эти женские фигуры поражают необыкновенной пластичностью и женственностью. Мелкие, легкие складки, которые воспринимаются как промокшее платье, напоминают складки одежд нимф Парфенона.

Аристид Майоль продолжал свои «поиски великого». Значительно позже, подводя итоги своей творческой жизни, он писал: «Нашему времени не нужны больше боги. Мне остается следовать природе, и мне кажется, что я смогу найти в изучении человеческого тела основания красоты высшего порядка, если поставлю себе задачей передать гармонию форм и их архитектурное равновесие, и что этим изучением я смогу достичь великого».

Именно интимность отличает величественные статуи Аристида Майоля от произведений античных скульпторов. В 1907- 1910 годах появляется полная так называемой «развитой гармонии» и более легкая, прелестная, в обтекающих тело легких одеждах В 1910-1932 годах скульптор работал над памятником , воплотившем в себе вечный дух исканий. Царственного величия исполнена полулежащая фигура (памятник Сезанну; 1912-1925 ), которая была своеобразным итогом исканий мастера уже не в «вертикальном», а в «горизонтальном» типе фигур. И если «Венера с ожерельем» (1918-1928) еще поражает своей отстраненностью от окружающего мира, то в бронзовой фигуре уже сливаются воедино и «человеческое», и «пейзажное» начала. Не то складки одежды стекают подобно воде, не то вода и есть одежда…

Очень органичны, естественны и необыкновенно красивы, даже иногда утонченны иллюстрации Аристида Майоля к «Эклогам» Вергилия, «Искусству любви» Овидия, «Дафнису и Хлое» Лонга и другим произведениям.

Обосновывая свою эстетическую концепцию, Аристид Майоль писал: «В природе все восходящие линии, все вертикали прямы, горизонтальные линии — круглы. Возьмите ствол дерева. Его вертикаль пряма, как свеча. Но сделайте разрез ствола, и вы получите одни лишь круглые формы. Перенесите эти принципы, которые я нашел в природе, на человеческую фигуру. И вы будете иметь основы моей эстетики».

Очень точно определил развитие творческой индивидуальности Аристида Майоля Джон Ревалд, который в 1939 году писал: «В его эволюции нет ничего резкого, внезапного, ничего интеллектуального, она походит на ясный ручей, который в своем течении постепенно становится рекой. Его вода остается по-прежнему светлой, но его русло углубляется».

Те, кто хорошо знал Майоля, отмечали, что он вовсе не был художником только постоянного и светлого спокойствия. Экспрессия, которую можно уловить в некоторых его ранних работах (живописная композиция «Море» (1895) , горельеф «Желание» и др.), с особой силой проявилась в 30-е годы. Аристид Майоль, как вспоминают его друзья, любил грозу и живопись Тициана очень часто предпочитал Эль Греко , его влекла «дорога, которая ведет неизвестно куда, в тайну».

В 1930 году в саду библиотеки Сен-Жермен-ан-Ле близ Парижа был установлен выполненный Аристидом Майолем памятник выдающемуся композитору Дебюсси . Памятник лаконичен и немногословен — это присевшая на мгновение обнаженная женщина, которая поводит вокруг себя руками. Она похожа на нотный знак, вобравший в себя всю бездонность музыки.

Самым грандиозным произведением из созданных Майолем в 30-е годы считается .

Сам скульптор в эти годы говорил: «Я искал архитектуры устойчивости, стабильности. Теперь я ищу архитектуры движения» . Он создает целую серию необыкновенно динамичных маленьких бронзовых и глиняных купальщиц, а позднее, вдохновленный мощной глубокой музыкой Баха,-символические образы природных стихий. Полна могучего спокойствия и задумчивости его «Гора» (1935-1938). Легка и свободна почти парящая над постаментом женщина— , выполненная в 1937-1939 годах как памятник летчику Ж. Мермозу , о котором писал Сент-Экзюпери. Мечтательны объединенные внутренним ритмом «Три нимфы» (1936-1938) . Покорна, вся во власти стремительного стихийного движения «Река» (1938-1943).

В живописи, которую Майоль не оставлял в этот период, проявляется пастозность, даже некоторая скульптурность письма.

Когда началась Вторая мировая война, Аристид Майоль наотрез отказался эвакуироваться и остался с женой в своем доме.

Последней моделью Аристида Майоля стала оригинальная, очень глубокая, начитанная девушка Дина Вьерни , которую он пригласил позировать для «Трех нимф». С начала 1937 года она почти ежедневно приходила за пять километров к нему на ферму, и они даже во время сеансов вели философские беседы, читали стихи. Именно с Дины сделаны почти все последние рисунки Майоля и его последняя, самая дорогая для него скульптура «Гармония» (1944) , в которой он как бы объединяет чувства трагедии и радости, живое движение, в котором чувствуется отзвук его недавнего увлечения экспрессией, и изумительное чувство спокойствия и необыкновенной нежности.

В начале сентября 1944 года Майоль, возвращаясь от Рауля Дюфи, попал в автокатастрофу. Врачи самоотверженно боролись за его жизнь. Утратив возможность говорить, Аристид Майоль пытался записывать свои мысли в школьной тетрадке.

Однако 27 сентября 1944 года его не стало. В последний путь скульптора провожали две его Музы — окруженная детьми каталонская красавица Лаура, увековеченная им в «Помоне», и утонченная, нежная и гордая Дина. «Гармония», для которой она позировала, так и осталась незавершенной, но в ней звучит услышанная и воплощенная великим скульптором великая музыка, музыка тишины.

Бoгдaнoв П.С., Бoгдaнoвa Г.Б.

Статья из www. ikleiner. info , изобразительный ряд изhttp://smallbay.ru и из книги О.Петрочука «Аристид Майоль». 1977г. изд.

Портрет Аристида Майоля, 1899 год

Майоль Аристид Жозеф Бонавантюр (1861-1944) - французский скульптор. «У современной скульптуры два ствола, дающие соки своим более молодым ответвлениям,- Бурдель и Майоль,- абсолютно справедливо утверждала известный русский скульптор В.Мухина,- два полюса по темпераменту, пластической форме: один - пафос огня, другой - дышащее спокойствием море».

Возвышающую, реальную силу гармонии воплощает в себе одна из лучших статуй Аристида Майоля - бронзовая «Помона» , которую скульптор начал делать в 1907 году по заказу И. А. Морозова (окончил он ее в 1910 ). Полная мягкого, сдержанного движения обнаженная женщина с яблоками в руках символизирует осеннее плодородие. Она входила в группу из четырех статуй, пластически повествующих о четырех порах года. «Постоянство изменчивости» линий женского тела стало для Майоля темой множества его скульптурных вариаций.

Аристид Майоль родился 8 декабря 1861 года в небольшом, утопающем в зелени городке Баньюль-сюр-Мер, который находится неподалеку от испанской границы, у Восточных Пиренеев в провинции Руссильон. На местном каталонском наречии «майоль» означает «виноградная лоза», будущий скульптор гордился, что происходит из рода потомственных виноградарей.

Аристид Майоль был вторым из четверых детей. Он рос мечтательным, тихим и застенчивым мальчиком. В старинном фамильном доме за детьми все время приглядывала мать, строгая тетка и полуослепший к старости дед. Аристид очень любил окружающую природу. «Окрестности Баньюля,- любил повторять он,- это как картина Пуссена, только еще прекрасней. …Море, солнце, вино! Здесь невозможно создавать бесчувственное искусство».

Рисовать он начал рано, еще учась в колледже в Перпиньяне. Один из первых своих написанных маслом пейзажей, на котором были изображены берег, море, прибрежные скалы, Аристид старательно населил самыми разными персонажами.

Активно участвовал он в качестве художника и в выпуске иллюстрированной газеты. Его талант был замечен: Генеральный совет в Перпиньяне выделил Аристиду стипендию в 20 франков. Будущий скульптор старательно копировал античные гипсы, собранные в местном музее, много рисовал и наконец решился ехать в Париж. Деньгами помогла тетка, которая ежемесячно высылала ему в столицу необходимую сумму.

В это время в Париже уже не было тех дружных свободных братств художников, какими были братства барбизонцев или импрессионистов в 1870-е годы. Большинству художников приходилось пробиваться самостоятельно.

Преодолевая нищету, Аристид Майоль много работал, копировал в Лувре Рембрандта, Фрагонара, Шардена, а в 1881 году поступает в Школу изящных искусств в класс антиков профессора Жерома. Однако его рисунки не понравились мэтру, и Аристид Майоль продолжил свое образование в Школе декоративных искусств.

После окончания школы Майоль попал под сильное влияние понт-авенской группы , которую возглавлял Гоген , в то время утверждавший: «Живопись - не натура. Это поверхность, которую следует декорировать». Кроме Поля Гогена, Аристид Майоль увлекался творчеством изобретателя «синтетизма» Эмиля Бернара , который стремился, в отличие от импрессионистов, не к аналитическому, расчленяющему, а к цельному видению. В сферу интересов молодого художника вошло и творчество монументалиста Пюви де Шаванна , который стал одним из теоретиков «клуозонизма» и предпочитал четко вылепленную, немного грузную форму.

В ранних живописных работах Аристида Майоля сквозь узорчатый, подвижный рисунок пробивается реальное воплощение мечтательно-зыбких женских образов: «Женщина в волнах» (1898) , «Лазурный берег» (1898) и др

На время Майоль оставил живопись и организовал в Баньюле экспериментальную мастерскую по производству гобеленов. Он сам делал картоны, составлял гамму цветов, подбирал и даже окрашивал нитки. Ткали гобелены местные девушки. В 1894 году на выставке «Группы двадцати» в Брюсселе Аристид Майоль показал свои первые гобелены - «Музыка» и «Очарованный сад».

В этих работах, как и в ранней живописи Майоля, чувствуется влияние стиля модерн, понт-авенской школы и группы «набидов «. Стилизованное упрощение и мягкая, плавная извивающаяся линия станут со временем отличительной особенностью его творческой индивидуальности.

Именно в гобеленах Аристид Майоль начал создавать свой, неповторимый, очень естественный, без присущих модерну надломов мир, полный цветов и свежих красок. Даже одежда и прически дам напоминают в его работах все те же бутоны и соцветия. Позже Аристид Майоль попытается теоретически обосновать адекватность человека растению, воплотит свои идеи в пластике и будет добиваться органического соединения мира искусства с миром природы, архитектуры с растительностью. В 1893 году Аристид Майоль женился на одной из своих мастериц, которая стала впоследствии любимой его моделью. Он не раз изображал ее не только на своих рисунках, но и в камне, бронзе, дереве. В это же время друзья познакомили Майоля с меценатом, богатым румынским князем Эммануэлем Бибеско , который со своими не менее состоятельными родственниками заказывал Майолю ковры.

Однако наступление машинного конвейерного производства не давало возможности процветать возрожденному кустарному промыслу.

В сорок лет Аристид Майоль словно начал жизнь заново. Он увлекся скульптурой, «увлеченно вырезал из дерева женские фигурки, даже не прорабатывая их предварительно в глине. Октав Мирбо , который часто встречался с Майолем в это время, говорил, что он был беден, но горд и весел.

Возвращаясь к земле, к истокам, Майоль все зимы проводил на родине, в Баньюле, а на лето приезжал в Марли-ле-Руа возле Парижа. Он с увлечением продолжал свои начатые еще в 1890-е годы эксперименты с изготовлением статуэток, ваз из фаянса и обожженной глины, пробовал себя в мелкой пластике из дерева и бронзы. Аристид Майоль был убежден, что нужно создавать вещи, имеющие отношение к жизни, что скульптура - как гончарное дело, она тоже должна быть создана для чего-нибудь.

Постепенно он преодолел «архаическую» скованность, которая чувствовалась в его ранних терракотовых купальщицах. В лучших произведениях этого времени «Лежащей девушке» (1900) , «Леде» , «Еве» (1902) чувствуется необыкновенная интимность выражения. Его женщины, выполненные в камне и бронзе, очень естественны, непосредственны и пластичны. Не только фигуры майолевских героинь, но даже их прически можно воспринимать как некие целостные и гармоничные архитектурные сооружения.

Именно точная структурная, конструктивная основа делает эти небольшие фигурки похожими на большие скульптуры, к созданию которых Аристид Майоль приступил в начале 1900-х годов. Первым до размера натуры он увеличил в 1902 году терракотовый эскиз «Средиземное море», а в 1905 году перевел его в камень.

Внешне абсолютно спокойные героини Майоля поражают ясно выраженным внутренним напряжением мысли и чувства. Это можно сказать о созданной в 1902-1906 годах «Ночи» и других скульптурах.

Майоль много наблюдал за каталонками, иногда мог в один сеанс вылепить голову понравившейся ему девушки. Он признавался: «Когда она проходит мимо, я чувствую ее душу. Вот это я хочу передать в моей статуе, что-то живое и вместе с тем нематериальное. Создавая фигуру девушки, я хочу передать впечатление от всех девушек. Мое чувство переходит в мои пальцы» . Необыкновенно жизненно воплотил Майоль в камне и чувство нежности, вдохновенной ласки (горельеф «Желание», 1907 ).

Аристид Майоль создал в это время немало интересных скульптурных портретов - величественно-суровый, чем-то похожий на образы романских святых «Портрет матери» (1898), правдивый портрет грубоватого в общении живописца Этьена Террю (1905) и выполненный с некоторым чувством трагической неотвратимости судьбы портрет старика Огюста Ренуара (1907) , который после того, как пришлось позировать Майолю, сам увлекся скульптурой.

В 1903 году на выставку Салона была впервые допущена маленькая статуэтка Майоля «Леда» , а в 1905 году - «Средиземное море» . В этом же году Аристиду Майолю поручают создание памятника Луи-Огюсту Бланки , который получил название «Скованная сила» (1905-1906).

Моделью для этой скульптуры, в которой впервые у Майоля проявляется некоторая экспрессия, служила жена художника. Образ женщины, силящейся разорвать сковывающие ее путы, олицетворяет саму жизнь революционера, который много лет провел в заключении. Образы Майоля никак не сопоставишь с танцем Айседоры Дункан. Они иногда не просто предельно просты, но даже простоваты, но в этом и кроется тайна их необыкновенной естественности и пластичности.

Только в 1908 году Аристид Майоль смог благодаря помощи образованного немецкого коллекционера графа Гарри Кессле-ра осуществить давнюю свою мечту - посетил Грецию. Вместе с Майолем в это долгожданное путешествие отправился и его меценат писатель Гуго фон Гофмансталь. Аристид Майоль с удивлением открыл для себя, что Греция очень похожа на его родную Каталонию. Позже скульптор написал: «В Афинах я рисовал в музее статую Аполлона. В этой статуе передано с предельным совершенством тело, но она уже далека от величественности и царственности Фидия. Кончив рисунок, я обернулся и оказался перед большой статуей примитивного характера, произведением в египетском стиле, строгом и грандиозном. Одним словом, статуей бога. Я понял, насколько это искусство по своему духовному величию выше Аполлона. Это сравнение меня поразило и заставило глубоко задуматься».

Дыхание античности чувствуется во многих произведениях Аристида Майоля, но особенно в его несравненных женских торсах - «Торсе Нереиды» (1905) и «Малом торсе на дельфине» (1925) . Лишенные рук, ног, головы, эти женские фигуры поражают необыкновенной пластичностью и женственностью. Мелкие, легкие складки, которые воспринимаются как промокшее платье, напоминают складки одежд нимф Парфенона.

Аристид Майоль продолжал свои «поиски великого». Значительно позже, подводя итоги своей творческой жизни, он писал: «Нашему времени не нужны больше боги. Мне остается следовать природе, и мне кажется, что я смогу найти в изучении человеческого тела основания красоты высшего порядка, если поставлю себе задачей передать гармонию форм и их архитектурное равновесие, и что этим изучением я смогу достичь великого».

Именно интимность отличает величественные статуи Аристида Майоля от произведений античных скульпторов. В 1907- 1910 годах появляется полная так называемой «развитой гармонии» «Помона» и более легкая, прелестная, в обтекающих тело легких одеждах «Флора». В 1910-1932 годах скульптор работал над памятником «Иль-де-Франс» ,

воплотившем в себе вечный дух исканий. Царственного величия исполнена полулежащая фигура (памятник Сезанну; 1912-1925 ), которая была своеобразным итогом исканий мастера уже не в «вертикальном», а в «горизонтальном» типе фигур. И если «Венера с ожерельем» (1918-1928) еще поражает своей отстраненностью от окружающего мира, то в бронзовой фигуре «Сена» (1921) уже сливаются воедино и «человеческое», и «пейзажное» начала. Не то складки одежды стекают подобно воде, не то вода и есть одежда…

Очень органичны, естественны и необыкновенно красивы, даже иногда утонченны иллюстрации Аристида Майоля к «Эклогам» Вергилия, «Искусству любви» Овидия, «Дафнису и Хлое» Лонга и другим произведениям.

Обосновывая свою эстетическую концепцию, Аристид Майоль писал: «В природе все восходящие линии, все вертикали прямы, горизонтальные линии - круглы. Возьмите ствол дерева. Его вертикаль пряма, как свеча. Но сделайте разрез ствола, и вы получите одни лишь круглые формы. Перенесите эти принципы, которые я нашел в природе, на человеческую фигуру. И вы будете иметь основы моей эстетики».

Очень точно определил развитие творческой индивидуальности Аристида Майоля Джон Ревалд, который в 1939 году писал: «В его эволюции нет ничего резкого, внезапного, ничего интеллектуального, она походит на ясный ручей, который в своем течении постепенно становится рекой. Его вода остается по-прежнему светлой, но его русло углубляется».

Те, кто хорошо знал Майоля, отмечали, что он вовсе не был художником только постоянного и светлого спокойствия. Экспрессия, которую можно уловить в некоторых его ранних работах (живописная композиция «Море» (1895) , горельеф «Желание» и др.),

с особой силой проявилась в 30-е годы. Аристид Майоль, как вспоминают его друзья, любил грозу и живопись Тициана очень часто предпочитал Эль Греко , его влекла «дорога, которая ведет неизвестно куда, в тайну».

В 1930 году в саду библиотеки Сен-Жермен-ан-Ле близ Парижа был установлен выполненный Аристидом Майолем памятник

выдающемуся композитору Дебюсси . Памятник лаконичен и немногословен - это присевшая на мгновение обнаженная женщина, которая поводит вокруг себя руками. Она похожа на нотный знак, вобравший в себя всю бездонность музыки.

Самым грандиозным произведением из созданных Майолем в 30-е годы считается памятник павшим в Баньюль-сюр-Мер .

Сам скульптор в эти годы говорил: «Я искал архитектуры устойчивости, стабильности. Теперь я ищу архитектуры движения» . Он создает целую серию необыкновенно динамичных маленьких бронзовых и глиняных купальщиц, а позднее, вдохновленный мощной глубокой музыкой Баха,-символические образы природных стихий. Полна могучего спокойствия и задумчивости его «Гора» (1935-1938). Легка и свободна почти парящая над постаментом женщина-«Воздух» , выполненная в 1937-1939 годах как памятник летчику Ж. Мермозу , о котором писал Сент-Экзюпери.

Мечтательны объединенные внутренним ритмом «Три нимфы» (1936-1938) . Покорна, вся во власти стремительного стихийного движения «Река» (1938-1943).

В живописи, которую Майоль не оставлял в этот период, проявляется пастозность, даже некоторая скульптурность письма.

Когда началась Вторая мировая война, Аристид Майоль наотрез отказался эвакуироваться и остался с женой в своем доме.

Последней моделью Аристида Майоля стала оригинальная, очень глубокая, начитанная девушка Дина Вьерни , которую он пригласил позировать для «Трех нимф». С начала 1937 года она почти ежедневно приходила за пять километров к нему на ферму, и они даже во время сеансов вели философские беседы, читали стихи. Именно с Дины сделаны почти все последние рисунки Майоля и его последняя, самая дорогая для него скульптура «Гармония» (1944) , в которой он как бы объединяет чувства трагедии и радости, живое движение, в котором чувствуется отзвук его недавнего увлечения экспрессией, и изумительное чувство спокойствия и необыкновенной нежности.

В начале сентября 1944 года Майоль, возвращаясь от Рауля Дюфи, попал в автокатастрофу. Врачи самоотверженно боролись за его жизнь. Утратив возможность говорить, Аристид Майоль пытался записывать свои мысли в школьной тетрадке.

Однако 27 сентября 1944 года его не стало. В последний путь скульптора провожали две его Музы - окруженная детьми каталонская красавица Лаура, увековеченная им в «Помоне», и утонченная, нежная и гордая Дина. «Гармония», для которой она позировала, так и осталась незавершенной, но в ней звучит услышанная и воплощенная великим скульптором великая музыка, музыка тишины.

Бoгдaнoв П.С., Бoгдaнoвa Г.Б.

Статья из www. ikleiner. info , изобразительный ряд изhttp://smallbay.ru и из книги О.Петрочука «Аристид Майоль». 1977г. изд.http://art-blog.uz/archives/294

больше картин здесь

http://artchive.ru/artists/aristid_mayol/type/zhivopis/45643#picture

Аристид Майоль родился 8 апреля 1861 г. на юге Франции - в городке Баньюльс-сюр-Мер в провинции Руссильон (Пиренеи). Учился в Школе изящных искусств и Школе декоративных искусств в Париже, занимался рисунком и живописью в классе Александра Кабанеля. Но ухудшение зрения заставило его обратиться к скульптуре.

Аристид Майоль был сыном потомственного виноградаря (слово «майоль» на каталонском наречии означает «виноградная лоза»). На родине в крестьянском труде и робких попытках заниматься искусством прошли первые двадцать лет его жизни.

В 1881 г. Майоль поселился в Париже. Сначала он посещал школу при Академии изящных искусств, затем Школу декоративных искусств, где познакомился с творчеством современных французских художников. В то время Майоль увлёкся живописью и изготовлением гобеленов - вытканных вручную шерстяных ковров-картин без ворса. Он вернулся домой и организовал мастерскую. В 1894 г. первые его работы были представлены публике. Ткачество открыло Майолю забытые возможности декоративно-прикладного искусства, а созданные им гобелены, очаровав многих художников, принесли мастеру известность и поклонников среди коллекционеров.

В сорок лет Майоль занялся скульптурой. Огюст Роден, посетив первую персональную выставку мастера в 1902 г., был восхищён его работой «Леда» (1902 г.). Это был невероятный успех, признание правильности избранного пути, более того - своеобразное благословение великого Родена.

В 1901-1905 гг. Майоль создал первую большую мраморную статую, у которой два названия: «Средиземное море» и «Мысль». Её композиция чиста и логична, а пластика формы естественна и проста.

Майоль, проверив в свои силы, начал участвовать в конкурсах проектов памятников. В 1906 г. появился монумент «Скованная свобода» (1905-1906 гг.), изображающий могучую женщину, воплощение жизненной энергии, способной к преобразованию мира. Таким Майоль представил памятник коммунисту-утописту Луи Огюсту Бланки. Заказчики остались недовольны. Они попытались скрыть непривычный облик скульптуры, поставив её на очень высокий постамент и окружив деревьями.

Скульптор мечтал увидеть памятники Древней Греции. В 1908 г. у него появилась такая возможность. Новый друг Майоля немецкий меценат и коллекционер граф Гарри Кесслер осуществил его желание. Созерцая скульптуры Парфенона и храма Зевса в Олимпии, рисуя в афинских музеях, мастер ощутил родство своего таланта с пластическим мышлением древних греков, почувствовал связь, прошедшую через тысячелетия. Одновременно Майоль осознал невероятный разрыв культур - древней и современной. «Что должен был я выбрать? - спрашивал себя скульптор. - Нашему времени не нужны больше боги. Мне остаётся следовать природе…»

Так появилась «Флора» (1911 г.), спокойная, как мудрая богиня, и сильная, как простая крестьянка. За ней последовала более изящная скульптура, олицетворяющая Иль-де-Франс, историческую область в центре Франции («Иль-де-Франс», 1910-1932 гг.). «Не подражая природе, я работаю, как она», - говорил Майоль.

Лучшие дня

В 1912 г, скульптор начал памятник художнику Полю Сезанну. (Майоля иногда называли «Сезанном в скульптуре».) Он занимался памятником более десяти лет, разрабатывая композицию с полулежащей женской фигурой. Однако жителям Экса, родного города Сезанна, монумент показался слишком простым. После громкого скандала в прессе он нашёл приют в парижском саду Тюильри.

В 1934 г архитектор Жан-Клод Дондел познакомил 73-х летнего Майоля с иммигранткой из Советского союза, 15-ти летней Диной Верни, которая стала сначала его натурщицей, а затем и музой. Он представлял её в виде разнообразных ню в бронзе, мраморе и прочих материалах (композиции «Река», «Воздух», «Гармония» и множество других) и благодаря этому творческому содружеству Майоль вновь начал рисовать.

В 30-х гг. Майоля всё больше привлекала природа («Гора», 1935-1938 гг.; «Река», 1939-1943 гг.). Скульптура «Гора» - снова женщина, она душа горы, её незримый образ, её сущность. Одна нога женщины уходит в камень, другая согнута; голова её склонена. Пальцы рук женщины разомкнуты и устремлены вверх - это вершина горы. Волнистые развевающиеся волосы олицетворяют облака, наползающие на вершину.

«Гармония» (1940-1944 гг.) - последняя статуя мастера. Майоль работал над ней четыре года, но она осталась незавершённой. «Гармония» изображает юную, сильную и гибкую женщину, неуловимо похожую на античную Венеру. Это своего рода завещание скульптора потомкам.

Майоль как-то сказал: «Я не изобретаю ничего, так же как яблоня не выдумывает своих яблок». Простые истины, которые благодаря ему вновь утвердились в европейской скульптуре, - это законы гармонии и красоты. Они были надолго забыты; их подменили условной красивостью, принятой в академиях, пустой и бездушной. Вслед за живописной выразительностью Огюста Родена и эмоциональностью Антуана Бурделя классическая простота Аристида Майоля уничтожила последние следы академизма, вернув скульптуре XX в. её древние основы.

27 сентября 1944 годa Майоль погиб в автокатастрофе, всё свое состояние и все свои коллекции он завещал Дине Верни. С этого момента она становится галеристкой в Париже, одной из самых успешных. На протяжении всей жизни Дина Верни занималась пропагандой творчества Майоля, увенчавшейся в 1995 году открытием музея Майоля - «Фонда Дины Верни» (улица Гренель, 61, VI округ Парижа), который, кроме работ Майоля в постоянной экспозиции, отличается исключительно высоким уровнем выставок. 18 скульптур Майоля были ею переданы в дар французскому правительству с условием их размещения в садах Тюильри (впоследствии она передала ещё две скульптуры).

100 знаменитых художников XIX-XX вв. Рудычева Ирина Анатольевна

МАЙОЛЬ АРИСТИД (род. 8.12.1861 г. – ум. 27.09.1944 г.)

МАЙОЛЬ АРИСТИД

(род. 8.12.1861 г. – ум. 27.09.1944 г.)

Полное имя – Аристид Жозеф Бонавантюр Майоль.

Известный французский скульптор, гравер и литограф.

«Искусство существует, чтобы забывать мерзости жизни», – любил повторять Аристид Майоль. И, создавая свои полные чистоты и гармонии творения, мастер стремился к тому, чтобы, глядя на них, люди забывали обо всем плохом. «Мои статуи – это поэмы жизни. Вместо того, чтобы высказываться в стихах, я выражаю себя в скульптуре», – говорил он. Спокойное, уравновешенное искусство этого скульптора не было призвано совершить переворот в искусстве. Да и сам внутренне безмятежный и тихий Аристид Майоль по своей натуре меньше всего подходил на роль «потрясателя основ». Тем не менее, наряду с Антуаном Бурделем, он по праву считается «стволом» современной скульптуры, дающим «соки своим более молодым ответвлениям». Недаром Марк Лафарг сказал о Майоле: «Он сделался для скульптуры тем же, что Сезанн для живописи».

Родился будущий скульптор в небольшом городке Баньюль-сюр-Мер, расположенном недалеко от испанской границы, у отрогов Восточных Пиренеев. О родном городе, окруженном с одной стороны горами, а с другой – морем, художник всегда говорил с любовью и восхищением: «Окрестности Баньюля – это как картина Пуссена, только еще прекрасней… Море, солнце, вино! Здесь невозможно создавать бесчувственное искусство». Предки Аристида были потомственными виноградарями, по праву гордясь своей фамилией, на местном каталонском наречии означающей «виноградная лоза».

Жозеф-Бонавентур-Аристид был вторым ребенком из четверых, родившихся в семье. Под строгим надзором матери и одинокой тетки он рос тихим и застенчивым мальчиком. Тягу к искусству маленький мечтатель испытывал еще в раннем детстве. Во время учебы в колледже в Перпиньяне Майоль начал рисовать. В семье, где никто не имел способностей к этому виду искусства, он стал первым, кто занялся живописью. Радостные чувства от собственного открытия и познания мира Аристид выражал, рисуя маслом пейзажи, на которых изображал все, что видел вокруг – море, солнце, скалы… В старших классах восемнадцатилетний юноша принимал участие в оформлении газеты, иллюстрируя ее своими многочисленными рисунками. Талант юноши заметили, и вскоре Генеральный совет Перпиньяна выделил Аристиду Майолю стипендию в 20 франков. Страстно желая стать художником, он много рисовал, прилежно копировал античные гипсы из собрания местного музея и, наконец, принял решение ехать в Париж.

«Новая, чужая, но такая одуряющая атмосфера всемирной столицы искусства» ошеломила Майоля. В Париже тех лет уже не было дружных братств художников, каковыми в 70-е гг. являлись группы барбизонцев или импрессионистов. Чтобы пробиться, начинающему художнику приходилось действовать в совершенном одиночестве. В Лувре, копируя Фрагонара, Шардена, Рембрандта, Аристид забывал о навалившейся нищете и обо всех житейских неприятностях. В 1881 г. будущий скульптор начал занятия в Школе изящных искусств, в классе антиков профессора Жерома. Однако прозанимался в этом заведении совсем недолго, так как профессор, не обнаружив в работах ученика «привычной академической умеренной аккуратности, кропотливого прилежного стиля в рисунке» и «безликости, столь необходимой всякому смиренному школяру», выгнал его, предложив все же продолжить обучение в Школе декоративных искусств. Там не очень честолюбивый, но терпеливый, упорный и сосредоточенный Майоль был аттестован как ученик «аккуратный, прилежный и превосходного поведения». Когда период «иссушающего ученичества» закончился, он с удивлением открыл для себя искусство Поля Гогена и возглавляемой им понт-авенской группы, а также живопись Огюста Ренуара. Помимо этого молодой художник с интересом изучал творчество монументалиста Пюви де Шаванна, перед талантом которого давно преклонялся. В ранних работах Майоля, основной тематикой которых являются пейзажи и нагие женщины, в той или иной степени чувствуется влияние всех этих художников. Особенно ярко это ощущается в лучшем живописном произведении того периода «Лазурный берег» (1898 г.). Примечательно, что уже в первых творениях художника намечается главная тема всего его творчества – гармоничный образ естественного человека в согласии с природой.

Однако Аристид на время отказался от живописи, оставив ее ради «новой идеи чисто декоративного творчества». У себя на родине, в Баньюле, он организовал мастерскую по производству гобеленов. Стремясь возродить заброшенный, но прекрасный промысел, беспрерывно экспериментируя, Майоль подобно алхимику-фанату создавал удивительные краски, используя для этого местные цветы и травы. Он собственноручно усовершенствовал ткацкий станок, делал эскизы гобеленов, учитывая малейшие оттенки цветовой гаммы. Первые его изделия – «Очарованный сад» и «Музыка» были представлены в 1894 г. на выставке «Группы двадцати» в Брюсселе. В гобеленах Майоля, подобно его ранним живописным полотнам, можно уловить влияние понт-авенской школы и принявших ее установки «набидов». Плавная мягкая извивающаяся линия, становясь со временем еще более чистой и упрощенной, навсегда сохранится в произведениях этого мастера как отличительная особенность его творческой индивидуальной манеры. В гобеленах Майоль пытался создавать свой собственный мир – «царство радости и света», наполненное свежими молодыми красками. Фигурки дам, изображенных на гобеленах, обрамляют сочные плоды, яркие цветы и листья, и даже юбки и прически женщин выполнены наподобие бутонов и соцветий. Годы спустя, будучи скульптором, Майоль обобщит это «удивительное равенство человека с растением» в некую теорию, основанную на взаимосвязи архитектуры и растительности. В своих творениях он всегда будет стремиться восстановить утраченную когда-то и забытую связь между искусством и природой.

В 1893 г. Аристид Майоль женился на одной из мастериц, работавших в его мастерской. С тех пор избранница художника стала его излюбленной моделью, которую он запечатлел в своих многочисленных рисунках, а позднее и в скульптурных произведениях. Став семейным человеком, а вскоре и отцом, Майоль особенно много работает, но по-прежнему испытывает материальные трудности. В это тяжелое время художнику помогали его более состоятельные друзья-живописцы Вюйар, Боннар, Дени, Синьяк и Матисс.

К 1900 г. Аристиду пришлось оставить любимое дело. Развитие машинного производства ковров сделало его промысел почти бессмысленным. Кроме того, у художника началась болезнь глаз. Но сорокалетний Майоль не впал в отчаяние от житейских невзгод, а начал свою карьеру заново, с увлечением занявшись скульптурой. «Вдохновение было во мне. Я стал скульптором», – вспоминал он. Свои первые работы мастер вырезал из дерева, даже не прорабатывая их предварительно в глине. Он радовался возможности снова работать и видеть – к счастью, болезнь глаз отступила. Каждый год Майоль проводил одинаково: зиму – на родине, в патриархальном Баньюле, а лето – недалеко от Парижа, в Марли-ле Руа. Он много упражнялся в изготовлении керамических ваз и статуэток, пробуя себя в мелкой пластике. Без тени самоуничижения скульптор сравнивал себя с мастером-гончаром и говорил: «Нужно создавать вещи, имеющие отношение к жизни… Скульптура ведь как гончарное дело – она тоже должна быть создана для чего-нибудь».

В первых скульптурных работах мастера, из которых наиболее известны горельеф «Источник» (1898 г.) и серия «купальщиц», выполненных в стиле круглой пластики, чувствуется чрезвычайная зависимость замысла от материала. Но пройдет совсем немного времени, и он преодолеет схематизм и «архаическую» скованность, характерные для его ранних работ. В лучших творениях этого периода, «Ева» (1902 г.) и «Леда» (1902 г.), Майоль впервые сумел показать одну из существеннейших особенностей своего творчества – интимность выражения. «Майолевские» женщины, выполненные в бронзе и камне, удивительно естественны, пластичны, иногда невинно кокетливы. Это всего лишь небольшие статуэтки, но их конструктивная основа такова, что на фотографиях они выглядят, как грандиозные огромные скульптуры.

К изготовлению больших изваяний Майоль приступил уже в начале 1900-х гг., выполняя их из камня, который отныне становится любимым материалом мастера. «Бронза слишком темна, на мой вкус, она поглощает слишком много света. А я ведь хочу света», – объяснял он выбор материала. В 1902 г. свой первый терракотовый эскиз «Средиземное море» скульптор увеличил до размеров натуры, а спустя три года перевел его в камень. В лаконичной простоте, четкости силуэта статуи «Средиземное море», иначе называемой «Мысль», Андре Жид увидел «несомненные приметы рождения нового современного искусства». Отныне материал не господствует в творениях ваятеля, а всецело подчиняется его замыслу, сохраняя при этом все свои блистательные качества. Персонажи Майоля сочетают в себе внешнее спокойствие и стабильность с внутренней насыщенностью, напряженностью мысли. Эта особенность ощущается практически во всех «майолевских» творениях тех лет, включая одну из лучших работ – монументальную композицию «Ночь, или Мечта» (1902–1906 гг.). Чрезвычайное внимание автор уделял именно внутренней жизни своих героинь, для чего много наблюдал за своими современницами. Увидев в лице случайной каталонки необходимое ему выражение, обычно медлительный Майоль мог в течение трех часов по первому впечатлению вылепить голову ничего не подозревающей об этом девушки. «Когда она проходит мимо, я чувствую ее душу, – говорил скульптор. – Вот это я хочу передать в моей статуе, что-то живое и вместе с тем нематериальное. Создавая фигуру девушки, я хочу передать впечатление от всех девушек. Мое чувство переходит в мои пальцы». Особенно отчетливо это можно увидеть в горельефе «Желание», в котором автор продолжил и развил тему нежности, успешно начатую в «Леде». В этой работе Майоль впервые выступил как трогательный, но не сентиментальный творец.

Преимущественно монументалист, Майоль пробовал себя и в портрете, выполнив величественный и тонкий по стилю «Портрет матери» (1898 г.), сокровенный портрет своего угрюмого друга, живописца Этьена Террю (1905 г.) и правдивый портрет больного, состарившегося Огюста Ренуара (1907 г.), в котором сумел передать и физическую слабость, и мужество духа почтенного художника. Интересно, что после позирования Майолю, под впечатлением от его работы, Ренуар тоже решил заняться скульптурой, несмотря на свои недуги. Так Аристид Майоль, испытавший воздействие ренуаровской живописи, оказал встречное влияние на старого мастера, которого считал одним из своих истинных учителей.

В 1903 г. на выставке Салона, по настоянию Родена, впервые была выставлена статуэтка «Леда», а спустя два года на вернисаж допустили и «Средиземное море». Тогда же был принят проект памятника Луи-Огюсту Бланки, получивший название «Скованная сила, или Скованная свобода». Создавая этот необычный и оригинальный памятник, Майоль впервые сделал шаг «к выражению экспрессии». Фигура могучей женщины, пытающейся в сильном напряжении разорвать сковывающие ее путы, олицетворяла собой жизнь революционера Бланки, много лет проведшего в заточении. Моделью для этой скульптуры, как и для более ранних – «Средиземного моря» и «Ночи», – служила жена скульптора.

Создавая проекты будущих композиций, он много времени уделял рисунку, наброску, как с натуры, так и по воображению. Большие рисунки Майоля, монументальные, фресковые, считаются почти самостоятельным жанром, в них автор давал себе полную свободу творчества. «Не останавливайте вашего штриха, пускайте свободно ваш карандаш, – не раз повторял художник. – Давайте работу инструментам: часто они умнее нас… Высвобождая бег ваших линий, вы добьетесь лучшего рисунка». Незаурядный талант рисовальщика и графика проявил он и в создании иллюстраций к «Дафнису и Хлое» Лонга, «Искусству любви» Овидия, «Эклогам» и «Георгикам» Вергилия.

«Вечный искатель прекрасного», Майоль пытался создать свою эстетическую теорию, основанную на его художественной практике. «В природе все восходящие линии, все вертикали прямы, горизонтальные линии – круглы. Возьмите ствол дерева. Его вертикаль пряма, как свеча. Но сделайте разрез ствола, и вы получите одни лишь круглые формы. Перенесите эти принципы, которые я нашел в природе, на человеческую фигуру, и вы будете иметь основу моей эстетики», – говорил мастер.

К 1908–1910 гг. Майоль окончательно утвердился как скульптор. В 1908 г. он осуществил долгожданную поездку в Грецию, которая стала возможной благодаря одному из его немногочисленных друзей, немецкому любителю французского искусства Гарри Кесслеру. Посетив обетованную родину скульптуры, Майоль с удивлением обнаружил, что Греция удивительно похожа на его родную Каталонию: «Эта та же страна, но без домов, пустынная». Оказалась, что «реальная, каждодневная, сиюминутная» жизнь, окружавшая его в родном Баньюле, необыкновенно близка античности. Наверное, поэтому некоторые скульптуры (особенно «Торс Нереиды», 1905 г.), сделанные мастером еще до путешествия в Грецию, напоминают нимф с фронтонов Парфенона. Искренне восхищаясь архаикой, Майоль был уверен в том, что «надо быть в согласии с современной эпохой». Современность его статуй проявляется прежде всего в интимности их восприятия. Примечательна в этом отношении неповторимая «Помона», сочетающая в себе «величие зрелости» и «специфическую грацию детства». Эта скульптура, над которой автор трудился с 1907 по 1910 г., является одной из главных его творческих побед. Могучая статуя, воплощающая идею осени и плодородия, таит в себе многие из качеств, которые вкладываются в понятие «майолевская женщина», – первозданную чистоту, непосредственность, женственную мягкую округлость и монументальную цельность. Однако типаж «маиолевских женщин» широк и разнообразен, о чем можно судить по легкой, изящной, узкобедрой «Флоре» (1911 г.) или царственно-величественной статуе «Иль-де-Франс» (1919–1932 гг.). Начиная с «Памятника Полю Сезанну» (1912–1925 гг.), мастер приступил к разработке так называемого типа «горизонтальной», полулежащей фигуры, который приходит на смену «вертикальным» статуям. Теперь скульптуры Майоля стали необыкновенно «пейзажны», господствуя над пространством и организуя его. Особенно заметно это по бронзовой «Сене» (1921 г.), складки одежды которой струятся по телу подобно реке или водопаду.

Невероятно, но все эти памятники А. Майоля в большинстве своем не имели успеха у заказчиков и современников. Они считали, что изваяния этого мастера слишком просты и им не хватает выразительности и эффектности. И потому судьба маиолевских работ была довольно сложной, а иногда и печальной. Вплоть до 1917 г. гордый скульптор, равнодушный к сенсациям и помпезности, оставался почти безвестным. «Никогда не следовавший моде», он долгое время был как будто в тени других. Вообще развитие Майоля как творца проходило неспешно и медленно. «В его эволюции нет ничего резкого, внезапного, ничего интеллектуального, она походит на ясный ручей, который в своем течении постепенно становится рекой, – писал Джон Ревалд в 1939 г. – Его вода остается по-прежнему светлой, но его русло углубляется».

Искусство Майоля не знает заката. С годами работы мастера не стали скуднее и беднее. Напротив, в них обнаруживаются новые, порой неожиданные искания. В 30-е гг. в его статуях с удивительной силой проявилась экспрессия. «Я искал архитектуры устойчивости, стабильности. Теперь я ищу архитектуры движения», – говорил Майоль. Его творения этого периода, из которых наиболее примечателен «Памятник Дебюсси» (1930 г.), контрастны и в то же время родственны предшествующим скульптурам. Особая удача мастера – «Памятник павшим» (1930–1933 гг.), воздвигнутый в Баньюль-сюр-Мер. Этот мемориал, воплотивший в себе силу и вечность, является самым грандиозным из его работ. В те же годы Майоль создал также целую серию маленьких бронзовых и глиняных статуэток купальщиц. Чуть позднее, тоже в жанре мелкой пластики, были рождены образы природных стихий – «Гора» (1935–1938 гг.), «Воздух» и «Ночь» (1937–1939 гг.), «Река» (1938–1943 гг.). В живописных работах тех лет художник придерживается подобной тематики: обнаженные женщины, купающиеся или отдыхающие. В его густо, пастозно написанных картинах, где каждый мазок добротен и основателен, чувствовалось влияние Сезанна.

В начале Второй мировой войны, когда Франция была оккупирована немецкими войсками, восьмидесятилетний скульптор наотрез отказался эвакуироваться. Вместе с женой он остался в своем доме и продолжал работать. Здесь с натуры Майоль создавал бронзовую статую «Гармония» (1940–1944 гг.), для которой позировала молодая девушка Дина Вьерни, ставшая последней моделью ваятеля. Оригинальная, глубокая, с философским взглядом на мир, она почти ежедневно приходила за пять километров в мастерскую скульптора. Они подолгу беседовали, читали стихи. И в этой обстановке Майоль создавал свои последние работы.

15 сентября 1944 г., возвращаясь из Верне-ле-Бен, скульптор попал в автокатастрофу. Утратив возможность говорить, он записывал свои последние мысли в школьную тетрадь. В них не было ничего, кроме беспокойства о близких и сожаления о тех творениях, которые скульптор не успел закончить. 27 сентября 1944 г. Аристид Майоль скончался, оставив свою «Гармонию» незавершенной. В последний путь мастера провожали юная модель Дина Вьерни и давняя Муза художника, Лаура, увековеченная им в образе «Помоны» сорок лет назад. Оставшаяся без рук, подобно Венере Милосской, изящная «Гармония» в своей незавершенности стала символом бесконечного поиска художника, оборвать который смогла только смерть.

Из книги Люди, нравы и обычаи Древней Греции и Рима автора Винничук Лидия

Из книги Лесной: исчезнувший мир. Очерки петербургского предместья автора Коллектив авторов

Из книги Московские обыватели автора Вострышев Михаил Иванович

Из книги Повседневная жизнь Монмартра во времена Пикассо (1900-1910) автора Креспель Жан-Поль

КОРОВИН КОНСТАНТИН АЛЕКСЕЕВИЧ (род. 23.11.1861 г. – ум. 11.09.1939 г.) Русский живописец, тонкий мастер пленэра, театральный декоратор, писатель, автор более 360 мемуарных очерков, рассказов, сказок, книги «Шаляпин. Встречи и совместная жизнь», воспоминаний «Моя жизнь», рукописи

Из книги Такая удивительная Лиговка автора Векслер Аркадий Файвишевич

МОНДРИАН ПИТ (род. 7.03.1872 г. – ум. 1.02.1944 г.) Полное имя – Питер Корнелис Мондриан. Известный голландский живописец и теоретик искусства, представитель движения «Де-Стийл», один из основоположников «неопластицизма» и абстракционизма. Автор теоретических сочинений по

Из книги От Данте Алигьери до Астрид Эрикссон. История западной литературы в вопросах и ответах автора Вяземский Юрий Павлович

МУНК ЭДВАРД (род. 12.12.1863 г. – ум. 23.01.1944 г.) Известный норвежский живописец-символист, график, скульптор, театральный художник и монументалист, один из основоположников экспрессионизма. Создатель более 100 живописных работ и почти 4500 рисунков и акварелей. Обладатель

Из книги Русская книжная культура на рубеже XIX?XX веков автора Аксенова Галина Владимировна

Из книги Бронзовый век России. Взгляд из Тарусы автора Щипков Александр Владимирович

Гленн Миллер (1904–1944) Гленн Миллер (Alton Glenn Miller) – американский тромбонист, аранжировщик, руководитель одного из лучших свинговых оркестров конца 1930-х – начала 1940-х годов – Оркестра Гленна Миллера. В СССР этот оркестр стал известен прежде всего благодаря фильму “Серенада

Из книги автора

Из книги автора

Экзюпери (1900–1944) Наиболее известное произведение Антуана де Сент-Экзюпери - аллегорическая повесть «Маленький принц». Вы позволите мне задать Вам несколько вопросов по этой, как сейчас говорят, культовой литературной сказке? Вопрос 2.67Как Вы думаете, в каком городе была

Из книги автора

Экзюпери (1900–1944) Ответ 2.67В Нью-Йорке, в апреле 1943 года, за год до гибели писателя.Ответ 2.68«Но никто ему не поверил, а всё потому, что он был одет по-турецки. Уж такой народ эти взрослые!»Ответ 2.69Министром юстиции. «Тогда суди сам себя. Это самое трудное… Если ты сумеешь

Майоль Аристид (1861-1944)

Майоль Аристид (1861-1944)

Французский скульптор. В молодости занимался живописью, изготавливал гобелены. В зрелом возрасте обратился к скульптуре.

Аристид Жозеф Бонавантюр Майоль родился в 1861 г. на юге Франции в городке Баньюльс-сюр-Мер.

Его отец был виноградарем, а дед рыбаком. В 1882 г., бросив учебу в колледже, Майоль уехал в Париж с намерением посвятить себя живописи.

В последующие четыре года Майоль учится в Школе изящных искусств, а также в Школе декоративного искусства.

Своим самым сильным впечатлением восьмидесятых годов Майоль называл живопись Пюви де Шаванна. Однако решающую роль в его становлении сыграло знакомство в 1889 г. с искусством Поля Гогена; глубинные связи с его творчеством Майоль сохранит и в будущем.

В это же время Майоль сближается с членами группы «Наби», считавшими себя последователями Гогена. Набийцы писали картины, подобные декоративным панно, расписывали ширмы, делали рисунки для гобеленов. Майоля увлекла идея возрождения старинного ковроткачества.

Он вернулся в родной город и организовал там мастерскую, где шесть девушек работали над коврами по его эскизам. Кроме гобеленов, Майоль создает на исходе века целую серию предметов прикладного искусства. Он работает с деревом, бронзой и керамикой, украшая свои произведения лепными и живописными изображениями античных персонажей.

Напряженная работа над гобеленами приводит к тому, что в 1899 г. Майоль временно теряет зрение. Выздоровев, он вынужден навсегда оставить любимое ремесло.

В сорок лет Майоль самостоятельно обратился к скульптуре. Начал будущий мастер с небольших статуэток, отмеченных упрощенным декоративизмом в стиле модерн («Стоящая купальщица», 1900; «Сидящая женщина», ок. 1900).

Средиземное море (Мысль) . 1901-05
Мрамор. 118 х 111 х 69 см
Музей Орсе, Париж

В 1901 г. Майоль приступил к работе над первой большой статуей. Она имеет два названия - «Средиземное море» и «Мысль» (1901-05). Работа была выставлена в осеннем Салоне Парижа в 1905 г. Успех ее был огромен. В удивительно пластичной, безупречной по композиции, выполненной в классических традициях скульптуре были заключены поэтичность, музыкальность, особое майолевское видение мира.

Леда. 1902
Бронза.
Собрание О. Рейнхарта, Винтертур

В 1902 г. Огюст Роден, посетив первую персональную выставку Майоля, был восхищён его работой «Леда» (1902). Это был невероятный успех, признание правильности избранного пути, более того - своеобразное благословение великого Родена.

Поверив в свои силы, Майоль начал участвовать в конкурсах проектов памятников. В 1906 г. появляется монумент «Скованная свобода» (1905-06), изображающий могучую женщину, воплощение жизненной энергии, способной к преобразованию мира.

Скованная свобода (Памятник О. Бланки) . 1905-06
Бронза.
Сад Карусель, Париж

Таким Майоль представил памятник коммунисту-утописту Луи Огюсту Бланки. Этой работой заказчики остались недовольны. Они попытались скрыть непривычный облик скульптуры, поставив её на очень высокий постамент и окружив деревьями.

В 1908-10 гг. Майоль посетил Грецию, где на него сильнейшее впечатление произвели произведения архаики и ранней классики.

Иктин и Калликрат. Парфенон. Афинский акрополь. V в. до н. э.

Храм Зевса в Олимпии. V в. до н. э.
Олимпия, Греция

Созерцая скульптуры Парфенона и храма Зевса в Олимпии, рисуя в афинских музеях, мастер ощутил родство своего таланта с пластическим мышлением древних греков, почувствовал связь, прошедшую через тысячелетия.

Одновременно Майоль осознал невероятный разрыв культур - древней и современной. «Что должен был я выбрать? - спрашивал себя скульптор. - Нашему времени не нужны больше боги.

Мне остаётся следовать природе...» Так появились «Помона» (1910) и «Флора» (1911-12) - спокойная, как мудрая богиня, и сильная, как простая крестьянка. За ними последовали «Венера с ожерельем» (ок. 1918-28), самая лиричная и женственная из майолевских богинь, и «Иль-де-Франс» (1920-25) - высшее достижение всего майолевского творчества.

Помона. 1910
Бронза.
Сад Карусель, Париж

Флора. 1911-12
Бронза. Высота 163 см
Новая пинакотека, Мюнхен

Венера с ожерельем. Около 1918-28
Бронза. 175,3 х 61 х 40 см
Галерея Тейт, Лондон

Иль-де-Франс. 1920-25
Камень. 49 х 152 х 58 см
Музей Орсе, Париж

Еще в 1912 г. Майоль начал работу над памятником французскому художнику-постимпрессионисту Полю Сезанну. (Примечательно, что Майоля иногда называли «Сезанном в скульптуре».)

Памятник П. Сезанну. 1912-25
Камень. 227 х 140 х 77 см
Музей Орсе, Париж

Он занимался памятником более десяти лет, разрабатывая композицию с полулежащей женской фигурой. Однако жителям Экса, родного города Сезанна, монумент показался слишком простым. После громкого скандала в прессе он нашёл приют в парижском саду Тюильри.

В тридцатые годы Майоль создает ряд статуй, олицетворяющих природные стихии, или своеобразные «первоначала» природы - землю, воду, воздух. Этот замысел нашел воплощение в статуях «Гора» (1935-38) и «Река» (1939-43).

Гора. 1935-38
Свинец.
Сад Карусель, Париж

Река. 1939-43
Свинец.
Музей современного искусства, Нью-Йорк

В эти же годы мастер работал над единственной в его творчестве групповой композицией, позже названной «Три грации» (1930-38). Сам Майоль называл ее «Нимфы цветочных лугов». Она состоит из трех обнаженных женских фигур, головы которых увенчаны венками из полевых цветов.

Три грации. 1930-38
Свинец. 157,5 х 146,7 х 80,6 см
Галерея Тейт, Лондон

Последняя монументальная статуя Майоля - «Гармония» (1940-44) - создавалась в тяжелые годы фашистской оккупации. Скульптор практически не выезжал из Баньюльса и, несмотря на почтенный возраст, по-прежнему работал по десять часов в сутки, создавая жизнеутверждающие произведения.

Свою задачу Майоль, как и прежде, видел в том, чтобы творить «вечно человеческое» и «волновать сердца людей». «Гармония» осталась незаконченной - в 1944 г. Майоль скончался после автомобильной катастрофы.